Neoclasicismo y arte romanico

ANALISIS DE LAS OBRAS DEL NEOCLASISISMO Y DEL ARTE ROMANO
El neoclasicismo: fue un estilo inspirado e imitador de la antigüedad clásica, de ahí los temas
históricos y mitológicos. Abundan los desnudos al estilo griego y las poses grandilocuentes y
frías, muy estudiadas y académicas. Es un arte lleno de normas, donde lo importante es el
dibujo mientras el color se considera secundario. Normalmente se huye del movimiento y,
cuando está presente, parece congelado, estable y predecible. Uno de los artistas más notable
de esa época fue: Jacques-Louis David (1748-1825). Una de sus obras en: 1780 "La herencia
clásica"
(“La herencia clásica" ).
El romanticismo surge como reacción al neoclasicismo, es un arte de sentimiento, arrebatado
y fogoso, lleno de fuerza y libertad. Los artistas reivindican la libre creación, sin someterse a
normas; la pasión se expresa con violencia, se busca el movimiento desenfrenado. Frente a la
razón, predominante en el neoclasicismo, se opone ahora el sentimiento y por ello es un estilo
individualista. También cambia la temática, se inspiran en la noche, las ruinas, la naturaleza
salvaje, la locura, la muerte, los cementerios, las tragedias. Se exalta la libertad y el patriotismo,
la nostalgia y la desesperanza. Técnicamente destaca la fuerza del color en poderosos
contrastes, posturas arrebatadas y desequilibradas, gesticulación y claroscuros acusados. Entre
los más destacados pintores señalamos a: Francisco de Goya. ( 1819-1823 )Una de sus obras
más destacadas para en la época del romanticismo fue: (“Saturno devorando a un hijo”).
(“Saturno devorando a un hijo”).
Existen numerosa diferencia entre las obras del arte neoclásico y las obras del arte romano.
A este estilo se le llamó Neoclasicismo; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente
desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Más
que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con
los acontecidos en su propio tiempo. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron
reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó (período anterior) por un estilo lógico, de
tono solemne y austero. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas
en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el
neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la
República romana. Más tarde cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se
modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Como reacción contra la frivolidad
del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición
greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con
un fondo de moralización. Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos
en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas,
predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que se había encontrado en
la estatuaria griega, las expresiones y el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará
el modelo neoclásico. Los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, obras en las
que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del
Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las
obras de una cierta intemporalidad. Esta incluye dentro de una corriente filosófica y estética
Este cambio estuvo apoyado en dos partes principales: en primer lugar los ideales de la
ilustración, que surgían del racionalismo, combatiendo las supersticiones y dogmas religiosos, y
enfatizaban el desarrollo personal y el progreso social con una fuerte ética, y en segundo lugar,
un interés científico creciente en la antigüedad clásica que surgió entre la comunidad
académica Los materiales preferidos fueron el bronce y el mármol blanco, al igual que en la
tradición antigua, pero a diferencia de temporadas anteriores, el neoclasicismo el artista creador
pasó a emplear a más ayudantes que realizaban la mayor parte de los trabajos técnicos como
pasar a la piedra o realizar la fundición a parir del modelo de arcilla o yeso que había sido
creado por el escultor, dejando que el maestro asumiese la fase final de la escultura del pulido y
definición de detalles, ya que esta fase es sin duda crucial para la obtención del efecto final de
la obra y requiere la experiencia de la mano maestra.
