Arnold Schönberg Verklärte Nacht [La noche transfigurada], op 4

Arnold Schönberg
Viena, 13-ix-1874; Los Ángeles, 13-vii-1951
Verklärte Nacht [La noche transfigurada], op 4
–versión del autor para orquesta 1943–
Estreno versión original sexteto de cuerdas: Viena, 18-iii-1902.
El texto de Dehmel evoca el paseo de dos amantes a través de un bosque
desolado, una fría noche a la luz de la luna. La mujer cuenta al hombre que espera
un hijo de otro al que ya no ama. Comprensivo, su amante expresa que el amor
que sienten el uno por el otro les unirá y harán el niño suyo. Al final del poema, la
pareja se abraza y reanuda su paseo:
Dos personas caminan por la pelada, fría arboleda;
la Luna los acompaña, ellos la contemplan.
La Luna viaja sobre los altos robles;
ni una nube oscurece la luz del cielo,
hacia la que suben las negras copas de los árboles.
Una voz de mujer dice:
E
l revolucionario, el descubridor de un método de escritura –el sistema
dodecafónico– que cambió el devenir de la música por completo, ha
arrastrado siempre la reputación de músico inaccesible, responsable incluso del distanciamiento entre los compositores y su público; un distanciamiento
que muchos consideran ya definitivo. Sin embargo, él siempre se consideró “un
conservador que se ha visto obligado a convertirse en radical”. En todo momento
fue consciente de su papel como perpetuador de la gran tradición romántica
austro-alemana, heredero de los Schubert, Beethoven, Wagner y Brahms. Músico
autodidacta, fue el fundador, junto a sus discípulos Alban Berg y Anton Webern,
de la Segunda Escuela de Viena.
Las circunstancias de la composición de Verklärte Nacht [La noche transfigurada] hay que buscarlas en las vacaciones de verano de 1899 en Payerbach,
cuando pasó unas semanas de descanso junto a su maestro Alexander von
Zemlinsky, de quien se sentía muy cercano. Allí conoció a la joven hermana de
su maestro, Mathilde, de la que se enamoró perdidamente. Como reflejo de ese
amor naciente, escribió la obra en tan solo veinte días. Y es este amor, más que los
sentimientos expresados por Richard Dehmel (1863-1920), autor del poema en
que se basa temáticamente la partitura, incluido en su libro Weib und Welt [Mujer
y Mundo], el que realmente le inspiró.
Llevo en mi seno un niño y no es tuyo;
en pecado camino junto a ti.
Profundamente he delinquido contra mí.
Ya no creía en la felicidad
y tenía un gran anhelo
por una vida fructífera, por la felicidad
y la responsabilidad de ser madre; así que me atreví
y, trémula, dejé que mi cuerpo
abrazase un extraño
y quedé encinta de él.
Ahora la vida se ha vengado,
ahora que te he encontrado.
Ella avanza con torpe paso.
Mira hacia arriba: la Luna los acompaña.
Su oscura mirada se inunda de luz.
Una voz de hombre dice:
Que la criatura que has concebido
no sea una carga para tu alma.
¡Oh, mira, con qué fulgor brilla el universo!
En todo hay un resplandor;
estás conmigo a la deriva en un frío océano,
mas una especial tibieza flamea
de ti hacia mí, de mí hacia ti.
Esto transfigurará al hijo del otro;
por mí lo llevarás, desde mí;
me has traído el fulgor,
de mí mismo has hecho un niño.
Él abraza las robustas caderas de ella.
Sus hálitos se mezclan en la brisa.
Dos personas caminan por la elevada, clara noche.
