lecarte - Pontificia universidad católica del Perú
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lecarte lecarte Presentación noviembre del 2007 año uno número siete publicación de la sala de lectura de la facultad de arte pontificia universidad católica del perú edición: jmhm-mamd carátula: anna maccagno: virgen con niño, detalle cemento, 3 mts. de alto 1964 e-mail: lecarte@pucp.edu.pe Querido amigo, Presentamos a usted la séptima y última edición de lecarte. El ciclo ha terminado, lo que nos permite hacer un breve recuento de lo hecho. Pensamos que la línea de la revista es clara: entregar textos preparados por artistas y para artistas, que no se limitan a su disciplina sino que abarcan la íntegra experiencia humana que, a pesar de diferencias y matices personales, siempre tiene una razón de ser. Los artistas manifiestan su intuición en obras concretas que expresan a los demás lo que las palabras no pueden abarcar; son creaciones que nos abren nuevos modos de entender la vida, nuevos caminos de sensibilidad. Algún día también serán interpretadas, sin nunca agotar su significado. No perseguimos lo nuevo por lo nuevo, no nos escudamos en la neutralidad; queramos o no, en la vida siempre estamos eligiendo y otorgando más importancia a lo que queremos. Estos textos nos muestran cómo artistas de diversas tendencias, preferencias, épocas y continentes, siempre dan el mayor valor a la libertad; por que la requieren para ser, pues de lo contrario no perdurarían. El arte es siempre nuevo y es lo que nos vincula con el ser humano desde el inicio de la creación. El artista tiene que luchar con la insensibilidad que surge del facilismo de acomodarse y aceptar ser considerado un número más, ya que para poder ser realmente deberá ser él mismo en libertad. Todo esto y más hemos querido compartir con usted. Esperamos que el contenido haya despertado en Ud., amigo lector, el sentido de admiración, asombro y ternura que hace que estar vivo tenga trascendencia. Hasta siempre. Los editores sumario presentación, 2 correspondencias, charles baudelaire, carta a una pintora, max beckmann, estética, antenor orrego, 7 5 3 yo no busco, encuentro, pablo picasso, 9 (1947-52), david smith, 11 confinamiento cultural, robert smithson, 13 la mujer en el año 2000, carolee schneemann, 15 declaraciones, escritos declaraciones en una entrevista con donald kuspit (extractos), louise bourgeois, homenaje a anna maccagno, especialidad de escultura, nos hemos vuelto a reunir..., mscv—jmhm—mamd, sitios, 22 en sala, 23 25 27 nuestra (s)elección, 29 20 19 17 las cosas nuestras, érase una vez..., el rincón de los hallazgos, 30 edición dirigida a los integrantes de la facultad de arte con propósitos exclusivamente didácticos, sin fines lucrativos, directos o indirectos, en concordancia con el decreto legislativo n° 822 de 1996 lecarte Correspondencias Charles Baudelaire Correspondances La Nature est un temple où de vivants piliers Laissent parfois sortir de confuses paroles; L’homme y passe à travers des forêts de symboles Qui l’observent avec des regards familiers. Comme de longs échos qui de loin se confondent Dans une ténébreuse et profnde unité, Vaste comme la nuit et comme la clarté, Les parfums, les couleurs et le sons se répondent. lecarte gustave courbet: Retrato de Baudelaire, 1847. Óleo sobre tela. 54 x 65 cm. Il est des parfums frais comme des chairs d’enfants, Doux comme les hautbois, verts comme les prairies, —Et d’autres, corrmpus, riches et triomphants, Ayant l’expansion des choses infinies, Comme l’arbre, le musc, le benjoin et l’encens, Qui chantent les transports de l’esprit et des sens. Correspondencias La Naturaleza es un templo donde pilares vivientes A veces dejan salir confusas palabras; El hombre allí pasa a través de bosques de símbolos Que lo observan con miradas familiares. Como largos ecos que de lejos se confunden En una tenebrosa y profunda unidad, Vasta como la noche y como la claridad, Los perfumes, los colores y los sonidos se expresan. Hay perfumes frescos como carnes de niños, Dulces como los oboes, verdes como las praderas, —Y otros, corruptos, ricos y triunfantes, Que tienen la expansión de las cosas infinitas, Como el ámbar, el almizcle, el benjuí y el incienso, Que cantan los embelesos del espíritu y de los sentidos. De Les Fleurs du Mal, París, 1857 lecarte max beckmann: Autorretrato con bufanda roja, 1917 Carta a una pintora max beckmann lecarte Antes que nada lo importante es tener un amor verdadero por el mundo visible que está fuera de nosotros mismos así como por conocer el profundo secreto de lo que continua dentro de nosotros. Pues el mundo visible en combinación con nuestras personalidades [selves] interiores proporciona el área donde podemos buscar infinitamente la individualidad de nuestras propias almas. En el mejor arte siempre ha existido esta búsqueda. Ha sido, hablando estrictamente, una búsqueda de algo abstracto. Y hoy es urgentemente necesario expresar incluso más fuertemente nuestra propia individualidad. Toda forma de arte significativo desde Bellini hasta Henri Rousseau ha sido en último término abstracta. Recuerde que la profundidad en el espacio en una obra de arte (también en escultura, aunque el escultor debe trabajar en un medio diferente) es siempre decisiva. El significado esencial del espacio o del volumen es idéntico a la individualidad, o a lo que la humanidad llama Dios. Pues, en el comienzo existió el espacio, esa espantosa e impensable invención de la Fuerza del Universo. El tiempo es la invención de la humanidad; el espacio o volumen, el palacio de los dioses. Pero no debemos divagar en metafísica o filosofía. Sólo no olvidar que la apariencia de las cosas en el espacio es el regalo de Dios, y si se hace caso omiso de esto al componer nuevas formas, entonces existe el peligro de que su obra sea maldecida por la debilidad o la tontería, o en el mejor de los casos resultará mera ostentación o virtuosidad. Uno debe tener el más profundo respeto por lo que ve el ojo y por su representación en el área de la pintura en altura, ancho, y profundidad. Debemos observar lo que puede llamarse la Ley de la Superficie, y esta ley nunca debe quebrarse utilizando la falsa técnica de la ilusión. Quizás entonces podamos encontrarnos a nosotros mismos, vernos a nosotros mismos en la obra de arte. Porque a la postre, toda búsqueda y aspiración termina encontrándose a uno mismo, a su propia personalidad [self] de la que su personalidad actual es sólo un débil reflejo. No existe duda que está es el último, el más difícil esfuerzo que nosotros pobres hombres podemos realizar. Entonces, con toda esta obra frente a usted, deben sufrir su cultura de la belleza y su devoción por los placeres exteriores de la vida. Pero consuélese con esto: todavía tendrá amplia oportunidad de experimentar cosas agradables y hermosas, pero estas experiencias serán más intensas y vivas si usted misma permanece apartada del tumulto insensato y de la amarga risotada de la humanidad estereotipada. Hace algún tiempo hablamos acerca de la intoxicación de la vida. Por supuesto, el arte es también una intoxicación. No obstante, es una intoxicación disciplinada. También nos gustan los grandes océanos de langostas y ostras, los bosques vírgenes de champaña y el esplendor venenoso de la lasciva orquídea. Es necesario para usted, usted que ahora se acerca al campo abigarrado y tentador del arte, es muy necesario que también comprenda cuán cercana está del peligro. Si se consagra a la vida ascética, si renuncia a todos los placeres mundanos, a todas las cosas humanas, usted puede, supongo, alcanzar una innegable concentración; pero