ARTE DEL RENACIMIENTO Marco histórico Renacimiento en Italia
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ARTE DEL RENACIMIENTO Marco histórico Renacimiento en Italia: Etapas Características generales Quattrocento: s XV Arquitectura, escultura, pintura Cinquecento: s XVI Arquitectura, escultura, pintura Manierismo (última etapa que precede al barroco) Pintura veneciana (s. XVI) Renacimiento en España: Marco histórico Arquitectura: Estilo Plateresco Estilo Purista Estilo Herreriano Escultura: los primeros imagineros españoles Pintura: El Greco Marco histórico Se entiende por Renacimiento el fenómeno cultural que tuvo lugar en los siglos XV y XVI y que se caracteriza por el renacer de la cultura clásica sin renunciar a la tradición cristiana. Implica la ruptura con la Edad Media y el comienzo de la Edad Moderna. Coincide históricamente con la desaparición del feudalismo y la a parición de las monarquías modernas, descubrimientos geográficos y gran desarrollo del comercio. Ya en el siglo XIV el teocentrismo de la Edad Media , es decir , la idea de que todo giraba en torno a Dios, había comenzado a perder fuerza .Paulatinamente las formas medievales fueron olvidándose y aparecieron de nuevo los ideales de armonía, belleza y proporción. En el s. XV se recuperó la idea clásica (Grecia, Roma) de que el hombre era el centro de todas las cosas y surgió así una nueva forma de comprender el mundo: el Humanismo. Los humanistas conocían el mundo clásico, la filosofía, el arte, las lenguas clásicas, mostraban interés por la ciencia y el progreso técnico. Frente a la idea del ser humano sometido a Dios comenzaron a exaltar la grandeza y libertad del hombre y el uso de la razón. La invención de la imprenta y las universidades facilitaron la difusión de los ideales humanistas. RENACIMIENTO ITALIANO El nuevo espíritu humanista se difundió primero en Italia, donde los burgueses habían aumentado su riqueza y su poder. Allí existían los modelos clásicos que los artistas del Renacimiento van a imitar. Los nobles y príncipes que gobernaban las ciudades italianas como los Medicis en Florencia fueron los impulsores de esta renovación artística que conocemos como Renacimiento. Su prosperidad económica y su interés por el arte los convirtieron en Mecenas que protegían a los artistas y financiaban sus obras. Etapas En el Renacimiento italiano distinguimos tres etapas: El Quattrocento (s XV) en el que destaca la ciudad de Florencia El Cinquecento (S XVI) donde el centro artístico principal es Roma. A esta época también pertenece la pintura de la Escuela Veneciana en pintura El Manierismo Esta etapa se inicia en el s. XVI,(1530) cuando triunfa el protestantismo y Roma pierde el liderazgo .En el arte se cuestiona la validez del ideal de belleza clásica y rompe con lo clásico. Estudiaremos la influencia del manierismo en la última etapa de la vida de autores del Cinquecento como Miguel Ángel. Características del arte del Renacimiento * Admiración por la Antigüedad clásica, a la que toma como modelo, sin renunciar a la tradición cristiana * Ruptura con lo medieval (teocéntrico) con una nueva concepción del mundo antropocéntrica, es decir: el hombre como centro y medida de todas las cosas. * Búsqueda de la belleza, el equilibrio, ajustados a cánones que dicta la razón. * Se pasa del artista-artesano medieval, al artista creador que firma sus obras * Existencia de mecenas que financian y fomentan el arte. * Si el antecedente de la arquitectura y escultura del renacimiento es la antigüedad clásica, en pintura podemos hablar de un antecedente claro: la pintura gótica del Trecento (S.XIV) (ya estudiado: Duccio, Simone Martini y Giotto). EL CUATTROCENTO (SXV) Florencia se convirtió en el s. XV en centro del pensamiento humanista. Surge un grupo nuevo de artistas que crea un arte nuevo, que rompe con las ideas del pasado medieval. Una familia, los Médicis, fueron los grandes Mecenas del Renacimiento florentino ARQUITECTURA Características Se rompe con la arquitectura gótica y se toma como modelo el mundo clásico donde se vuelve a conceptos como belleza, proporción y armonía. Hay un equilibrio en los edificios : no debe predominar lo vertical sobre lo horizontal, propio del gótico. Se utilizan elementos constructivos clásicos, pero no se trata de una copia de estos elementos sino una nueva interpretación de ellos , mostrando especial preocupación por las proporciones matemáticas de los edificios - Se utiliza la planta de basilical siguiendo modelos romanos o centralizadas Los dos elementos más destacados son la fachada y la cúpula - Uso de órdenes clásicos: dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto Arcos de medio punto Bóvedas de cañón y de crucería Cúpulas de media naranja inspiradas en el Panteón Empleo en el exterior de sillares, almohadillados, mármoles, frontones, cornisas Tipología de los edificios Edificios religiosos (con varios tipos de planta: basilical o cruz griega) Edificios civiles: Palacios que reflejan el poder de la burguesía y que no tienen el carácter defensivo de los palacios medievales. Hospitales BRUNELLESQUI Brunellesqui se inspira en normas clásicas y utiliza elementos clásicos en sus obras. Es el primer arquitecto renacentista. Se le encargó terminar la catedral de Florencia , de estilo gótico, coronándola con una cúpula enorme cubriendo el espacio del crucero. Se convocó un concurso en el que participaron él y Alberti. El jurado adjudicó la obra a Brunellesqui que realizó una cúpula inspirada en le Panteón de 42 m de diámetro y que se eleva hasta 114 m de altura. Para aligerar el peso de la cúpula Brunellesqui realizó dos cúpulas superpuestas, de materiales ligeros, dejando una cámara entre ambas estructuras unidas por medio de arbotantes. La cúpula interior es más baja y exteriormente la cúpula es más alta, de forma algo apuntada. Se levanta sobre un tambor octogonal con sencillos vanos circulares. Se cubre de tejas y nervios de mármol blanco . Está rematada por una bonita linterna de mármol blanco con arcos. Es lo más característica del paisaje florentino y modelo de cúpulas posteriores. Cuando fue requerido para realizar nuevas iglesias se trasladó a Roma y midió ruinas de templos. No copia esos edificios sino que inspirándose en lo clásico y paleocristiano crea nuevos edificios llenos de belleza y armonía