Tras una sombría introducción en la que se expone un tema que tendrá
una gran importancia a lo largo de la obra, comienza la exposición del drama
de los dos personajes. Una suave cantinela que describe la maternidad de la
mujer se ve mezclada con un episodio violento que recuerda su sentido de
culpa. Una larga sección rápida e inquietante es seguida de un episodio expresivo que expone la respuesta del hombre. Los violines con sordina anuncian la
pérdida del sentimiento de culpabilidad. Un canto en el que se alternan violines y violonchelos, interrumpido levemente por el tema principal, otorga a la
música un carácter apasionado. La sección final anuncia la esperanza de una
vida nueva y la obra concluye con un pizzicato acabado en pianísimo mientras
los violines dibujan un tema dentro de este estado de ánimo.
El cuarteto encabezado por Arnold Rosé que llevaba su nombre, ampliado a sexteto, estrenó Verklärte Nacht el 18 de marzo de 1902 en la Kleine
Musikvereinsaal de Viena. Pese a que armónicamente nada tenía que ver con
sus audacias posteriores, parte del público se quedó sorprendido. Algunos
consideraron un sacrilegio transferir a la música de cámara la forma de poema
sinfónico; pero la mayoría encontró ya revolucionaria la armonía. El propio
Schönberg arregló dos versiones para orquesta de cuerda, una en 1917 y otra
en 1943.
Con el tiempo, el compositor pasó a su segundo período –y el más
radical–, su período atonal. Escribió música llena del entusiasmo del descubrimiento y la exploración de un nuevo mundo de sonidos. Sin embargo,
antes de que pasara mucho tiempo, se encontró con que necesitaba un
principio organizador que remplazara la tonalidad. No compuso nada durante
siete años, lapso en el que desarrolló el sistema dodecafónico. Schönberg lo
utilizó para conciliar el radicalismo de su música atonal con las tradiciones de
su pasado. Las piezas de su tercer período utilizan formas viejas, y emplean
sus líneas tonales en formas vagamente similares a los centros de tonalidad
tradicionales, así como a los grupos temáticos anticuados. Durante su período
final, Schönberg miraba con nostalgia hacia su primera música tonal. Aflojó
la rigurosidad de su escritura dodecafónica y hasta llegó a componer algo de
música tonal. De este modo, su estilo final incorpora la integración de todos
los aspectos de sus estilos anteriores y produjo sus grandes obras maestras: la
Fantasía para Violín, el Trío para Cuerdas y sus últimas piezas corales.
Aunque no se puedan detectar en Verklärte Nacht todas las direcciones
que Schönberg seguiría finalmente, es típica de la personalidad híper emocional de toda su música. En sus últimos años una vez se le preguntó por qué
ya no escribía música como Verklärte Nacht. Él replicó: “Lo sigo haciendo, pero
nadie se da cuenta”.
riormente Debussy. Son los hilos de un tapiz extraordinariamente tupido, el
tejido musical de sus dramas musicales.
Todo ello cimentó lo que Wagner denominó “obra de arte total”
[“Gesamtkunstwerk”], la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que publicó en una serie de ensayos entre 1849 y 1852 –entre
los que figuraban Das Kunstwerk der Zukunft [La obra de arte del futuro] y Oper
Richard Wagner
Leipzig, 22-v-1813; Venecia, 13-ii-1883
“Preludio” y “Muerte de Amor”, de Tristan und Isolde,
drama musical en tres actos, wwv 90
Estreno de la obra completa: Múnich, 10-vi-1865.
Siegfried Idyll, [Idilio de Sigfrido], wwv 103
Estreno: Tribschen, 25-xii-1870.
“Preludio al acto i” de Die Meistersinger von Nürnberg
[Los maestros cantores de Nuremberg], ópera en tres
actos, wwv 96
Estreno de la obra completa: Múnich, 21-vi-1868.
A
l igual que Arnold Schönberg, Richard Wagner inició su propia revolución. Su revolución no viene de la forma. Su música es estructuralmente organizada al estilo beethoveniano. Wagner fue un vanguardista en el terreno de la armonía, empleando acordes que producen sensación
de inestabilidad o ambigüedad tonal. Ningún elemento armónico de Wagner
es nuevo. Hay claros precedentes en Chopin o en Liszt. Su innovación radica
en el uso revolucionario que hace de ellos; no emplea armonías nuevas, pero
trata las antiguas de una manera radical. Aunque sondeó las posibilidades
expresivas del sistema tonal, tensando los límites, nunca los abandonó: lo
expandió y enriqueció, anunciando su disolución. Wagner marcó el fin de una
era, y correspondió a Schönberg construir un nuevo sistema.