por la misma razón también puede secarse por completo. Ahora, por otra parte, si se zambulle de cabeza en los brazos de la pasión, ¡puede fácilmente quemarse! El arte, el amor, y la pasión están muy estrechamente relacionados porque todo gira más o menos alrededor del conocimiento y del goce de la belleza en una forma u otra. Y la intoxicación es hermosa, ¿no es verdad, amiga mía? ¿A veces no ha estado conmigo en el profundo hueco del vaso de champaña donde las langostas rojas se arrastran y los meseros negros sirven rumbas rojas que hacen que el curso sanguíneo atraviese sus venas como si fuera una danza salvaje? ¿Donde los vestidos blancos y las medias de seda negra se anidan cercanas a las formas de jóvenes dioses en el calor infernal de la intoxicación entre las panderetas? ¿Nunca ha pensado que en el calor infernal de la intoxicación entre príncipes, rameras, y gángsters hay el glamour de la vida? ¿O no ha pensado que los amplios mares en las noches calurosas le dejara soñar que éramos las chispas encendidas en los peces voladores muy por encima del mar y las estrellas? Espléndida era su máscara de fuego negro en el que su largo cabello se quemaba —y ¡usted creía, en definitiva, que sostenía al joven dios en sus brazos que la liberaría de la pobreza y del ardiente deseo! Entonces llegó la otra cosa —el fuego helado, la gloria. Nunca más, dijo, nunca más mi voluntad será esclava de otra. Ahora quiero estar sola, sola conmigo misma y mi voluntad de poder y de gloria. Se ha construido a usted misma una casa de cristales de hielo y ha querido forjar tres esquinas o cuatro esquinas en un círculo. Pero no puede deshacerse de ese pequeño “punto” que roe en su cerebro, ese pequeño “punto” que significa “el otro.” Bajo el hielo frío de la pasión todavía roe, ese anhelo de ser amada por otro, aún cuando debiera ser en un plano diferente al infierno del deseo animal. El hielo helado quema exactamente como el fuego abrasador. E inquieta camina sola a través de su palacio de hielo. Porque todavía no quiere renunciar al mundo de falsa ilusión, ese pequeño “punto” que todavía arde dentro de usted —¡el otro! ¡Y por esa razón usted es una artista, mi pobre niña! Y continúa, caminando en sueños como yo mismo. Pero por todo esto debemos perseverar, amiga mía. Usted sueño de mi propia personalidad en usted, usted espejo de mi alma. ... Debo referirme a Cézanne una y otra vez. Él tuvo éxito en crear un exaltado Courbet, un misterioso Pissarro, y finalmente una poderosa nueva arquitectura pictórica en la que realmente se convirtió en el último viejo maestro, o podría decir mejor se convirtió en el primer “nuevo maestro” que es comparable con Pìero della Francesca, Uccello, Grünewald, Orcagna, Tiziano, El Greco, Goya, y Van Gogh. O, mirando a un lado completamente diferente, tome a los viejos magos, Hieronymous Bosch, Rembrandt, y como una flor fantástica de la árida y vieja Inglaterra, William Blake, y tiene un grupo de amigos bastante agradable que puede acompañarla en su espinoso camino; el camino del escape de las pasiones humanas en el palacio de fantasía del arte. No olvide la naturaleza, a través de la que Cézanne, como dijera, quiso lograr lo clásico. Haga largas caminatas y llévelos a menudo, y haga su mayor esfuerzo por evitar el ridículo automóvil que la priva de su visión tal como lo hacen las películas o los numerosos periódicos abigarrados. Aprenda las formas de la naturaleza de memoria de modo que pueda utilizarlas como las notas musicales de una composición. Para eso es que sirven esas formas. La naturaleza es un caos maravilloso que debe ser puesto en orden y completado. Deje a los otros deambular, enredados y daltónicos, en los viejos libros de geometría o en los problemas de la matemática superior. Nosotros gozaremos con las formas que nos son dadas: un rostro humano, una mano, el seno de una mujer o el cuerpo de un hombre, una expresión feliz o afligida, los mares infinitos, las rocas agrestes, el melancólico lenguaje de los árboles oscuros en la nieve, el tono salvaje de las flores de primavera y el pesado letargo de un sofocante día de verano cuando Pan, nuestro viejo amigo, duerme y los espectros del mediodía susurran. Sólo esto es suficiente para hacernos olvidar el pesar del mundo, o para darle forma. En cualquier caso, la voluntad de crear lleva en sí misma una parte de la salvación que usted está buscando. El camino es duro y la meta inalcanzable, pero es un camino. Nada está más alejado de mi mente que sugerirle que imitase irreflexivamente a la naturaleza. La impresión que la naturaleza hace en usted en cada forma siempre debe convertirse en una expresión de su propia alegría o pesar, y en consecuencia en su creación de ella, debe contener esa transformación que sólo entonces hace del arte una abstracción real. Pero no se extralimite en la impresión. Tan pronto como deje de ser cuidadosa se cansará, y aunque aún quiera crear, se deslizará sea en la imitación irreflexiva de la naturaleza, o en abstracciones estériles que difícilmente alcanzarán el nivel del arte decorativo decente. Es suficiente por hoy, mi querida amiga. Pienso mucho en usted y en su trabajo, y de corazón le deseo el poder y la fuerza para que encuentre y siga el buen camino. Es muy difícil con sus trampas a izquierda y derecha. Lo sé. Nosotros somos caminantes en la cuerda floja. Es lo mismo con ellos como con los artistas, y así con toda la humanidad. Como dice el filósofo chino Lao Tse, tenemos “el deseo lograr el equilibrio, y de conservarlo.” Extractos de Cartas a una Pintora (conferencia dada en el Stephen College, Columbia, Missouri, enero de 1948), transcripción de Mathilde Q. Beckmann y Perry Rathbone, College Art Journal 9, no 1 (otoño de 1949). Traducción: mamd. lecarte Estética Antenor Orrego lecarte He aquí el más alto valor humano para llegar al corazón del universo, a la suma de todas las concreciones y de todo conocimiento, es decir: al Conocimiento, es decir a Dios. Instintivamente, por predeterminación eterna, los seres y las cosas se precipitan por este sendero hacia el centro gravitatorio de toda eternidad, independiente de todo punto de referencia cósmica. La materia viva u organizada, cuyo viaje suele mostrarse, a veces, palpablemente, a nuestras groseras pupilas, y la materia inorganizada, aquella que se aparece a nosotros aparentemente yerta, cuyo viaje en distinto plano de concreción no es percibido nunca por nuestros ojos, buscan su vértice, se afanan por cumplir los últimos fines de su expresión. Abstrayéndonos hacia un campo exclusivamente antropocéntrico, vemos que el hombre antes que un ser pensante, y antes que un ser ético o afectivo, es un ser estético, lo que vale decir, un ser que aspira a su máxima expresión individual. Cuando parece que es incapaz ya de amar, cuando ha sufrido la total relajación de su sentido moral, no le queda sino un hilillo que lo relaciona con el milagro del universo: su necesidad de realizar la belleza. Este imperativo lo eleva y lo acerca a Dios; le hace recordar constantemente su origen divino. Lo último que muere en el hombre es siempre el artista, el ser expresivo. Claro, que cada hombre ejerce su don estético según su manera personal de concebir la vida, según su posición singular y circunstancial ante el universo. Por eso, nada más absurdo que establecer cánones, pragmáticas o leyes para realizarlo. Toda preceptiva ha sido, es y será siempre el eterno enemigo de nuestro don estético, el cual no acepta más limitaciones que las del propio espíritu que tácita, espontánea e inconscientemente las encuadra dentro de sus posibilidades y potencias que se dictan