donde cuida las proporciones de los elementos. *Realiza las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spiritu. En estas iglesias Brunellesqui introduce la planta basilical. El interior es de tres naves divididas por dos filas de columnas y arcos de medio punto que recuerdan las primeras basílicas romanas y paleocristianas. Los capiteles de las columnas , corintios o compuestos, las techumbres adinteladas y decoradas de casetones al gusto romano. Capella Pazzi No tiene nada en común con un templo clásico. Combina columnas, pilastras y arcos consiguiendo algo distinto a lo realizado anteriormente. La fachada combina el dintel con un gran arco de medio punto que recuerda algo a un arco de triunfo romano .Apoya la fachada sobre seis columnas corintias. En el interior la pared blanca está subdividida por pilastras grises que no tienen ninguna función de soporte sino simplemente decorativa. Se cubre con una cúpula inspirada en modelos romanos. Edificios civiles realizados por Brunellesqui fueron el hospital de los Inocentes de Florencia y el Palacio Pitti *El Hospital de los Inocentes Consta al exterior de un gran pórtico de columnas clásicas y arcos de medio punto con unos medallones de cerámica. Utiliza un sistema bicolor destacando elementos en piedra sobre los muros blancos. *Palacio Pitti Brunellesqui creó con este palacio el modelo de palacio renacentista. Está dividido en tres niveles separados por cornisas que subrayan la línea horizontal. Toda la fachada se cubre de grandes sillares almohadillados apenas labrados. En los muros se abren ventanas con arcos de medio punto y dovelas. En la parte alta una esplendida cornisa de piedra remata el edificio. ALBERTI Es otro gran arquitecto florentino. Representa al genio renacentista, de formación muy amplia. Además de arquitecto fue teórico, autor de tratados de arquitectura. En ellos propone una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes del edificio. *Realizó el Palacio Ruccelai, dividido en tres cuerpos separados por cornisas que subrayan la linea horizontal del edificio. Inspirándose en el Coliseo, en cada piso se superponen los órdenes .De abajo a arriba: dórico, jónico, corintio en forma de pilastras que enmarcan los vanos .Acaba en la parte superior con una amplia cornisa en saledizo. La terminación de la fachada es en forma de almohadillado pero no tan rústico como el palacio Pitti de Brunellesqui. *Santa María Novella de Florencia Se le encarga a Alberti acabar la fachada de este edificio iniciado en estilo gótico. (parte inferior de arcos apuntados) Se inspiró en la Iglesia de san Miniato al Monte de arte románico. Posee una fachada de proporciones perfectas. Consta de dos cuerpos. En el inferior está la entrada que es un pórtico con un gran vano con arco de medio punto flanqueado por columnas clásicas (orden compuesto), y a los lados arcos apuntados donde alterna el color de las dovelas . El segundo cuerpo se une al primero mediante dos zonas curvas o aletones laterales.. Este cuerpo se remata con un frontón. Toda la fachada se adorna con mármoles de colores al estilo italiano. *San Andrés de Mantua Es su mejor obra. La fachada es como un gran arco de triunfo.(significación del triunfo de la iglesia) Se estructura en torno a un gran arco de medio punto flanqueado por cuatro grandes pilastras corintias . A ambos lados hay vanos y hornacinas con arcos de medio punto y dos puertas adinteladas. El conjunto se remata por un entablamento y un gran frontón. Toda la fachada se inscribe en un cuadrado perfecto. En el interior la planta es basilical , inspirada en la basílica de Magencio con una nave única con capillas entre contrafuertes. Techo abovedado cubierto de casetones. Este edificio tendrá gran difusión en el Renacimiento. ESCULTURA Características generales - La escultura en es Quattrocento adquiere valor por ella misma y se independiza de la arquitectura. - Se valora más la perfección de las forma y pierde su función didáctica. - El motivo fundamental es la figura humana, que debía ajustarse a unas correctas proporciones como en la antigüedad clásica. -En la escultura exenta se recuperan el desnudo, el retrato y la estatua ecuestre, tipos frecuentes del arte clásico . En el relieve se aplicó la perspectiva. -Hay temas religiosos y también temas mitológicos -Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce El centro de la escultura italiana del Quatrocento fue Florencia y sus artistas más significativos fueron Ghiberti y Donatello. GHIBERTI Se inició la escultura renacentista en las puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Para realizarlas se abrió un concurso al que acudieron Brunellesqui y Ghiberti. Ambos realizaron un relieve sobre el Sacrificio de Isaac. El jurado vio en Ghiberti el mejor escultor y la adjudicaron la obra. Con sólo 20 años realizó las puertas del Baptisterio, una obra a caballo entre el gótico y el nuevo lenguaje renacentista. Dividió las puertas en 28 escenas inspiradas en el Nuevo Testamento. Tras el éxito alcanzado recibió 20 años después el encargo de realizar otras puertas que fueron prácticamente la labor de su vida (tardó más de 25 años ). Son diez paneles de Bronce dorado con escenas del Antiguo Testamento. Cuando más tarde las conoció Miguel Ángel las llamaría las Puertas del Paraíso. En ellas el relieve renacentista llega a su máximo esplendor por el detalle, la minuciosidad y el efecto pictórico que consigue con distintos planos que dan sensación de perspectiva.