La palabra “romántico” se deriva del inglés “romantic”, lo que traduce como Novelesco. Dicha
palabra fue usada por primera vez en Inglaterra durante el siglo XVII. En este movimiento se
puede encontrar una admiración hacia los fenómenos más fuertes de la naturaleza como
cataratas, tempestades, el mar; una fascinación por lo esotérico, así como la creencia en
fantasmas y vampiros. Dentro de dicha corriente también se da un interés por la literatura y la
arquitectura medieval, esto hace que su imitación se prolongue hasta finales del siglo XIX. El
movimiento romántico abarca casi todo el siglo XIX; pero su mayor apogeo se sitúa entre 1825
y 1875. El movimiento en general se caracteriza por una nueva adopción y reinterpretación de
lo clásico y gótico, más que por un estilo propio. El artista romántico puede ser considerado
individualista, apasionado y creador espontáneo por naturaleza; de la manera más esencial e
íntima, toda norma le resulta profundamente desagradable. Se dice que el romanticismo es en
realidad una manera de sentir mucho más que una simple elección de un tema; es por ello que
este sentimiento se percibe subjetivamente. El Romanticismo es un movimiento cultural y
político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales
del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y
el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la
ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad
auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al
hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se
desarrolla; incluso dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias
proyectándose también en todas las artes. Desde el punto de vista cronológico, el arte
romano se desarrolló con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo III a.c hasta el
siglo V de nuestra Era. Siguiendo las etapas que su devenir histórico marca, destacan al menos
la República, hasta el año 27 a.C., y el Imperio, que se extendió desde los tiempos de Augusto
hasta la caída de Roma en manos de los bárbaros en el año 476 después de C. A causa del
profundo centralismo ejercido por Roma sobre sus provincias en todo el aspecto de la vida, se
originó un arte muy uniforme sin que pueda hablarse de escuelas provinciales, al menos
durante la época imperial. No obstante, dada la amplitud del Imperio y su constitución en
diferentes momentos, no existe una contemporaneidad cronológica, pues en zonas donde el
arte helenístico está más consolidado sus formas artísticas están mucho más evolucionadas
que en las provincias más tardíamente incorporadas a la cultura romana. El estilo vital de los
autores románticos despreciaba el materialismo burgués y preconizaba el amor libre y
el liberalismo en política, aunque hubo también un Romanticismo reaccionario, representado
por Chateaubriand, que preconizaba la vuelta a los valores cristianos de la Edad Media. El
idealismo extremo y exagerado que se buscaba en todo el Romanticismo encontraba con
frecuencia un violento choque con la realidad miserable y materialista, lo que causaba con
frecuencia que el romántico acabara con su propia vida mediante el suicidio. La mayoría de los
románticos murieron jóvenes. Los románticos amaban la naturaleza frente a la civilización como
símbolo de todo lo verdadero y genuino. El cuadro Saturno devorando a un hijo es una de las
pinturas al óleo sobre revoco que formó parte de la decoración de los muros de la casa
que Francisco de Goya adquirió en 1819llamada la Quinta del Sordo y, por tanto, pertenece a la
serie de las Pinturas negras El tema de Saturno está relacionado, según Freud, con
la melancolía y la destrucción, y estos rasgos están presentes en las Pinturas negras. Con
expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces abiertas, los ojos en
blanco, el gigante avejentado y la masa informe del cuerpo sanguinolento de su hijo. El cuadro
no solo alude al dios Chronos, que inmutable gobierna el curso del tiempo, sino que también era
el rector del séptimo cielo y patrón de los septuagenarios, como lo era ya Goya. El
Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y
el Clasicismo, y favorecía, ante todo. La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las
vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la
pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la
composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran
siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de
Bizancio. Algunas de las técnicas usadas en la pintura romana es la del color al temple, donde
se aplicaba el color con brochazos sueltos, no se detallaban mucho las obras y se puede Este
movimiento históricamente es más propio de los pueblos germánicos, por lo que en los demás
países sólo adquiere tonalidades propias de cada espíritu nacional. En general, reviven
aspectos de la Edad Media, que fueron censurados por los neoclásicos. Así mismo los ideales
cristianos motivan a los escritores, y los paisajes melancólicos, ruinas, y tierras exóticas, son
descubiertos por el artista romántico. En la mujer descubren no sólo el cuerpo bello, sino
también el espíritu hermoso, por eso los artistas románticos la tratan con toda consideración.