sus reglas a sí mismas. La ley, pues, nunca tiene un valor absoluto, no es más que la definición de una posibilidad o de un conjunto de posibilidades. Sucede en algunos casos, que esta facultad o potencia sin dejar de ser subjetiva e individual, sin perder su matiz característico y único, se objetiva, se universaliza, trasciende a los demás por su extraordinario poder de expresión, abrazando un conjunto enorme de posibilidades y de realidades. Se da, entonces, el artista en el más puro y propio sentido de la palabra. Expresa y define lo que los demás no llegaron a expresar; concreta y exterioriza lo que estaba latente, vago y soterrado en los otros, hasta tal punto, que cada uno se encuentra en él, y él se explica y se encuentra en todos. Cada artista expresa, pues, una parte de nuestra alma, define nuestra alma, define nuestra vida, la hace conciencia y la relaciona con el dinamismo universal. Reconocemos en él un hermano mayor. Sentimos que interviene en nuestra existencia, que participa de ella, que aclara su sentido, que la engrandece y la eleva. Es pues, una fuerza primaria e intrínseca y, por lo tanto, el universo se integra, se sintetiza y se explica en el artista. El hombre, desde que nace, tiende a expresarse, a definirse, a explicarse ante los demás. Acciones, palabras, voliciones, sentimientos se dirigen a cumplir este fin, a satisfacer esta necesidad vital. “La mitad del hombre —ha dicho Emerson— es su expresión”. Yo creo que la expresión es todo el ser humano. Su mismo proceso físico no es más que un proceso de concreción, una génesis de definición. Al comienzo no es sino una célula casi amorfa, después, por multiplicación, una masa informe de células. Por una múltiple serie de definiciones se produce la figura humana. La faz del niño cuando nace carece de contorno neto, de líneas rotundas y precisas. Sus facciones, diluidas y vagas, se encuentran como envueltas en una penumbra; anuncian apenas lo que será más tarde. Carecen de expresión, están desprovistas absolutamente de carácter, aún no se insinúa la estilización de la línea. Extremando el aserto se puede afirmar, que todos los niños recién nacidos se parecen. Luego, los rasgos se precisan, las facciones se acentúan gradualmente, las líneas se tornan más enérgicas, el pergenio se afirma y se define hasta que alcanza su mayor expresión, su carácter más rotundo, diferenciado y definitivo; ha llegado a su expresión misma. Lo mismo ocurre en su proceso espiritual. Acciones, pensamientos, sentimientos se encuentran al iniciarse la vida en un estado de vaga nebulosa. La conciencia aún es incapaz de identificar las cosas. Sólo cuando empieza a determinar nexos e identidades es cuando comienza, verdaderamente, a delinearse la posición del hombre con respecto a los demás seres. Esta necesidad fatal de relacionarse con el universo es lo que le impulsa a colocarse en su lugar. La forma o manera en que reacciona con respecto al mundo objetivo es lo que constituye la esencia de su expresión, y la manera singular de su expresión es su estética. Todo hombre tiene, pues, una estética; por eso toda vida es, en cierto respecto, una obra de arte. Cuando esa facultad de expresión alcanza su mayor auge, su mayor vehemencia y lucimiento; cuando abraza y compendia el mayor número de estéticas individuales; cuando llega a su máximo poder de síntesis; cuando es capaz de incorporar el universo en su espíritu; cuando subjetiva y traduce su infinito dinamismo; cuando se convierte en centro o nexo de las fuerzas esenciales del mundo, cuando se descompone en él el sentido completo de la vida; cuando se establece en su unidad múltiple; dase, como ya lo dije, el artista, el varón estético, por excelencia, el mago de la expresión, el hombre en su plenitud y en su universalidad. La máxima armonía es pues la máxima belleza. De allí que la facultad estética puede definirse como la armonización o síntesis del universo en un espíritu, o como la expresión del universo a través de un hombre. pablo picasso: Jeune fille à la mandoline, inicios de 1910. Óleo sobre tela. 100 x 73 cm. Antenor Orrego. Modernidad y culturas americanas. Páginas escogidas. Selección, introducción, cronología y bibliografía de Eugenio Chang-Rodríguez, Fondo Editorial del Congreso del Perú, 2004, pp.171-173. [Notas Marginales (1922): 1-7]. lecarte Yo no busco, encuentro Pablo Picasso Cuando “inventamos” el cubismo, no teníamos la menor intención de inventarlo. Sólo queríamos expresar lo que había en nosotros. Ninguno de nosotros había trazado un plan especial de batalla, y nuestros amigos, los poetas, seguían nuestros esfuerzos con atención, pero sin formularnos prescripciones. Se dice que me atraen las búsquedas. Yo no busco, encuentro. Todos sabemos que arte no es verdad. El arte es una mentira que nos enseña a comprender la verdad, al menos la verdad que —como hombres— somos capaces de comprender. Se ha pretendido hacer del cubismo una especie de culto de lo corporal. Surgieron así pintorzuelos que, de pronto, exageraron el empaste. Tenían la idea de que todo debía reducirse a un cubo, todo debía elevarse en peso y en grandeza. Dos problemas se presentan a mi espíritu. Observo que la pintura tiene valor por sí misma, independientemente de la representación objetiva de las cosas. Me pregunto si no debemos pintar las cosas como las conocemos, más bien que como las vemos. —Un cuadro puede mostrar tanto la idea de las cosas como su apariencia exterior. —El color se convierte así en un instrumento de medición en un mundo de las formas. No se trataba con ello de retornar a la geometría. Que los investigadores de buena voluntad se embarquen en teorías semejantes: ¡tanto mejor! Así se hundirán los débiles. Utilizo en mis cuadros todas las cosas que me gustan. Qué les ocurre entonces a las cosas me deja indiferente…, sólo les queda resignarse con su suerte. Antes los cuadros se acercaban a su terminación por etapas… un cuadro solía ser una suma de detalles complementarios. En mí, un cuadro es una suma de destrucciones: al fin y al cabo, sin embargo, nada se ha perdido. —Un cuadro no está concebido y fijado de antemano. Mientras uno trabaja en él, se modifica en la misma medida en que cambian los pensamientos. —Cuando se empieza un cuadro, a menudo se inventan cosas bonitas. Hay que estar prevenido contra ellas. Uno debe destruir el cuadro y reelaborarlo repetidas veces. Cada vez que el pintor destruye una hermosa invención, a decir verdad no la elimina, sino que más bien la transforma, la condensa, la hace más substancial. Lo que finalmente resulta de todo eso es el fruto de los hallazgos desechados. —Desearía alcanzar una etapa en que nadie pueda decir ya cómo ha surgido uno de mis cuadros. No existe arte abstracto. Siempre hay que comenzar por algo. Después uno podrá borrar todas las huellas de lo real. Pero en ello no habrá ningún peligro porque, entretanto, la idea de la cosa habrá dejado una señal indeleble. Es lo que originalmente puso al pintor en movimiento, le inspiró su idea e hizo vibrar sus sentimientos. Ideas y sentimientos terminarán por quedar aprisionados dentro de su cuadro. Ocurra lo que ocurriere, ya no podrán evadirse del cuadro: forman con él un todo íntimo, aun cuando ya no pueda distinguirse su presencia. Le guste o no, el hombre es un instrumento de la naturaleza… no es posible ir en contra de la naturaleza, que es más fuerte que el hombre más fuerte de todos. pablo picasso: Guitare, 1912 Cartón, papel, tela, cuerda y lápiz lecarte 22.8 x 14.5 x 71 cm. 10 lecarte david smith: Cubi XXVIII, 1965. Acero inoxidable Declaraciones, escritos (1947-52) David Smith Sí, hoy se hacen obras