(influencia del relieve romano) Los personajes se mueven en paisajes naturales o arquitectónicos, llegando incluso en uno de los relieves a introducir hasta un centenar de personajes. Las figuras son de elegantes proporciones y se inspiran en modelos clásicos. DONATELLO Fue el escultor más importante del Quattrocento. Cultivó la escultura de bulto redondo y el relieve. Aprendió la técnica del bronce con Donatello. Su interés se centra en reflejar el paso del tiempo en el ser humano, a la vez que expresa los diferentes sentimientos humanos. Tiene una obra muy extensa que evoluciona del clasicismo a la expresividad y el dramatismo. En los niños de la Cantoría de Florencia desarrolla el tema de la alegría infantil en un grupo de niños rebosantes de vida que desfilan cantando y saltando en desorden. La adolescencia queda reflejada en el David de bronce que recoge el tema de David después de haber matado a Goliat. Es la primera figura desnuda del Renacimiento. Tiene una postura de contraposto: flexiona la pierna izquierda sobre la cabeza de Goliat y descansa sobre la pierna derecha. Mueve ligeramente la cadera describiendo una curva praxiteliana llena de sensualidad. Sujeta en la mano derecha un espada y en la izquierda una piedra. Transmite idea de valentía por su actitud y expresión. Mas tarde dos grandes autores realizarán otras estatuas de David: Miguel Ángel en el Cincuecento (sXVI) y Bernini en la época barroca (sXVII) La juventud está representada por San Jorge. Representa a un joven militar en actitud victoriosa con las piernas ligeramente abiertas y seguras en tierra. Sujeta en sus manos un escudo. La cabeza erguida y su mirada reflejan la fuerza de la juventud. En la ciudad de Padua realizó el primer retrato ecuestre del Renacimiento: el retrato del condotiere Gattamelata en bronce inspirado en el retrato ecuestre de Marco Aurelio. El condotiero empuña el bastón de mando, símbolo del valor militar. El caballo , de gran realismo, inicia el paso y apoya la pata izquierda sobre una esfera. Al final de su vida Donatello entra en una etapa de crisis personal que se traduce en una obra llena de dramatismo y expresividad. A esta época pertenecen: Los profetas que representan la vejez y la Magdalena Penitente, antítesis de la belleza,, expresión de la decrepitud y de la soledad de la vejez. Es una mujer cubierta de harapos que junta las manos en actitud de arrepentimiento. Tiene una expresión absolutamente dramática: las órbitas de los ojos hundidas, la nariz afilada, los pómulos hundidos. Utiliza la técnica de obra inacabada que más tarde veremos en Miguel Angel (Non finito) PINTURA Características generales: A diferencia de la arquitectura y la escultura , que se podían inspirar en modelos antiguos , la pintura carecía de ellos, así que el Quattrocento representa una continuación de la pintura del Trecento y una etapa de investigación y experimentación que llegará a la madurez plena en el Cinquecento. La finalidad de la pintura será reproducir el mundo real tal como lo perciben nuestros ojos. Hay interés creciente por la naturaleza y el paisaje, lvolúmenes y perspectiva. Se sigue realizando pntura de carácter religioso y se inicia la pintura de carácter mitológico (Boticelli) FRAY ANGELICO Fue un monje . Su pintura es esencialmente religiosa. En cierta manera de transición entre la pintura del Trecento y la del Cuattrocento. Fue miniaturista ( en libros) lo que se refleja en el detallismo y minuciosidad de su pintura. .Interpreta los temas de manera serena y espiritual. La influencia del Trecento se ve en la importancia que todavía concede a los fondos dorados y el alargamiento curvilíneo de sus figuras. Emplea colores brillantes. Su sentido del volumen es ya renacentista así como el empleo de la luz que llena toda la composición .También usa la perspectiva lineal en sus obras. En el convento de San Marcos realizó la Anunciación . Es una pintura al fresco conde enmarca a las figuras en una arquitectura clásica, pero las figuras recuerdan aquellas del gótico final. El verdadero atractivo de esta obra, como en casi todas las de Fray Angélico está en el encanto que transmiten sus personajes. *La Anunciación del Museo del Prado es una pintura sobre tabla donde se recoge una doble escena: la escena del Paraíso y la Anunciación del ángel. Descripción de la escena :La Virgen está bajo un pórtico renacentista en perspectiva. La Virgen está sentada con un libro en las rodillas Se inclina hacia el ángel mientras el ángel de pie se inclina hacia la Virgen. Al fondo de la escena la puerta abierta deja ver una habitación con mobiliario sencillo. A la izquierda, Adán y Eva echados del paraíso y causantes de la encarnación de Dios. Es un dibujo fino , con líneas ondulantes que transmite armonía , sensibilidad y elegancia. Hay un rico colorido : el azul del cuarto de la Virgen y del techo de la bóveda. Tonos rosáceos en la túnica del ángel y tonos dorados en las aureolas de las alas del ángel. La luz ilumina toda la escena por igual. Hay un rayo de luz divina que parte del sol y atraviesa en diagonal y comunica las dos escenas: la escena del paraíso simboliza el pecado y la anunciación simboliza la redención. La técnica es muy minuciosa. En el jardín se pueden apreciar los detalles más pequeños, y de igual modo son detallados las alas del ángel, adornos del vestido. La puerta del fondo abierta da profundidad al cuadro. Esta obra refleja la formación renacentista y cierta influencia flamenca Otra obra importante es la Coronación de la Virgen pintada sobre fondo oro con una numerosa corte de ángeles y santos alrededor. MASACCIO Representa el polo opuesto a Fray Angélico. Busca un arte grandioso y dramático como el del escultor Donatello. Podemos decir que Brunellesqui, Donatello y él , sientan las bases del arte renacentista. Su preocupación fundamental fue conseguir el volumen de la figura y efectos tridimensionales mediante la perspectiva.. Sus figuras ya no tienen la dulzura medieval sino transmiten corpulencia y gran fuerza expresiva. Influencia de Giotto. Su obra maestra son los frescos de la Capilla Brancacci de la iglesia del Carmen de *Florencia. Entre ellos está El tributo de la moneda representado ante un paisaje de formas sobrias y edificios simples. Los personajes, envueltos en sencillas vestiduras iluminadas, sorprenden por la sensación de volumen y los gestos grandiosos que nos lo sitúan como un antecedente de Miguel Ángel. Emplea un rico colorido El Tributo de la moneda representa un relato en tres tiempos: la llegada de Jesús a a Cafarnaún. . Aparece rodeado por sus discípulos y le visita un recaudador de impuestos que le pide una moneda. Jesús ordena a Pedro que pesque un pez en un lago. En sus entrañas encontrará una moneda que servirá para pagar el tributo . Esta imagen podemos verla a la izquierda. A la derecha del cuadro vemos a San Pedro que entrega la moneda al recaudador. *En Santa María Novella pinta la Trinidad, fresco donde aplicó la perspectiva lineal. Aparece Cristo crucificado. .Las estructuras arquitectónicas que sirven de fondo son renacentistas. Las figuras aparecen bajo un arco de medio punto sobre columnas jónicas que da paso