Decir que era medio impresionista y efectista. Pocos son los murales que se conservan en
Roma, cateréticas más importantes del romanticismo: Es el movimiento que se opone a
serenidad clásica, la expresión viva, que se opone frente a la frialdad del Neoclasicismo, la
exaltación de la libertad, frente a las reglas de la academia, la variedad, contra la unidad en la
composición y La imaginación y el sentimiento, frente a la razón. La pintura mural románica usa
el fresco, aunque sería más exacto denominarla técnica mixta, ya que se combina con pintura al
temple y usa pigmentos disueltos en un medio graso (aceite, cola, goma, clara de huevo). El
proceso era lento: la argamasa formada por arena, cal y agua se extendía sobre el muro, y se
pintaba mientras el enlucido estaba fresco, lo que exigía un trabajo rápido. Era frecuente un
acabado con temple, para el que era preciso humedecer de nuevo la superficie. Según un
tratado de la época (De diversisi artibus) solía extenderse un color de base claro sobre el que
se trazaban las siluetas y líneas fundamentales de las figuras y de los motivos decorativos en
negro u ocre rojizo. El acabado se realizaba a continuación, actuando desde los motivos
generales a los detalles, con una mayor variedad de colores. La pintura sobre tabla utiliza
diversas formas de preparación, que concluyen con una capa de yeso mezclado con cola. El
dibujo se realiza con punzón o pincel, y finalmente se aplica el color, al temple. Sólo
tardíamente (siglo XIII) comienzan a utilizarse películas doradas para los fondos. Gran
importancia tienen las miniaturas que ilustran los códices en pergamino que contienen textos
preferentemente religiosos. Se utiliza principalmente la técnica de la aguada. Sus
características formales son: Linealismo: primacía del dibujo, que define claramente las zonas
de color. Pintura plana: las figuras no poseen peso ni volumen. Ausencia de profundidad y de
luz. Sumisión al marco. Economía de detalles: los selecciona en función de su finalidad
didáctico-moral. Importancia de lo convencional, que no impide la personalidad propia de cada
pintor. Armonías cromáticas de colores puros (a lo sumo dos tonalidades) basadas en el
principio de Oposición: el amarillo exige el azul; el rojo al verde. Se da especial relevancia al
negro (papel Delimitador) y al blanco (contrapunto que da brillo a las figuras). Sus aspectos
técnicos y materiales: En general utiliza la misma piedra del paramento mural. Los canteros
utilizan las Herramientas heredadas de la Antigüedad y Bizancio: el cincel para desbastar, los
taladros o Trépanos para horadar, limas y abrasivos naturales para pulir. Los tallistas realizan
en madera Crucifijos, Vírgenes con el Niño, Calvarios, así como el mobiliario correspondiente.
En Ocasiones, y si dispone de los medios correspondientes, se recubren de láminas de metales
nobles Con gemas insertas. Las obras en piedra y las tallas se policroman. La conciencia del Yo
como entidad autónoma capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas. La obra imperfecta,
inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada. Es propio de este movimiento
un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo
fundamental y al carácter nacional.
En la obra el Neoclasicismo se aprecia la
escultura, en especial en los relieves ;
predomina el dibujo academicista sobre el
color
Luz clara y difusa.
El desnudo como exponentes de la belleza y
de la perfección
Composiciones simétricas de escasa
profundidad y con figuras ordenadas en
filasparalelas.
La base de la belleza es la armonía de las
proporciones y de las líneas.
. Representa la antigüedad como temas de su
época
Blancos y negros aplicados en manchas de
color gruesa , solo roto por el ocre de las
carnaciones
Esta expresión interna generalmente se
manifiesta en lo sentimental, fúnebre y
negativo.
Llama fúlgida en blanco y rojo de la carne
viva del hijo
Muestra una tendencia hacia lo arcaico , lo
que da cierta melancolía
El artista trata de captar el paisaje propio
por lo que se identifica con él ;
exaltáltandolo
Escenas mitológicas , arquitectura fantástica.