maestras. Las obras maestras sólo son obras de arte que le gustan especialmente a la gente. El siglo veinte ha producido muchísimas. El día de hoy la Norteamérica contemporánea está produciendo obras maestras —un número creciente de pintores y escultores viriles, agresivos, que no se han producido antes aquí. No nos intimidemos por las pretendidas autoridades que escriben libros y llaman sólo a esta o aquella Mona Lisa como la única obra maestra. Las obras maestras son obras de arte consideradas especialmente. Ellas tienen lugar ahora y tuvieron lugar hace treinta mil años. El arte es una paradoja que no tiene leyes que la limiten. El conjunto de leyes siempre puede ser violado. Eso confunde a la mente pragmática. Pueden existir terminologías convencionalizadas y denominaciones comunes para las épocas, pero ninguna regla sujeta, sea a las substancias materiales con las que se hace [el arte] o el proceso mental de su concepto. Es creado por la imaginación del hombre en relación con su tiempo. Cuando el arte existe, se convierte en tradición. Cuando es creado, representa una unidad que no existía antes. Yo no siento la tradición. Siento los grandes espacios. Siento mi propio tiempo. No estoy desconectado. No pertenezco a ninguna costumbre—a ningún partido—a ninguna religión—a ninguna escuela de pensamiento—a ninguna institución. Siento mi natural libertad y mi propia identidad. Siento una beligerancia hacia los museos, críticos, historiadores del arte, estetas y las llamadas fuerzas culturales en el orden comercial. ... Creo que mi tiempo es el más importante en el mundo. Que el arte de mi tiempo es el arte más importante. Que el arte anterior a mi época no tiene contribución inmediata en mi estética ya que el arte es la historia que explica el comportamiento pasado, pero que no ofrece necesariamente soluciones a mis problemas. El arte no está divorciado de la vida. Es dialéctico. Está siempre cambiando y rebelándose contra el pasado. Ha existido de las mentes de los hombres libres por menos de una centuria. Antes de esto la dirección del arte era dictada por mentes diferentes a la del artista para la utilización comercial y la explotación. ... La libertad de la mente del hombre para celebrar sus propios sentimientos mediante la obra de arte se asemeja a su rebelión social de la esclavitud. Creo que el arte está todavía por nacer y que la libertad y la igualdad están todavía por nacer. Si me pregunta por qué hago escultura, debo responder que es mi forma de vida, mi equilibrio, y mi justificación de ser. Si me pregunta para quién hago arte. Le diré que es para todos los que se le aproximan sin prejuicio. Mi mundo, los objetos que veo son los mismos para todos los hombres de buena voluntad. La carrera por sobrevivir que comparto con todos los hombres que trabajan para existir. ... Me gusta la escultura al aire libre y lo más práctico para la escultura al aire libre es el acero inoxidable, y las hago y las pulo de tal manera que en un día aburrido, ellas adoptan el azul apagado, o el color del cielo al final de sol vespertino, el resplandor, dorado como los rayos, los colores de la naturaleza. Y en un sentido particular, he utilizado la atmósfera de manera que se refleje en las superficies. Ellas son coloreadas por el cielo y los alrededores, el verde o el azul del agua. Algunas están a lo largo del agua y otras están cerca de las montañas. Ellas reflejan los colores. Están ideadas para el aire libre. Traducción: mamd lecarte 11 12 lecarte robert smithson robert smithsont: Spiral Jetty, 1970 Confinamiento cultural Robert Smithson lecarte El confinamiento cultural tiene lugar cuando un curador impone sus propios límites en una exposición de arte, más que pedir a un artista que establezca sus límites. Se espera que los artistas encajen categorías fraudulentas. Algunos artistas imaginan que ellos han conseguido controlar este mecanismo, que de hecho los ha controlado a ellos. Como consecuencia, terminan soportando una prisión cultural que está fuera de su control. Los artistas mismos no están confinados, pero si su producción. Los museos, como los asilos y las cárceles, tienen cuarteles y celdas —en otras palabras, lugares neutrales llamados ‘galerías’. Cuando se coloca una obra de arte en una galería pierde su carga, y se convierte en un objeto o superficie transportable desconectada del mundo exterior. Un espacio blanco vacío, con luces, es aún una sumisión a lo neutral. Las obras de arte vistas en tales espacios parecen estar atravesando una suerte de convalecencia estética. Ellas son consideradas como tantos inválidos inanimados, que esperan que los críticos las pronuncien curables o incurables. La función del celadorcurador es separar el arte del resto de la sociedad. Después viene la integración. Una vez que la obra de arte es totalmente neutralizada, ineficaz, abstraída, segura, y políticamente lobotomizada está lista para ser consumida por la sociedad. Todo es reducido a material visual y mercancía transportable. Sólo se permiten innovaciones si ellas sustentan esta clase de confinamiento. Las nociones ocultas del ‘concepto’ están alejadas del mundo físico. Montones de información privada reducen el arte al hermetismo y a la fatua metafísica. El lenguaje debiera encontrarse en el mundo físico, y terminar encerrado en la idea de la cabeza de alguien. El lenguaje debiera ser un procedimiento siempre en desarrollo y no un acontecimiento aislado. Las muestras de arte que tienen inicios y términos están confinados por modos de representación innecesarios tanto ‘abstractos’ como ‘realistas’. Un rostro o una cuadrícula en la tela es aún una representación. Reducir la representación no nos acerca más al mundo físico. La escritura debiera generar ideas en la materia, y no lo contrario. El desarrollo del arte debiera ser dialéctico y no metafísico. Estoy hablando de una dialéctica que busque un mundo fuera del confinamiento cultural. Asimismo, no estoy interesado en obras de arte que sugieran el ‘proceso’ dentro de los límites metafísicos del espacio neutral. No hay libertad en esa suerte de jugar ese juego conductual. El artista que actúa como una rata de B. F. Skinner que hace sus ‘difíciles’ truquitos sea algo que debe evitarse. El proceso confinado no es proceso en absoluto. Mejor sería revelar el confinamiento que hacerse ilusiones de libertad. Estoy por un arte que tenga en cuenta el efecto directo de los elementos tales como lo que existen diariamente alejados de la representación. Los parques que rodean algunos museos aíslan el arte en objetos de deleite formal. Los objetos en un parque sugieren reposo estático en vez de dialéctica en curso. Los parques son paisajes refinados para el arte acabado. Un parque transmite los valores de lo final, de lo absoluto, y de lo sagrado. La dialéctica no tiene nada que ver con tales cosas. Estoy hablando sobre una dialéctica de la naturaleza que interactúa con las contradicciones físicas inherentes en las fuerzas naturales tales como son –la naturaleza tanto soleada como tormentosa. Los parques son idealizaciones de la naturaleza, pero la naturaleza en realidad no es una condición de lo ideal. La naturaleza no procede en una línea recta, es más bien un desarrollo desperdigado. La naturaleza nunca está acabada. Cuando una obra acabada de escultura del siglo XX es colocada en un jardín del siglo XVIII, es absorbida por la representación ideal del pasado, reforzando así valores sociales y políticos que ya no están con nosotros. Muchos parques y jardines son re-creaciones del paraíso perdido o Edén, y no los sitios dialécticos del presente. Los parques y jardines son pictóricos