a una bóveda de cañón cubierta de casetones. Las figuras se disponen en un esquema compositivo piramidal que constituye el ideal renacentista de equilibrio y serenidad. En el vértice de la pirámide está Dios Padre que sujeta por los brazos el cuerpo de Jesús. A un lado está la Virgen que mira al espectador y señala a su hijo. San Juan está al otro lado. En los extremos están los donantes arrodillados. Hay que destacar la grandiosidad y simplicidad de las figuras, macizas, pesadas. En la parte inferior hay un sepulcro y sobre él un esqueleto y una frase que dice ”Yo fui lo que vosotros sois y vosotros seréis lo que yo soy ahora”. PIERO DELLA FRANCESCA La preocupación principal de su pintura es la luz. Con ella ilumina el motivo fundamental del cuadro y difumina los volúmenes.. Consigue formas ligeras, casi transparentes. Emplea elementos arquitectónicos geométricos en sus obras . Su obra principal son las Historias de la Vera Cruz de la capilla de Arezzo. La dama de Urbino. Las figuras de Pietro Della Francesca se caracterizan por su volumen y la expresión ensimismada BOTICELLI Fue el pintor favorito de los Medicis. Pertenece a la última generación de artistas florentinos de últimos del Cuattrocento. Se caracteriza por el dibujo fino de líneas onduladas. Crea un nuevo tipo de belleza de formas estilizadas, casi etéreas Los personajes muestran rostros ovalados llenos de melancolía. Sus composiciones son serenas y equilibradas Es el pintor de la mitología donde retoma el sentido de la belleza clásica. De carácter mitológico tiene varias obras fundamentales como son El Nacimiento de Venus y La Primavera. También tiene obras religiosas *El nacimiento de Venus Fue encargado al pintor por un miembro de la familia Medici para su casa de campo. Descripción del cuadro: En el eje central de la composición aparece la figura desnuda de Venus sobre una concha. Es la diosa de la belleza que acaba de nacer de la espuma del mar. Tiene un gesto de melancolía en el rostro y está en la postura del contraposto. A la izquierda, Céfiro , el viento de la primavera abraza a la ninfa Cloro. Tras su unión surgen flores de su aliento al soplar para empujar a Venus hacia la playa mientras agita la melena con que la diosa trata de cubrirse. En la playa es recibida por Flora, la diosa de la Primavera que ofrece una túnica a la diosa .Se aprecia la línea del horizonte y la superficie agitada del mar. La composición sigue un esquema muy armónico. El dibujo es fino, de líneas onduladas y formas estilizadas. Los colores utilizados son pasteles de tonos suaves. Destaca el tono nacarado del cuerpo de Venus. La Venus es tan bella en su conjunto que no nos damos cuenta del tamaño antinatural de su cuello ni de la pronunciada caída de sus hombros. *La Primavera Pintura al temple sobre tabla. Es otra composición alegórica. Venus preside el despertar de la naturaleza. El escenario es un jardín imaginario lleno de flores con un bosquecillo de naranjos al fondo. En el centro está la figura de Venus, diosa del amor y de la belleza. Por la derecha penetra la elegante figura de Flora, seguida de la primavera temprana, temerosa de morir en los brazos de Céfiro. Arroja flores y hojas por la boca . A la izquierda aparece el bello grupo de las Tres Gracias enlazadas como iniciando un paso de baile. Tienen larguísimas cabelleras doradas y se cubren con finos y transparentes velos. En el eje de simetría , sobre la cabeza de Venus está Cupido que lanza flechas sobre el jardín de primavera, El dibujo es fino, de líneas onduladas y formas estilizadas. El predominio de los colores son tonos pasteles. Entre sus obras religiosas destacamos La Virgen con el Niño y la Virgen del Magníficat CINQUECENTO En 1492, con la muerte de Lorenzo de Médicis llegó el final de Florencia como cuna del Renacimiento. Ahora resurge Roma como sucesora bajo el mecenazgo artístico de papas como Julio II y León X que quisieron devolver a la ciudad su antiguo esplendor y se rodearon de los mejores artistas del momento. Esta época es el llamado renacimiento clásico, la época de grandes genios como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. Es un momento de esplendor y madurez donde todos los ensayos del Cuattrocento cristalizan. Históricamente esta época coincide con el desarrollo del comercio internacional, la consolidación de los estados modernos y las grandes reformas religiosas. Es una época muy importante. El papa Julio II se consideró heredero de los emperadores y trató de recuperar el papel de Roma como capital imperial. Fue militar que luchó por la expansión de los Estados Pontificios. Inició la construcción del Vaticano y la decoración de la Capilla Sixtina y de las Estancias Vaticanas. Fomentó las excavaciones arqueológicas que llevarian a descubrir el Laoconte y otras obras cuya influencia fue decisiva en la escultura del Cincuecento y el Barroco. El Papa León X descubrió el Palacio Dorado de Nerón con numerosas galerías enterradas: las grutas, decoradas por una pinturas que representan temas vegetales. Son los “grutescos” que se convirtieron en elemento decorativo del Renacimiento (Rafael en las Estancias Vaticanas) y luego se difundirán por Europa. EL MANIERISMO (iría detrás del Cinquecento) A Partir del 1530, dentro del Cincuecento se distingue otra etapa que recibe el nombre de Manierismo. Roma pierde el liderazgo en una etapa de crisis en que Roma es saqueada por las tropas imperiales y triunfa el protestantismo en parte de Europa. Esto repercute en el arte que parece cuestionar el ideal de belleza clásica. Hay distorsión de las figuras, se utilizan colores muy claros o muy vivos… Este movimiento se inicia en el propio Miguel Ángel en la última etapa de su vida: Encontramos obras arquitectónicas , esculturas y pintura manierista en Miguel Ángel Otros artistas pierden su capacidad creativa e imitan a su manera la obra de los grandes artistas, de ahí el nombre de Manierismo. En arquitectura se rompe con las proporciones, la armonía. En escultura hay preferencias por las formas helicoidales, serpenteantes, influidas por el el Laoconte.Ejemplo: Gianbologna con el Rapto de las Sabinas En Pintura predominan los contrastes, figuras alargadas, sinuosas: Bronzino: Venus y Cupido. Se sientan las bases del Barroco. ARQUITECTURA DEL CINCUECENTO Características: - Es un arte solemne y