Como herramienta organizativa e integradora utilizó el “leitmotiv”, célula
breve, descriptiva, capaz de ser metamorfoseada, que describe personajes,
objetos, emociones o conceptos. Una vez liberado de las formas cerradas,
como el aria, se abrió camino para el uso revolucionario de una idea empleada
con anterioridad por otros compositores, como Weber o Berlioz. En sus manos,
los “leitmotiv”“son mucho más que tarjetas de visita”, como ironizaría poste-
und Drama [Ópera y drama]–, y que quedó plasmada en la primera mitad de
su tetralogía Der Ring des Nibelungen [El Anillo del Nibelungo]. Sin embargo,
a medida que ponía en práctica este concepto, el peso relativo de unas artes
y otras fue variando hasta abrazar la filosofía de Arthur Schopenhauer, para
quien la música era el único medio de expresar el significado profundo de
la existencia, con lo que sus prioridades se desplazaron de nuevo hacia la
música.
Este dominio musical es evidente en Tristan und Isolde y en Die Meistersinger
von Nürnberg [Los maestros cantores de Nuremberg]. En sus orígenes, Wagner
estaba estudiando un poema medieval cuyo núcleo central era la leyenda
de Tristán e Isolda para escribir el texto de Der Ring des Nibelungen. En 1854
empezó a tomar notas para un libreto con este tema, pero pronto abandonó el
proyecto y siguió trabajando en la Tetralogía. Años más tarde, bajo el impulso
de su apasionado amor por Mathilde Wesendonck, Wagner interrumpió la
Tetralogía en la mitad del segundo acto de Siegfried y se sumergió en Tristan
und Isolde, cuyo texto y música le llevó desde el otoño de 1857 al verano de
1859.
La pasión arrolladora que impregna toda la obra y provoca la muerte de
Isolda como consecuencia inevitable de la muerte de su amado es expresada
tanto por las voces como por la orquesta, y aún con mayor intensidad por
ésta. El “Preludio” supone una síntesis de la ópera y está integrado por seis
temas cuyo significado se hará patente a lo largo de los tres actos, entre los
que figuran los dos motivos principales, el de la Confesión y el Deseo; el Filtro
–de amor y de muerte– o el de la Liberación por la muerte.
La composición de Die Meistersinger von Nürnberg comenzó tres años
después de la finalización de Tristan, aunque los primeros apuntes se remontan a 1845, en unas vacaciones en Marienbad. Al igual que en Tristan und
Isolde, este emocionante “Preludio” al primer acto es un resumen de la obra.
Está construido alrededor de cuatro temas: el que caracteriza a los maestros
cantores; el de los sentimientos amorosos entre Eva y Walter; el de la bandera
de los Maestros; y el del amor declarado entre los dos jóvenes. Sin embargo,
es curioso constatar que no existe referencia musical en este “Preludio” a los
dos personajes principales de la obra: Sachs y Beckmesser. A la postre, lo que
pretende es una crítica al conservadurismo y los prejuicios sociales contraponiéndolo a la libertad de la juventud y el amor.
El 25 de diciembre de 1870, además de festividad y domingo, cumpleaños
de Cosima Wagner, hija de Franz Liszt y segunda esposa del compositor, esta
se despertó con una música doliente y emotiva. Al enmudecer la música
Richard entró con los niños en la habitación de Cosima y le tendió la partitura
del “Saludo de cumpleaños sinfónico”, el más insólito regalo de Navidad que
pueda imaginarse y que fue interpretado en las escaleras de su residencia
suiza de Tribschen, junto al lago Lucerna, por un conjunto de quince músicos
bajo la complaciente mirada del filósofo Friedrich Nietzsche, invitado por la
pareja a compartir las fiestas ese año. La obra, que terminaría llamándose
Siegfried Idyll [Idilio de Sigfrido], fue terminada el 4 de diciembre anterior en
el mayor de los secretos.