en su origen —paisajes creados con materiales naturales más que con pintura. Los ideales escénicos que rodean incluso a nuestros parques nacionales son portadores de una nostalgia por la dicha celestial y la serenidad eterna. Además de los jardines ideales del pasado, y sus contrapartes modernas —parques urbanos grandes y nacionales, hay las regiones más infernales— montones de deshechos, minas desvastadas, y ríos contaminados. Por la gran tendencia hacia el idealismo, tanto puro como abstracto, la sociedad está confundida en cuanto a qué hacer con tales lugares. Nadie quiere irse de vacaciones a un basural. Nuestra ética terrena, especialmente en esa tierra del nunca-jamás llamada el ‘mundo del arte’ se ha enturbiado con abstracciones y conceptos. ¿Podría ser que ciertas exposiciones de arte se han convertido en depósitos metafísicos de chatarra? ¿En miasmas categóricas? ¿En basura intelectual? ¿En intervalos específicos de desolación visual? Los celadores-curadores aún dependen de los escombros de los principios y estructuras metafísicas porque 13 no saben algo mejor. Los inútiles vestigios de la ontología, cosmología, y epistemología todavía ofrecen un terreno para el arte. Aunque la metafísica esté pasada de moda y echada a perder, es presentada como principios resistentes y razones sólidas para las instalaciones de arte. Los museos y parques son cementerios encima del suelo –memorias congeladas del pasado que actúan como un pretexto para la realidad. Esto causa considerable inquietud entre los artistas, en la medida en que ellos desafíen, compitan, y aboguen por los estropeados ideales de situaciones perdidas. 14 carolee schneemann: Eyebody # 24, 1963. Impresión en gelatina de plata. 48.3 x 58.4 cm Traducción: mamd lecarte La mujer en el año 2000 Carolee Schneemann Para el año 2000 ninguna joven mujer artista encontrará la determinada resistencia y el constante debilitamiento que yo sufrí como estudiante. Sus cursos de Taller e Historia serán enseñados generalmente por mujeres; nunca se sentirá como un invitado provisional en el banquete de la vida; o un monstruo que desafía el rol que “Dios [le] dio”; o una beligerante cuya devoción a la creatividad sólo podía existir a expensas de un hombre, u hombres y sus necesidades. Ni entrará en el “mundo del arte”, que honra o deshonra un club de sementales colmado de artistas, historiadores, profesores, directores de museos, editores de revistas, agentes de galerías –todos varones, o comprometidos a dominios masculinos. Todo lo que está maravillosamente, ya cayendo alrededor de nuestros pies. Ella estudiará cursos de Historia del Arte enriquecidos por la inclusión, el descubrimiento, y reevaluación de las obras hechas por mujeres artistas: obras (y vidas) hasta hace poco soterradas, deliberadamente destruidas, ignoradas, o re-acreditadas (a los artistas varones con los que estaban asociadas). Nuestra futura estudiante estará en contacto con una historia creativa continuamente femenina —a menudo producida contra todos los pronósticos imposibles— desde su presente, hasta el Renacimiento y más allá. En el año 2000 los libros y cursos sólo se llamarán “El Hombre y su Imagen”, “El Hombre y sus Símbolos”, “Historia del Arte del Hombre”, para sondear la fuente de la enfermedad y la man-ía que forzaba al hombre patriarcal atribuirse a sí mismo y a sus antepasados masculinos toda invención y artefacto por el que se formó la civilización ¡durante más de cuatro milenios! Nuestra mujer tendrá cursos y libros sobre “La Invención del Arte por la Mujer”, “Mujer —La Fuente de la Creación”, “Los Orígenes Ginecocrátios del Arte”, “La Mujer y sus Materiales”. Sus estudios de la antigua Grecia y Egipto harán compatibles las manipulaciones en la traducción, interpretación, y verdadero contenido del lenguaje y la imaginería simbólica con la prolongada y agonizante lucha entre los principios cósmicos integrales de la Ginecocracia y las agresivas culturas centradas en el hombre reunidas como los fundamentos de la religión judeo-cristiana en el mundo occidental. Hace quince años le dije a mi profesor de Historia del Arte que pensaba que los vestidos sin mangas de las mujeres de senos al descubierto, talladas en marfil, pintadas en frescos alrededor de 1,600 a. de C. en Creta, podían haber sido hechas por mujeres que representan mujeres. Y que consideraba que las figurillas, preponderantemente, de la fertilidad podrían haber sido trabajadas con gran destreza por mujeres para sí mismas —para que las acompañasen a lo largo del embarazo y la concepción. Y me preguntaba si los frescos de los Misterios, de Pompeya —casi exclusivamente concernientes con gestos y acciones femeninas— podían haber sido pintados por mujeres. Él se conmocionó y molestó, diciendo que no había en absoluto ninguna autoridad que apoyase tales ideas. Desde entonces me he dado a mí misma la autoridad de apoyar y dedicarme a estas intuiciones. Para el año 2000 las arqueólogas, etimólogas, egiptólogas, biólogas, sociólogas femeninas, habrán establecido más allá de duda mi aseveración de que las mujeres determinaron las formas de lo sagrado y de lo funcional —las proporciones divinas del material, sus formaciones religiosas y prácticas; que ella cultivó la cerámica, la escultura, el fresco, la arquitectura, la astronomía y las leyes de la agricultura— todas las cuales pertenecían implícitamente a las esferas femeninas de transformación y producción. Las oscuras nociones de un núcleo armonioso de civilización bajo la égida de la Gran Diosa Madre, donde la unidad divina de la creación imaginativa y biológica femenina era normal y dominante, donde lo femenino era la fuente de todas las imágenes vivas y creadas, una vez más se agitarán para esclarecer nuestros deseos concientes. Los sagrados rituales de los materiales de formación para encarnar las energías vitales retornaran a la fuente femenina. Un cambio adicional será el agrupamiento de los istoriadores pioneros —ellos mismos desacreditados u olvidados por la autoridad tradicional masculista. ¡En el año 2000 estarán en las listas de lectura requeridas! Qué alegría dar la bienvenida a: ¡Helen Diner, J. J. Bachofen, Michelet, Rilke, GouldDavis, Jane Ellen Harrison, Robert Graves, Jacquetta Hawkes, Ruth Benedict, Robert Briffault, Erich Neumann, H. D., Marie de LeCourt, Ruth Herschberger, Bryher, H. R. Hays, Minna Mosdherosch Schmidt, Clara E. C. Waters, Elizabeth F. Ellet! El aspecto negativo es simplemente que la joven que llegue a estos estudios vitales nunca creerá que nosotras en nuestro desesperado trabajo de base estuviésemos tan mutiladas y aisladas; que la creencia y dedicación a una istoria femenina del arte fue diseñada por quienes podían haberla enseñado, y considerada herética y falsa por quienes debieran haberla enseñado. Que nuestras energías más profundas fueron fomentadas en secreto, con precedentes que mantenemos en secreto —nuestras mujeres perdidas. Ahora halladas y por ser encontradas otra vez. lecarte 1975. Traducción: mamd 15 louise bourgeois: 16 lecarte Standing figure Declaraciones en una entrevista con Donald Kuspit (extractos) Louise Bourgeois lecarte Primero trabajo en un dibujo, luego traduzco el concepto en cartón y después en cartón corrugado. Aquí, déjeme mostrarle. Me entusiasmo con un tema y hago bocetos y dibujos. Significa que la obsesión va a durar varios meses, luego desaparecerá, y reaparecerá varios años después. Estoy enredada en una suerte de espiral, en un movimiento de inspiración espiralado. El material mismo, piedra o madera, no me interesa como tal. Es un medio; no es el fin. No puedes hacer escultura porque te guste la madera. Eso es absurdo. Haces escultura porque la madera te permite expresar algo que otro material no te permite. *** El arte viene de la vida. El arte viene del problema que tienes en seducir pájaros, hombres, serpientes —lo que quieras. Es como una tragedia de Corneille, donde todo el mundo está buscando a alguien más. Te gusta A, y a A le gusta D, y a D le gusta… Siendo una hija de Voltaire y teniendo una educación en los racionalistas del siglo XVIII, creo que si trabajas lo suficiente, el mundo va a estar mejor. Si trabajo como un perro en todos estos armatostes, voy a conseguir el pájaro que quiero… [sin embargo] el resultado final se más bien negativo. Es por eso que continúo. La resolución nunca aparece; es como un milagro. No consigo satisfacción —si no me detendría y sería feliz. *** Yo trabajo muy fuerte y nunca —¡nunca!