monumental donde la armonía, orden y proporción. dan paso a la libre disposición de elementos arquitectónicos, buscando la novedad. -Los edificios son más sobrios. La decoración pasa a un segundo plano. -Se prefiere la planta centralizada con cúpula en los edificios religiosos -Se escriben tratados de arquitectura BRAMANTE Representa la serenidad y la austeridad de la arquitectura renacentista Fue un gran humanista y un teórico de la arquitectura . En Roma, el estudio de las ruinas clásicas le influyó para crear un estilo personal , solemme con preferencia por el orden dórico y sin elementos ornamentales. *El templete de San Pietro in Montorio fue un encargo de los Reyes Católicos para conmemorar la conquista de Granada. Es un templo circular, inspirado en los templos circulares de la antigüedad y el Panteón. De muy pequeño tamaño ( 9 m de diámetro). Se levanta sobre unas gradas. .Tiene un primer cuerpo, un peristilo con 16 columnas dóricas que soportan un entablamento con un friso dórico dividido en triglifos y metopas. Encima una balaustrada, y un segundo cuerpo con hornacinas y ventanas. Se cubre con una cúpula rematada con una linterna. Sencillez y perfecta armonía de todas sus partes y un ritmo en los elementos del edificio en sentido horizontal (macizo, hueco, macizo) y vertical (columnas, triglifo, pilastra, nervio de la cúpula) *Julio II le encarga la construcción del nuevo templo de San Pedro del Vaticano, demoliendo la antigua basílica paleocristiana y haciendo un templo según la grandiosidad de los nuevos tiempos. Planeó un edificio de planta central con forma de cruz griega y cuatro ábsides salientes El edificio se cubriría con gran cúpula central cuyo empuje se contrarrestaba con cuatro pequeñas cúpulas. La muerte de Bramante dejó el proyecto sin terminar, y tras un breve periodo de tiempo en que lo continuó Rafael, el papa dio el encargo definitivo a Miguel Ángel. *Bramante realiza También el Palacio del Velvedere, encargo de Julio II, donde inspirándose en las villas romanas lo rodeó de jardines a los que se accedía por escalinatas y colocó en el estatuas que aparecieron como el Laoconte. La fachada del edificio en forma de U, presenta dos cuerpos y una enorme exedra central. MIGUEL ÁNGEL De origen florentino. Recibió del papa continuar las obras del Vaticano. Asumió las obras con 70 años.(murió antes de finalizarla) Su aportación más importante fue la *realización de la cúpula que recoge las experiencias de Brunellesqui y se inspira en el Panteón de Roma. Es semiesférica en el interior y ligeramente apuntada al exterior como la de Brunellesqui. Se levanta sobre el crucero con una altura de 131 m y 42 de diámetro. Se eleva sobre un tambor circular. Las columnas pareadas que sobresalen del tambor enlazan, a través del los nervios de mármol de la cúpula, con parejas de columnas en la linterna. La plasticidad de entrantes y salientes tendrá un gran éxito en cúpulas posteriores. *También realizó la Capilla de los Medici en la Sacristía de San Lorenzo donde combina líneas rectas y curvas. Combina elementos clásicos, pilastras, cornisas, arcos, frontones , que destacan en gris sobre el fondo blanco y que no tienen función arquitectónica. El edificio alberga las tumbas de los Médicis. *Realiza la escalera Laurenciana donde combina líneas rectas y curvas. Se dice que con esta obra, Miguel Ángel anticipa el Manierismo ya que antepone su estilo personal a las formas clásicas. Grandes Proporciones. Inicia la escalera con tres tramos que después se unifican en uno. Hay un efecto de dinamismo contenido. PALLADIO Fue un teórico de la arquitectura. Escribió cuatro libros sobre ella. Discípulo de Miguel Ángel. Trabaja principalmente en el N de Italia y en la región de Venecia. Realiza la fachada de la Basílica de Vicenza que divide en dos cuerpos y utiliza columnas clásicas a dos escalas. *Hace el Teatro Olímpico cuyo escenario es a base de elementos arquitectónicos (ver , es muy curioso) Donde mayor huella deja es en sus Villas de recreo que recuerdan a templos clásicos. Deja mas de treinta Villas de recreo para los burgueses ricos y altos dignatarios , comerciantes (normalmente procedentes de Venecia) *La más importante de estas villas es Villa Capra. Está en una colina , integrada en el entorno. Tiene una planta cuadrada con cuatro pórticos. Se levanta sobre un basamento. Se sube por una escaleras que acaban en un pórtico hexástilo de orden jónico y se rematan con un gran frontón triangular con esculturas en los vértices. Las ventanas son adinteladas y rematadas por frontones. El interior tiene un vestíbulo central que sirve de distribuidor y cubierto por una cúpula, Tiene enorme influencia en las mansiones inglesas y la villas americanas del siglo XIX. VIGNOLA Aunque no lo pida el programa, hacemos referencia a él. Es un teórico del Cincuecento.(muere en el último cuarto del s. XVI). Autor de la Iglesia del Gesú (Jesús) inspirada en la iglesia de San Andrés de Mantua en el interior. La fachada, inspirada en Santa Maria Novella, también de Alberti, presenta un doble cuerpo unidos por aletones y rematada por un frontón. Con ella se crea un tipo característico de fachada barroca. ESCULTURA DEL CINQUECENTO La escultura del Cinquecento se inclinó preferentemente por la figura humana desnuda y la grandiosidad. Hecho de gran importancia fue el descubrimiento del Laoconte así como otras piezas antiguas que habrían de ejercer gran influencia en los artistas de la época. A partir de 1530 se va perdiendo la armonía , la grandiosidad y el ideal de belleza clásica. La escultura manierista se inclinó por lo novedoso y sorprendente MIGUEL ÁNGEL Hombre idealista, rebelde , pasional, religioso. Uno de los genios más importantes del arte universal. Practicó todas las artes pero su verdadera vocación era la escultura en märmol. Él mismo decía: “no hay nada que no pueda expresarse con un bloque de mármol”. En su obra al final aparece el Manierismo, que será el germen del futuro barroco. Sus obras son vitales, grandiosas más que por el tamaño , por la fuerza física y la tensión interior que muestran. Los rostros expresan variedad de sentimientos especialmente gestos dramáticos, lo que se conoce como la “Terribilitá” de Miguel Ángel. Crea arquetipos humanos que expresan grandiosidad, fuerza y vitalidad. En los desnudos la musculatura