La obra en sí es una mirada retrospectiva al nacimiento de su hijo Sigfrido
y a la composición de la segunda jornada de Der Ring des Nibelungen, en la
que se hallaba inmerso. De hecho, a excepción de una melodía compuesta en
San Silvestre de 1868 –“Duerme, niñito, duerme”, que es interpretada por el
oboe–, la obra consta de la reelaboración de varios motivos de Siegfried. Es
una música de amor, íntima y tierna, casi de ámbito privado, que parecía poco
apropiada para las salas de concierto, aunque Wagner la había previsto para
orquesta y no para el pequeño conjunto de cuerda y vientos que, preparado
por Hans Richter, la ejecutó por primera vez. A la postre, se ha convertido en
la más popular de las obras sinfónicas de Wagner.
© Carlos Vílchez Negrín
Orquesta Sinfónica de Tenerife
Lü Jia
Director
Abono ost 11
Viernes 1 de abril de 2011 • 20.30 hs
Auditorio de Tenerife “Adán Martín”
Programa
I Parte
Arnold Schönberg (1874-1951)
Verklärte Nacht [La noche transfigurada], Op 4
–versión del autor para orquesta 1943–
II Parte
Últimas interpretaciones en la temporada de abono (§):
A. SCHÖNBERG, Verklärte Nacht
Diciembre de 1993; Mathias Bamert, director.
R. WAGNER, Tristan und Isolde, “Preludio y Muerte de Amor”
Julio de 2004; [Concierto Extraordinario Pretemporada]; Iván del Prado, director.
R. WAGNER, Siegfried Idyll
Abril de 2003; Claus Peter Flor, director.
R. WAGNER, Die Meistersinger von Nürnberg, “Preludio”
Abril de 2000; Víctor Pablo Pérez, director.
(§) Desde la temporada 1986-1987 • Audición nº 2288
Próximo programa:
Abono OST 12
Viernes 8 de abril de 2011 • 20.30 hs
Vestards Shimkus, piano / Miguel Harth-Bedoya, director
Obras de E. Soro, L. van Beethoven y N. Rimsky-Korsakov
Con el patrocinio de la Fundación Jesús Serra
La Asociación Tinerfeña de Amigos de la Música [ATADEM] organiza una charla sobre las obras que
se podrán escuchar en este concierto impartida por Doña Tania Marrero Carballo el viernes 8 de
abril de 2011 de 19’30 a 20’15 en la Sala de Prensa del Auditorio de Tenerife “Adán Martín”
Editado por:
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Richard Wagner (1813-1883)
Tristan und Isolde, drama musical en tres actos, WWV 90
“Preludio”
“Muerte de Amor”
Siegfried Idyll, [Idilio de Sigfrido], WWV 103
Die Meistersinger von Nürnberg [Los maestros cantores de
Nuremberg], ópera en tres actos, WWV 96
“Preludio al acto I”
Lü Jia
Principal Director Invitado
G
racias a su gran talento, Lü Jia se ha
impuesto en la escena internacional
como uno de los directores más valorados de su generación. Nacido en Shanghái
en 1964, se graduó en el Conservatorio de
Pekín para estudiar posteriormente en Berlín
con Hans Martin Rabenstein. Se instaló en
Italia en 1990, año en que resultó ganador del
‘Concorso Pedrotti’ de Trento (1990).
Muy apreciado en este país, entre 1991 y
1995 trabajó como director principal del Teatro Verdi de Trieste, donde dirigió
tanto obras del repertorio sinfónico como óperas, entre las que cabe mencionar Der Geburtstag der Infantin de A. v. Zemlinsky, Die Zauberflöte, L’elisir
d’amore y Lucia di Lammermoor.