— logro que la gente entienda lo que quiero decir. Quiero que entienda a la tenacidad como una virtud, como un fin en sí mismo. Más que eso, deben entender que tenía que equiparar sexo y asesinato, sexo y muerte. Nunca podría entender el problema de esta ecuación. Debiera ser más tierna conmigo misma, no debiera perseguir tal misterio, pero todavía es un misterio, y aún lo perseguiré. … el miedo de la muerte destruye tu sentido de superioridad en el sexo. Es este mismo momento, cuando muerte y sexo son uno, eso quiero introducir en mi obra. *** Yo no pretendo que mi obra sea una comunicación, porque es también como un juego. Yo no juego el juego de la comunicación, porque uno siempre será traicionado en la comunicación como en el amor. *** No me interesa la historia del arte. Mi esposo me la enseñó, de modo que ¡tuve suficiente en casa! Creo en ella como una actividad, como una forma de búsqueda intelectual, pero no hizo nada para mí —excepto que me mantuvo en cierto nivel fortificante de intelectualidad. En general, mi obra refleja y abarca toda la tradición del arte. Es barroca, por ejemplo. Yo incluso he llamado una obra Baroque, una obra hecha alrededor de 1970. Mi arte también implica otros estilos. No privilegio ningún estilo o material. *** Trato de traducir mi problema en piedra. La perforación empieza el proceso negando la piedra. El problema es cómo completar la negación, de quitar de la piedra, sin destruirla por completo, sino superándola, conquistándola. El cubo ya no existe como una forma pura para la contemplación; se convierte en imagen. Lo asumo con mi fantasía, mi fuerza vital. Lo uso para mi inconsciente. *** El arte es un privilegio, una bendición, un alivio. Privilegio significa que eres un favorito, que lo que haces no es completamente a tu crédito, no es completamente debido a ti, sino un favor que se le concede. Privilegio te da derecho cuando no mereces nada. Privilegio es algo que tienes y otros no. El arte fue un privilegio que se me dio, y que tuve que buscar, aún más que el privilegio de tener hijos. Todo el mecanismo del arte es el resultado de muchos privilegios, y era un privilegio ser parte del él. … El privilegio era el acceso al inconsciente. Es un privilegio fantástico tener acceso al inconsciente. Yo tenía que ser merecedora de este privilegio, y ejercitarlo. También era un privilegio ser capaz de sublimarse. Mucha gente no puede sublimarse. No tiene acceso a su inconciente. Hay algo muy especial en ser capaz de sublimar tu inconsciente, y algo muy doloroso en el acceso a él. Pero no se puede escapar de él, y no se puede escapar de acceder una vez que te es concedido, una vez que eres favorecido con él, lo quieras o no. … Para escapar tienes que tener un lugar dónde ir. Tienes que tener el coraje de enfrentar el resigo. Tienes que tener independencia. Todas estas cosas son dones. Son bendiciones. … La sublimación es un don; muchas personas no pueden sublimarse. La vida del artista 17 es básicamente una negación del sexo. Realmente creo que mi poder de sublimación, el poder de mi retiro total, se debe a la educación que me dieron mis padres —la disciplina y también la noción de lo se puede esperar. *** No estoy interesada en la historia del arte, en las academias de estilos, en la sucesión de modas. El arte no trata del arte. El arte trata de la vida, y eso lo resume. Este comentario se hace para toda la academia de artistas que han intentado derivar el arte de los finales de la década de 1980, tratar de relacionarlo al estudio de la historia del arte, que no tiene nada que ver con el arte. Tiene que ver con la apropiación. Tiene que ver con el intento de comprobar que uno puede hacerlo mejor que el siguiente, y que un profesor de historia del arte famoso es mejor que el artista común. Si eres historiador, tienes que tener la dignidad de un historiador. No tienes que probar que eres mejor que el artista. *** Lo que el arte moderno quiere decir es que tienes continuar encontrando nuevas maneras de expresarte, de expresar los problemas, que no existen formas establecidas, ni enfoque fijo. Esta una situación dolorosa, y el arte moderno trata de esta dolorosa situación de no tener una manera absolutamente definido de expresarte. Por eso es que el arte moderno continuará, porque esta condición perdura; es la condición humana moderna… trata del dolor de no ser capaz de expresarte apropiadamente, de expresar tus relaciones íntimas, tu inconsciente, de confiar lo suficiente en el mundo para expresarte directamente en él. Es acerca de tratar de ser cuerdo en esta situación, de ser tentativa y temporalmente cuerpo al expresarte a ti mismo. Todo arte proviene de los tremendos fracasos y tremendas necesidades que tenemos. Trata de la dificultad de ser una individualidad porque a uno no se le hace caso. En todas partes en el arte moderno hay desatención, la necesidad de ser reconocido, que no es satisfecha. El arte es una manera de reconocerse a uno mismo, por eso es que siempre será moderno. ¿Cuándo y por qué decidió ser artista? Respuesta previamente inédita a una pregunta planteada por Art News, finales de la década de 1980. La decisión se hizo para mí por la situación de la familia. Mis padres se ganaban la vida en las artes —ellos reparaban tapices— de modo que nací en él. De una manera muy práctica tuve que hacerme útil en su atelier. Pero hay una motivación más básica. Yo era la tercera hija de un hombre que quería un hijo. De modo que para sobrevivir tuve que crear formas de hacerme agradable. Era la una manera de escapar de la depresión que provino de sentirme superflua —de sentirme abandonada. Habiendo sido privilegiada con una energía natural cambié de un rol activo a uno activo, que es el arte que he practicado toda mi vida —el arte de luchar contra la depresión (La dependencia emocional). 18 louise bourgeois: Arched Figure, 1993. Punta seca. 39.5 x 56 cm 1988. Traducción: mamd lecarte Homenaje a Anna Maccagno Especialidad de Escultura Anna Maccagno en Roma, (setiembre-octubre del 2000) anna maccagno: Sin título, 1965. Alambre, malla metálica y resina. 