denota fuerza en tensión, dinamismo contenido. Rebela un conocimiento profundo de la anatomía, y la honda impresión producida por el Laoconte, obra maestra del Helenismo descubierta en tiempos de Miguel Ángel.. A veces deja obras sin terminar para que la expresividad sea mayor (técnica del non finito) Su material preferido fue el mármol blanco. Su obra se inicia en el clasicismo y evoluciona hasta el manierismo. Se formó en su juventud en Florencia, estudiando las obras clásicas bajo el mecenazgo de Lorenzo el Magnífico. A esta primera época pertenece La Virgen de la Escalera donde asimila el relieve del tipo de Donatello. La Virgen en una escalera con el Niño en brazos y al fondo unos ángeles. Superpone planos. *Con 24 años realiza la Piedad en Roma, obra maestra del clasicismo. Representa a María con su hijo muerto en brazos, más joven que el Hijo para mostrarla eternamente Virgen al margen del paso del tiempo. La composición es piramidal, es un modelo de estabilidad y equilibrio. Maravilla el tratamiento de las superficies capaz de transmitir sensaciones táctiles. Se contrapone el cuerpo desnudo y ligero del hijo a los ropajes de amplios y pesados pliegues de la madre. El rostro de María es de una belleza perfecta y serena. Contempla al hijo y mientras su mano derecha sujeta el cuerpo del hijo, la mano derecha muestra un gesto de aceptación e invita a la oración. Con esta obra Miguel Ángel inició el tema de la Piedad, que abordó de forma mucho más dramática en su madurez. De hecho murió cuando realizaba la Piedad Rondanini que dejó inacabada. En la Virgen de Brujas presenta las mismas preocupaciones estéticas con la nota original de representar el Niño de pie en tierra. *Poco después esculpe el David, encargado por el gobierno de Florencia. Es la obra culminante de su época juvenil. Es una figura colosal desnuda , de cuatro metros de altura. Interpreta al personaje bíblico en el momento previo a lanzar la piedra. Para realizar esta escultura aprovecha un bloque de mármol de Carrara abandonado por otro escultor: “pensaba que la tarea de esculpir (la obra) era muy fácil y sólo había que sacarla porque ya estaba allí”. Muestra un joven desnudo como los atletas griegos. Hay una calma aparente pero la figura refleja la tensión que caracteriza la obra de Miguel Ángel: se aprecia en la musculatura donde se distinguen todas las venas y tendones y en la mirada intensa y penetrante: “la terribilitá “. Sostiene en la mano derecha una piedra y en la izquierda , un honda. El perfecto estudio anatómico y la postura del contrapposto nos lleva a la más pura estatuaria griega. Hay sobredimensión de la cabeza y las manos, lo que no quita su fuerza expresiva. El papa Julio II le encargó su tumba, un grandioso monumento en San Pedro del Vaticano, pero al final el monumento quedó reducido a 8 de las 40 figuras proyectadas actualmente en una iglesia romana (problemas con el propio pontífice y sus herederos) *Destaca la figura de Moisés, con una larga barba en posición sedente. Sujeta las tablas con el brazo derecho y flexiona el izquierdo. Todo el cuerpo muestra fuerza física e interior.(Moises regresa del Sinaí donde había recibido las tablas de la Ley y al regresar encuentra el pueblo sumido en la idolatría). Parece que va a levantarse y descargar su ira sobre el pueblo judío) En esta obra aparecen los rasgos característicos de Miguel Ángel: La terribilitá en el rostro la fuerza de su anatomía la tensión del movimiento contenido (En el aspecto físico: rostro, barbas divididas se puede ver un antecedente del moisés de Claus Slutter escultor gótico que trabajó en Francia) *A este proyecto pertenecían los Esclavos que en la base del monumento simbolizarían la esclavitud y el tormento del pecado. Algunos sólo están esbozados y consiguen gran fuerza expresiva. *Los Sepulcros de los Médicis Obras de madurez. Están situados en la sacristía de la iglesia de San Lorenzo de Florencia . Son la otra gran empresa escultórica de Miguel Ángel que tampoco pudo terminar y que a su vez le impidió terminar el Sepulcro de Julio II. Sólo pudo realizar los sepulcros de Giuliano y Lorenzo de Médicis. El conjunto tiene forma piramidal. Los representa sentados uno frente otro. Uno está en actitud pensativa y otro en actitud vigilante ,activa, aparece como guerrero. Ambos vestidos al estilo romano. A sus pies las figuras alegóricas de los cuatro momentos del día simbolizan el transcurso de la vida: la Aurora y el Crepúsculo bajo el pensador y el Día y la Noche, bajo el guerrero. Presentan un magnífico estudio del desnudo con gran fuerza en la musculatura. Las posturas y distorsión de las figuras nos sitúan en el manierismo. La Madona Medici. Aparecen elementos que anuncian el manierismo: Se alarga la figura, el cuerpo del niño se retuerce buscando a su madre. Sigue la técnica del non finito, antecedente de la escultura moderna, especialmente Rodin. *El final de su obra escultórica está representado por dos temas dolorosos En ellos Miguel Ángel estiliza las formas, situándonos en el manierismo: La Piedad de la Catedral de Florencia donde esculpe cuatro figuras de un solo bloque de mármol siguiendo un esquema piramidal. El vértice superior es la cabeza de Nicodemo que sostiene el cuerpo de Jesús que sigue una línea vertical en zig zag. Entre Nicodemo y María Magdalena a su derecha entregan a la Virgen el cuerpo de su hijo muerto. Utiliza la técnica del non finito. De composición parecida: la Piedad de Palestrina *Su última obra es la Piedad Rondanini, que sólo se encuentra comenzada. En ella prefiere la expresión a la belleza. La Virgen , de pie, sostiene a su hijo muerto. En la obra de su etapa final Miguel Ángel refleja la desesperación del ser humano, el fracaso ante la muerte. Solo quiere pensar en el espíritu y en esas figuras eso es lo que quiere manifiestar: espíritu y dolor. Esta etapa al final de su vida la han padecido muchos artistas. GIANBOLOGNA Es autor del el Rapto de las Sabinas, una de las obras más representativas del Manierismo. Como características podemos señalar: Ruptura con lo clásico Composición helicoidal ascendente Agitado movimiento. Actitudes y expresiones dramáticas Todos estos rasgos nos anticipan el lenguaje escultórico del Barroco PINTURA DEL CINQUECENTO El Cinquecento representa el esplendor de la pintura renacentista. Es la época