Entre 1993 y 1999 fue el director principal de la Orchestra Regionale
Toscana y también ha ocupado el podio en el Teatro Comunale de Boloña,
Teatro Carlo Felice de Génova, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orchestra
Sinfonica Nazionale della Rai y Orchestra Verdi di Milano.
Entre 1999 y 2005 fue en Suecia el director principal de la Norrköpings
Symfoniorkester, con la que grabó varios cds para los sellos Bis, Phone Suecia,
Nma y Caprice. Entre estos álbumes cabe destacar los dedicados a la música
de J. Brahms y A. Schönberg, así como la obra orquestal completa de M.
Lindholm, uno de los más importantes creadores contemporáneos suecos.
Con una imparable reputación en el ámbito operístico, Lü Jia ha dirigido
producciones de Il matrimonio segreto de D. Cimarosa en el Teatro dell’Opera
di Roma y en el Teatro San Carlo de Nápoles así como Le nozze di Figaro,
Turandot y L’elisir d’amore en el Teatro Lirico de Cagliari, La clemenza di Tito en
la Ópera de Ferrara y de Lausana así como Faust de Ch. Gounod y Der Zwerg
de Zemlinsky en la Deutsche Oper Berlin.
En agosto de 2005 efectuó una sobresaliente presentación en el podio
de la Arena de Verona dirigiendo Turandot. La Fundación Arena de Verona lo
nombró director musical para la temporada 2006-2007. En Verona dirigió con
gran éxito producciones de Cavalleria rusticana, I pagliacci, Carmen (2006) y
La bohème (2007).
Lü Jia ha sido un invitado regular de importantes orquestas europeas
como la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, la City of Birmingham
Symphony Orchestra, Hallé Orchestra de Manchester, Bournemouth
Symphony Orchestra, Scottish Chamber Orchestra, Gewandhausorchester
Leipzig, Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken, Oslo-Filharmonien,
Chamber Orchestra of Europe, Bamberger Symphoniker, Orchestre National de
Lyon, Ndr Sinfonieorchester Hamburg y Radion sinfoniaorkesteri de Finlandia.
En 1995 hizo su debut en los Estados Unidos al frente de la Chicago Symphony
Orchestra en el Festival de Ravinia y en 1996 se presentó por primera vez
en Australia con la Melbourne Symphony Orchestra, la Sidney Symphony
Orchestra, y posteriormente en las temporadas 1998-1999 y 1999-2000 al
frente de la Tasmanian Symphony Orchestra.
Lü Jia ha colaborado con artistas como Viktoria Mullova, Natalia Gutman,
Gil Shaham, Krystian Zimerman, Midori, Barbara Hendricks o Christian
Lindberg.
Entre sus grandes y más recientes éxitos cabe destacar Anna Bolena en el
Teatro Filarmonico de Verona, La gazza ladra en el Festival Rossini de Pésaro,
Turandot en el Festival de Ópera de Tenerife y el Requiem de G. Verdi en el
Filarmonico de Verona.
En China, su patria natal, también ha dirigido a la Orquesta Filarmónica
de China, la Orquesta Sinfónica de China y la Orquesta Sinfónica de Shanghái.
Recientemente ha dirigido una producción de La clemenza di Tito en la Ópera
de Pekín, además del prestigioso Concierto de Fin de Año de Shanghái en
2006. Durante la temporada 2008-2009 Lü Jia asumió el puesto de director
musical y artístico de la Orquesta Filarmónica de Macao.
Entre las temporadas 2007 y 2010 ha sido director artístico y titular de la
Orquesta Sinfónica de Tenerife, de la que es ahora principal director invitado.
OST •
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1935 • 20
rsario
75º Anive
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miembro de la Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas. AEOS [ www.aeos.es ]
La Orquesta Sinfónica de Tenerife es un proyecto
cultural del Cabildo de Tenerife
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