63 x 25 x 35 cm. El lunes 19 de noviembre, la especialidad de Escultura, invitó a participar en los actos que organizó en recuerdo a Anna Maccagno; escultora, primera Jefa del Departamento de Arte y quien tomara la posta del Decanato de la Facultad de Arte después del Profesor Adolfo Winternitz. A estos actos que vienen llevándose a cabo desde la partida de la maestra concurrió un compacto grupo de amigos que la conocieron así como de quienes no llegaron a hacerlo. A las doce del día se realizó la misa en el C.A.P.U. cuya homilía estuvo a cargo del R. P. Rómulo Franco. Después de la misa, se continuó en el Auditorio de la Facultad de Arte donde se proyectó el video “Diez Momentos con Anna”, que se consideró oportuno presentar nuevamente en vista del interés que tiene su contenido en los momentos actuales así como para conocimiento de muchos que no habían tenido la oportunidad de apreciarlo anteriormente. A continuación Marta Cisneros leyó el texto que incluimos en esta edición. Terminada la lectura se procedió al brindis y ágape; culminándose con la entrega de ejemplares de “textos-arte” a los docentes, estudiantes y amigos que nos acompañaron en esta ocasión. Carátulas de las ediciones de textos-arte correspondientes al año 2007 que fueron entregadas como parte del homenaje:. naturaleza, trimestre I; anatomía, trimestre II; artes gráficas, trimestre III, y escultura, trimestre IV. lecarte 19 Nos volvemos a reunir... mscv—jmhm—mamd 5 de octubre del 2001: de izquierda a derecha. Primera fila: Alicia Benavides, Veronica Crousse, Anna Maccagno y Antoinette Arévalo. Segunda fila: Miguel Mora, Marta Cisneros, Johanna Hamann, Alexandra Cugler, César Campos, Sonia Prager y Alejandro Alayza Nos volvemos a reunir hoy, para recordar a Anna, a quien muchos de nosotros pudimos conocer. Sabemos que al evocarla es por el cariño y admiración que sentimos por ella. Reconocemos que durante su estadía en esta tierra compartió con nosotros su amor y su sabiduría, que nos influyó y nos formó con su ejemplo. Hoy queremos decirle que todavía, después de seis años nos sigue haciendo falta. Lo que no significa quedarnos en el pasado sino madurar con su recuerdo lo valioso que pudimos aprender de ella. En momentos como estos en que los criterios de números, moldes y esquemas se nos tratan de imponer desplazando algo mucho más importante, que tiene que ver con la esencia del ser humano, puede pensarse que recordatorios como éste ya no tienen sentido, que se repiten rutinariamente, que están despojados de contenido y que quedan reducidos a la simple formalidad. Pero para nosotros; que sentimos, pensamos y actuamos, es un privilegio haber encontrado en el camino personas como Anna, con las cuales pudimos percibir el mundo, reconocerlo y comprometernos. Compartir también con las personas que no la conocieron, porque creemos que es una manera de transmitir valores que nosotros aprendimos de ella como la conciencia de que toda creación artística debe ser hecha con pasión, creatividad y sensibilidad así como también con meditación, disciplina y responsabilidad frente a lo que hacemos. Este acto, el que hoy nos agrupa, es la continuidad del hilo que nos une para fortalecer nuestro sentido de comunidad, y que haciendo alto a nuestras tareas, afirmamos que somos parte de un proceso iniciado hace ya 68 años cuya meta es formarnos. Esto no es privilegio de la antigua Escuela; incluso hoy, en esta época confusa entre lo real y lo imaginario, lo esencial y lo accesorio, lo perdurable y lo novedoso; preservamos actitudes que nos confirmen nuestra particularidad para acceder a la libertad, sin aceptar que se nos limite, afirmándonos como seres humanos completos, tal como lo entendía Anna. Creemos que éste es el sentido de reuniones como la presente, en las que a pesar de nuestra transitoriedad persistimos en ahondar nuestra terca voluntad de dar sentido a nuestra existencia. Muchas gracias. 20 lecarte anna maccagno: lecarte 21 Altorrelieve, 1973. Peltre. 120 x 90 cm. anna maccagno: 5 esculturas, Exposición Homenaje a Anna Maccagno. Foto: Alicia Benavides Sitios arte nuevo http://www.arte-nuevo.blogspot.com/ Comentarios, notas, textos, artículos, entrevistas y colaboraciones sobre arte contemporáneo. En castellano. Digital Imaging Project http://www.bluffton.edu/~sullivanm/ Art historical images of scultoure and architecture from pre-historic to post-modern (more than 14,000 images —and more to come). En inglés. Papers of Surrealism http://www.surrealismcentre.ac.uk/publications/papers/index.html Papers of Surrealism is a new web-based journal produced by the AHRB Research Centre for Studies of Surrealism and its Legacies. It publishes original scholarly articles, translations, interviews, book and exhibition reviews as well as news and commentary. En inglés. Jaime Romero http://www.jaimeromero.8k.com/default.html Curriculum. Críticas. Bibliografía. Instalaciones y Performances. Fotos. En castellano. Obras. Robert Smithson http://www.robertsmithson.com/ 22 Earthworks. Sculptures. Drawings. Photoworks, Films. Biography, Bibliography. Essays. Etc. En inglés lecarte En Sala Ingresos a la Sala de Lectura del 6 al 30 de noviembre del 2007 6.11.2007 acero. muestra escultórica en acero de artistas latinoamericanos | Museo de Arte Moderno de Cartagena | Fundación Cívica Cultural Villacero | Colombia | 2007 | CE 2007-64 | x: Alejandro Alayza minas & pozos. revista Internacional de minería, petróleo y energía | Edición 49-octubre 2007 | R 2007-239 | 32 pp. writing histories in japan. texts and their transformations from ancient times through the meiji area | International Symposium in North America 2000 | James C. Baxter y Joshua A. Fogel, ed. | International Research Center for Japanese Studies | 2007 | R 2007-326 | 371 pp. twentieth anniversary of the founding of the international research center for iapanese studies | Nichibunken Japan Review. Journal of the International Research Center for Japanese Studies | Número 19 | 2007 | R 2007-327 | 227 pp. 7.11.2007 revista fan-art | Año 2 No. 1 | 56 pp. | DG 2007-81 | x: Ricardo Andrés Chiock Fang revista fan-art | Año 2 No. 2 | 56 pp. | DG 2007-80 | x: Ricardo Andrés Chiock Fang 9.11.2007 revista del comando conjunto de las fuerzas armadas diplomacia | Año 1 – No. 1 | Junio 2007 | 119 pp. | R 2007-332 & negocios internacionales | Año IV No. 23 | agosto-octubre 2007 | 56 pp. | R 2007-331 12.11.2007 | Xavier Michelena/Alejandro Querejeta | Paradiso Editores | 1996 | 159 pp. | P 2007-141 | x: Veronica Crousse opere d’arte contemporanea provenienti da raccolte private | Asta N. 912 I | Farsettiarte |1999 | Catálogo | AG 2007-233 | x: Veronica Crousse teoría del conocimiento | J. Hessen | Editorial Losada, S.A. | 1069 | 157 pp. | R 2007-330 | x: Veronica Crousse chico lunas | Fito Espinosa | 2007 | Catálogo | CP 2007-45 | x: Veronica Crousse propaganda writing & skateboarding | Drago | 2003 | Catálogo | DG 2007- 71| x: Veronica Crousse do it | Hans-Ulrich Obrist (concepto)| AFAA | AG 2007-233 | x: Veronica Crousse “natività” antichi maestri pittori escultori per il giubileo | Farsettiarte | 1999 | 37 pp. | AG 2007-234 | x: Veronica Crousse el aleph | Jorge Luis Borges | Emecé Editores | 1966 | 179 pp. | LU 2007-201 | x: Veronica Crousse tungsteno. paco yunque | César Vallejo | 111 pp. | LP 2007-57 | x: Veronica Crousse arte abstracto y arte figurativo | Salvat editores, S.A. | 1975 | 143 pp. | ND 196.A2 V59 | x:Veronica Crousse vidéotrafic | AFAA | 2002 | Catálogo | AG 2007-232 | x: Veronica Crousse prótesis. egresados 2004 de la facultad de arte de la pontificia universidad católica del perú | 34 hjs. | x: Veronica Crousse textos-arte 2006 | cuerpo | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Enero del 2006 | 112 pp. | E 2007-20 | x: Veronica Crousse textos-arte 2006 | surrealismo | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Setiembre del 2006 | 108 pp. | FA 2007-16 | x: Veronica Crousse miguel betancourt 14.11.2007 flexibilidad curricular en educación superior | Mario Díaz Villa | Universidad Peruana Cayetano Heredia | CD | x: Carolina Salinas | dos ejemplares 15.10.2007 metodología del diseño. fundamentos teóricos | Luz del Carmen Vilchis | Centro Juan Acha | 2002 [1998] | 161 pp. | DG 2007-73 | x: Rosa Gonzales diseño. universo de conocimiento. Investigación de proyectos en la