en que todos los ensayos, indagaciones y experiencias cuatrocentistas cristalizan en tres grandes pintores: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Se pierde la rigidez de algunas obras del Cuattrocento .Los personajes se mueven con más naturalidad en el espacio que los rodea En el primer cuarto del siglo XVI, ya muertos Leonardo y Rafael, la pintura entró en la fase del manierismo con la alteración de las formas anatómicas, juegos de luces y composiciones recargadas y carentes de equilibrio. LEONARDO DA VINCI Fue un genio universal . Aparte de pintor, arquitecto fue ingeniero, científico, inventor. Aportó a la pintura ese espíritu de investigación. Así creó en pintura la técnica del Esfumato o difuminado que consiste en difuminar los contornos de la figura fundiéndolas con el fondo o el paisaje. Se pierde la definición de los objetos con la lejanía consiguiendo la perspectiva aérea. Las luces y sombras en sus cuadros dan a su obra un ambiente de misterio Fue un maestro del dibujo, realizando numerosos ensayos y bocetos de sus obras. Sus obras religiosas: La Virgen de las Rocas La Santa Cena Santa Ana, la Virgen y el Niño Realizó retratos como La Gioconda La dama de Armiño o Su autorretrato *La Virgen de las Rocas Pintura al oleo. Composición piramidal formada por la Virgen, San Juan, El Ángel y Jesús, de belleza idealizada El vértice de la pirámide es la Virgen. Los personajes se comunican entre sí por medio de las miradas y los gestos de las manos.(La Virgen tiene la mano derecha sobre San Juan y extiende su izquierda en un gesto de protección sobre el Niño. El Ángel contempla la escena y el Niño levanta la mano para bendecir a San Juan) Lo más importante es el estudio de la luz. La escena se desarrolla en un paisaje rocoso , envuelto en cierto misterio. La luz penetra por la izquierda a través de las rocas y resalta el rostro de la Virgen, del ángel y el cuerpo de los niños bajo las sombras. Las figuras se funden con el espacio y con el esfumato consigue una suave transición de las luces a las sombras. Destaca también la perspectiva aerea con la pérdida de definición de los objetos y los colores con la lejanía Este mismo tema se repite en Santa Ana, la Virgen y el Niño. Composición piramidal. El vértice de la pirámides es el rostro de Santa Ana. La Virgen parece proteger al niño. Contraste de colores cálidos y fríos. Vemos sus características: el esfumato, el ambiente de misterio, el fondo luminoso. *La Santa Cena (Milán) Es un fresco en el refectorio del Convento de Santa María de las Gracias de Milán. Intentó un sistema para pintar al temple sobre pared pero no dio resultado. La escena recoge el momento en que Jesús comunica sus discípulos que hay un traidor entre ellos. Jesús es el eje de simetría, en el centro, aislado simbolizando la soledad que iba a sentir. Los discípulos aparecen agrupados en grupos de tres con actitudes y gestos diferentes. Leonardo capta el dramatismo de los discípulos y sus reacciones ante el anuncio de la traición. Judas exterioriza la traición estrujando la bolsa con las monedas. Se ve en los rostros amor, temor, enfado o dolor. Los gestos de las manos conducen a Jesús. El estudio de la perspectiva es lineal con planos convergentes hacia tres ventanas al fondo abiertas donde se recorta la cabeza de Cristo Con ello se da profundidad a la estancia y luz. También hay un foco de luz que viene de la izquierda El dibujo es difuminado. Destacan las tonalidades cálidas y el blanco del mantel.. *La Gioconda o Mona Lisa. Representa a Mona(Doña) Lisa, mujer del mercader Bartolomeo Giocondo. Es un oleo sobre tabla . Es un retrato de una mujer sentada en un sillón apoyada en uno de los brazos . Gira el cuerpo hacia un lado y mira al espectador. Lleva un velo que se confunde con el pelo. L a figura se recorta en un paisaje lejano y misterioso donde aplica la perspectiva aérea El contorno del dibujo se diluye con el esfumato. La figura queda difuminada sobre un paisaje de atmósfera vaporosa al fondo que lo envuelve todo. Los efectos de luces y sombras son muy naturales y contribuyen a crear volumen. La característica más comentada es la expresión enigmática, la sonrisa y su mirada. RAFAEL Fue también arquitecto, (se encargó de seguir las obras del Vaticano a la muerte de Bramante) pero sobre todo destacó como pintor. . Su pintura se caracteriza por su sus posturas elegantes, su belleza y armonía., lo que con su carácter cordial y su gracia lo hicieron muy popular. Murió muy joven pero su obra es muy extensa ya que contó con la colaboración de muchos discípulos. Características de su pintura son: Dibujo de líneas curvas suaves, tonalidades claras, rostros de belleza serena. Emplea fondos arquitectónicos o paisajes idílicos. Tiene influencia de sus contemporáneos: de Miguel Ángel en el estudio anatómico de las figuras y de Leonardo en sus composiciones piramidales, el esfumato y la perspectiva aérea. De su época de juventud tenemos El sueño del caballero donde aparece un joven dormido en medio de un paisaje con dos figuras simbólicas (Placer y Virtud) y las tres gracias donde repite el tema de Boticelli en la Primavera. *Con 21 años realizó Los desposorios de la Virgen que narra el matrimonio de la Virgen cuando contaba 14 años de edad. En primer plano el Sumo sacerdote del Templo de Jerusalén sostiene las manos de José y María mientras éste le pone el anillo nupcial. En el fondo, el templo, parecido al de Bramante, da una perspectiva de gran profundidad acentuada por las losas del suelo. A principios del siglo XVI pasó a Florencia donde pintó una serie de cuadros de la *Virgen y el Niño que denotan influencia de Leonardo. Sus Madonnas, pintadas para las principales familias de Florencia, fueron muy populares Son figuras admirablemente pintadas llenas de belleza y calma, como* la Madonna del Jilguero que muestra paralelismos con la Virgen de las Rocas de Leonardo: composición piramidal, juego de miradas y gestos, suave transición de luces y sombras y perspectiva aérea en el paisaje del fondo. Del mismo estilo: la Bella Jardinera, o la Madonna del Prado, también de figuras elegantes, composición piramidal y combinación de tonalidades cálidas y frias: rojo. azul o verde. Paisaje que se diluye al fondo. En la Madonna del Gran Duque vemos el esfumato, las luces y sombras que se diluyen. Rafael realizó también retratos insuperables con un profundo estudio psicológico de los personajes: Retratos del papa Julio II y del Cardenal *Retrata a l papa Julio II , en posición sedente con el rostro cansado y al Cardenal, busto de medio cuerpo con una mirada profunda que muestra su carácter serio, y reservado. En ambos emplea rojos y blancos sobre un fondo neutro para destacar las figura. Capta la calidad de las telas. *La Fornarina, amante de Rafael muestra a una mujer semidesnuda que coquetea mostrándose a través de un velo transparente. La Donna velata es otro ejemplo de belleza serena, claridad. Destacan las calidades de las telas. En 1508 recibió del papa Julio II el encargo de decorar las estancias del Vaticano. Destacan dos grandes alegorías: La Alegoría de la Fe y la Escuela de Atenas. En la Alegoría de la Fe aparece glorificada la iglesia triunfante, con dos registros , uno terrenal y uno celestial. * *La Escuela de Atenas es una pintura mural al fresco de 8x5 metros. Es una Alegoría de la filosofía y el saber. Es uno de los conjuntos más grandiosos de la pintura renacentista y ejemplo de la admiración del Renacimiento por la Antigüedad Clásica Representa un numeroso grupo de filósofos clásicos que se reúnen bajo una monumental construcción renacentista. El marco arquitectónico, inspirado en el proyecto de Bramante para la basílica de San Pedro del Vaticano, tiene una profundidad y perspectiva asombrosas. Toda la composición del fresco converge en el centro por donde pasean Platón que señala a lo alto: el mundo de las ideas, y Aristóteles, que señala al suelo: la experimentación física. Las dos figuras se recortan bajo un arco de medio punto que señala el punto de fuga de la perspectiva lineal. Rafael llenó el cuadro de los famosos filósofos griegos y no griegos de todas las épocas, mostrando una continuidad entre el saber antiguo y el moderno, teniendo como protagonista al hombre. La perspectiva se inspira en Leonardo y las figuras recuerdan las de Miguel ángel que en estos momentos pintaba la Capilla Sixtina, pero la composición y la amplia gama cromática son de Rafael. Las figuras se mueven con naturalidad en el espacio. A algunos filósofos les coloca rostros conocidos: Platón tiene el rostro de Leonardo; Heráclito en primer plano escribiendo tiene los rasgos faciales de Miguel Ángel. El propio Rafael está a la derecha y observa al espectador. Otros personajes: Pitágoras que escribe números en un volumen, A su derecha, Euclides marca con un compás una figura, Ptolomeo con la bola del mundo, etc. MIGUEL ANGEL Miguel Ángel Buonarotti fue fundamentalmente escultor, por eso cuando pinta, combina en la energía del dibujo el dinamismo, la fuerza y la corpulencia de su escultura. Maestros que le influyeron fueron Giotto y Massaccio. Sus pinturas alejadas de la serenidad renacentistas nos sitúan en al manierismo Realizó el Tondo Doni, uno de los pocos cuadros que pintó donde se ve su preocupación por el volumen. Representa a la Sagrada Familia sobre un fondo de personajes del mundo clásico. La Virgen sentada en el suelo con las rodillas flexionadas se vuelve forzada para coger al Niño que le entrega San José. Crea un cuadro muy humano, lleno de formas corpulentas. Destaca el color azul del manto de la Virgen y de San José y los colores cálidos. Las dos grandes realizaciones pictóricas de Miguel Ángel se encuentran en la Capilla Sixtina del Vaticano.La decoración de la bóveda fue un encargo del papa Julio II, y el Juicio Final lo realizaría casi treinta años después. La Capilla Sixtina es una estancia e 40x 13 m .las paredes están pintadas de frescos de pintores del Cuattrocento, pero faltaba la bóveda, a 25 m de altura y la pared del fondo, tarea que realiza Miguel Ángel * * Bóveda de la Capilla Sixtina Fue un encargo de Julio II. Miguel Ángel buscó excusas para no pintarla ya que le parecía una obra difícil y considerando su poca práctica con los colores. Finalmente acometería la obra que le llevaría 5 años(1508-1512). Miguel Ángel pasó muchas fatigas porque debido a la sal de la cal de Roma los frescos se cubrieron de una capa blanca de de sales, por lo que tenía que repintarlos. El papa tuvo que renunciar a su sepulcro. También pasó Miguel Ángel apuros económicos y a veces le faltaron recursos materiales. Por dos veces abandonó la obra. Miguel Ángel dividió la superficie de la bóveda con arcos fajones figurados y falsas cornisas formando cuadrículas que separan las composiciones: El repertorio iconográfico es el siguiente: En el registro central, pasajes del Génesis desde la Creación del Mundo a Noé, entre los que destaca La creación de Adán, el Pecado original o la Expulsión del paraíso. En cada esquina pinta desnudos sentados que anticipan a los esclavos de la tumba de Julio II. A ambos lados del registro central aparecen profetas bíblicos y sibilas que habían anunciado la venida de Cristo. En los triángulos o lunetos se representan los antepasados de Jesús. 11 Las figuras son poderosas, vigorosas, con terribilitá en los rostros. Las posturas son forzadas, a veces retorcidas, desequilibradas como en tensión, lo que nos sitúa en el manierismo. Su visión de escultor se refleja en el interés por crear sensación de volumen y su despreocupación por el fondo espacial Veinticinco años más tarde Miguel Ángel volvió para pintar por encargo de otro papa el Juicio Final. Trabajó en esa obra durante seis años. Es una magnífica composición donde se puede ver en lo alto en el centro a Dios Salvador a modo de Dios griego que levanta la mano para juzgar a buenos y malos. Los elegidos se elevan hacia el cielo sostenidos por ángeles a su derecha y a su izquierda los condenados descienden al infierno. Grupos de ángeles, arriba , llevan los elementos de la pasión. Toda la composición está llena de agitación y dramatismo. La mayoría de las figuras desnudas recibieron la crítica de algunos en su tiempo que le reclamaron cubrir el cuerpo de ángeles y santos. Otras figuras se recubrieron posteriormente. En 1980 se inició el proceso de restauración, se quitaron la mayoría de los velos y el color se mostró con toda su intensidad Predominan las tonalidades verdes rosas azules y amarillas. Estos colores fuertes, casi estridentes, también nos hablan del manierismo. Estas pinturas influirán a artistas posteriores como Rubens o Delacroix