comunicación gráfica | Luz del Carmen Vilchis | Centro Juan Acha | 2002 [1999] | 163 pp. | DG 2007-72 | x: Rosa Gonzales relaciones dialógicas en el diseño gráfico | Luz del Carmen Vilchis | ENAP | 2006 | 332 pp. | DG 2007-79 | x: Rosa Gonzales 17.11.2007 muestra antológica 1968-2007 | Alberto Agapito Aburto | CG 2007-19 | x: Alberto Agapito | 2 ej. 19.11.2007 2000 | abril-diciembre | Centro de Artes Escénicas de la Municipalidad Metropolitana de Lima | 2000 | 60 pp. | Catálogo | CAG 2007-154 | x: Jaime Romero programación lecarte 23 Arte de lima | enero 15-febrero 15 | 1996 | Catálogo | CAG 2007-155 | x: Jaime Romero | diciembre 15-enero 15 | 1999 | 66 pp. | Catálogo | CAG 2007-150 | x: Jaime Romero guía de arte de lima | marzo 15-abril 15 | 2000 | 66 pp. | Catálogo | CAG 2007-156 | x: Jaime Romero guía de arte de lima | mayo 15-junio 15 | 2000 | 54 pp. | Catálogo | CAG 2007-152 | x: Jaime Romero guía de arte de lima | junio 15-julio 15 | 2000 | 56 pp. | Catálogo | CAG 2007-153 | x: Jaime Romero guía de arte de aima | setiembre 20-octubre 20 | 2000 | 58 pp. | Catálogo | CAG 2007-149 | x:Jaime Romero guía de guía de arte de lima guía de arte lima | noviembre 25-diciembre 31 | 2000 | 58 pp. | Catálogo | CAG 2007-151 | x: Jaime Romero 20.11.2007 | Malú Cabellos | Universidad Ricardo Palma | 2007 | Catálogo | CF 2007-68 | x:Julio Garay the dolls of Japan. shapes of prayer, embodiments of love | The Japan Foundation | 2007 | Catálogo | CAG 2007158 | x: Julio Garay el catálogo de los niños | Vertbaudet | 2007 | Catálogo | DI 2007-57 | x: Julio Garay memoria inca 21.11.2007 marie-louise von motesiczky 1906-1996. the painter/ die malerin | Prestel | 2006 | 264 pp. | P 2007-139 Bendayán. Christian Bendayán: un pintor de la selva (urbana) | 2007 | P 2007-140 | Catálogo | illapa. revista de la escuela superior autónoma de bellas artes “diego quispe tito” del cusco | Año 1 Número 1 | 2007 | 45 pp. | AG 2007-231 x: Judith Ayala exposición semestral estudiantes 2007-I | Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes “Diego Quispe Tito” del Cusco | CAG 2007-148 | catálogo | x: Judith Ayala exposición de docentes | 2007 | Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes “Diego Quispe Tito” del Cusco | CAG 2007-147 | catálogo | x: Judith Ayala espiga & humo | Pasos Paz | INC del Cusco | 2006 | 99 pp. | Po 2007-126 | x: Judith Ayala moment. fotografía | Sala de Exposiciones Mariano Fuentes Lira | 2007 | CF 2007-67 | Catálogo | x: Judith Ayala testimonio de vida | Milton Montúfar | Sala de Exposiciones Mariano Fuentes Lira | 2007 | AG 2007-146 | Catálogo | 2 ej. | x: Judith Ayala bienal revisitada identidad 27 | Sala de Exposiciones Mariano Fuentes Lira | 2007 | AG 2007-145 | Catálogo | x: Judith Ayala acciones patrióticas (patriotismo a 3399 m.s.n.m) | Sala de Exposiciones Mariano Fuentes Lira | 2007 | CAG 2007-144 | Catálogo | x: Judith Ayala coyuntura. análisis económico y social de actualidad | Año 3 Número 15 | Noviembre-diciembre 2007 | 34 pp. | FE 2007-146 antológica 35 Aniversario taller 72. homenaje a sus fundadores | MAC Arequipa | 2007 | CG 2007-20 | x: Cristina Dueñas via lucis | Nani Cárdenas | 2007 | x: Johanna Hamann 23.11.2007 textos-arte 2007 | naturaleza | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Trimestre 2007–I | 114 pp. | FA 2007-18 | 2 ej. | x: Comité Editor de la Revista textos-arte 2007 | anatomía | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Trimestre 2007–II | FA 2007-21 | 106 pp. | x: Comité Editor de la Revista textos-arte 2007 | artes gráficas | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Trimestre 2007–III | FA 2007-20 | 100 pp. | x: Comité Editor de la Revista textos-arte 2007 | escultura | Especialidad de Escultura de la Facultad de Arte de la PUCP | Trimestre 2007–IV | FA 2007-18 | 118 pp. | x: Comité Editor de la Revista 27.11.2007 estados del arte sobre políticas educativas y desarrollo regional en las regiones de arequipa, ayacucho, cajamarca y Martín | Proyecto “Políticas educativas y desarrollo regional 2004-2006” | Departamento de Educación | PUCP | 2007 | 140 pp. | FE 2007-147 san 29.11.2007 artmotiv 02 | Revista internacional de artes visuales | noviembre 2007-febrero 2008 | 68 pp. | AG 2007-236 30.11.2007 diez momentos con anna la cravate | edición: Miguel Mora|DVD | x: mamd | Alejandro Jodorowsky | 1957 | DVD | x: distorted morality. a war on terrorism? the devil-doll| | Noam Chomsky| 2002 | DVD | audio: ing. | sub: cast. | x: Tod Browning| 193 | DVD | audio: ing. | sub: cast. | x: 24 matthew barney. no restraint| Alison Chernick| 2006| DVD | audio: ing. | sub: cast. | x: lecarte Las cosas nuestras proyecto monumenta Cristian Alarcón Ismodes y Daniel Ramírez-Corzo Grupo Residencial Número 8, Tercer Sector de Villa El Salvador 3 - 4 de noviembre del espacio sagrado, de las piedras soñadas, del munay Lika Mutal Galería Lucía de la Puente 8 de noviembre- 8 de diciembre “A mi me gusta que el lenguaje esté en un proceso y una variación permanente. No me gusta encontrar una imagen y repetirla hasta agotarla.” [El Comercio, 02.10.2007 | Cultura | C4] esculturas en acero Manuel Larrea Hernández & collage Yvonne Sanguineti Arte & Diseño 8 de noviembre - 1ro de diciembre muestra antológica 1968-2007 Alberto Agapito Aburto Centro Cultural PUCP Galería Alfredo Bouroncle Barreda—Alianza Francesa—Arequipa Winsor & Newton Danny Gallegos Paredes y Johnny Contreras Figueroa (1er premio), Antonio Garcia Castillo y Erick Huanca Zevallos (2do premio), et al. 1o concurso nacional de pintura Sala de exposición de la Biblioteca Nacional del Perú 13 - 17 de noviembre antológica 35 aniversario taller 72 Eulalia Orsero, Jorge Ara, Alberto Agapito, Gabriela De Bernardi, Cristina Dueñas et al MAC Arequipa 15 de noviembre - 10 de diciembre el viaje Marcelo Wong lecarte ARTCO Galería de arte 21 de noviembre - 15 de diciembre 25 mali contemporáneo. adquisiciones y donaciones 2007 Mariella Agois, Raimond Chaves, Margarita Checa, E.P.S. Huayco (María Luy, Francisco Mariotti, Charo Noriega, Juan Javier Salazar, Mariela Zevallos), Sandra Gamarra, Flavia Gandolfo, Billy Hare, Emilio Hernández Saavedra, Gilda Mantilla, Alfredo Márquez, Jerry Martin, Jonathan Moller, Pedro Peschiera, Jorge Piqueras, Emilio Rodríguez Larraín, Juan Javier Salazar, Gian Carlo Scaglia, Milagros de la Torre, Susana Torres y Alice Wagner Sala Temporal (1er piso) 23 de noviembre del 2007 - 10 de febrero del 2008 via lucis Nani Cárdenas Restaurante Rodrigo 23 de noviembre de la guerrra a la casona. vestigios, despojos y des-hechos Herbert Rodríguez Museo de Arte de San Marcos 23 de noviembre - 24 de febrero del 2008 Fe de erratas en lecarte 6 César Campos nos hace notar que hemos errado en el 40% de los nombres de las personas que aparecen en la página 26 de la revista. En realidad estas son, de izquierda a derecha: Teresa Tejada, Norma Núñez, Fernando de Szyszlo, Graciela Revoredo, Adolfo Winternitz, Teresa Alberti, Inés Pardo. La fotografía corresponde a la Promoción 1965. César Campos y Susana Rosselló cursaban el Primer Año de estudios y Julia Navarrete se encontraba en París. Agradecemos a César por estos datos que además de subsanar el error (de Miguel Mora) complementa sustanciosamente la información. Por nuestra parte, nos disculpamos a quienes justificadamente puedan justificadamente sentirse afectados por la equivocación. Humildemente, Los editores P.D.: la revista digital corregida, así como las ediciones anteriores, puede descargarse de la página web de la Facultad de Arte siguiendo la ruta Novedades g Publicaciones g Revistas g Lecarte. 26 lecarte Érase una vez... lecarte 27 Foto superior, de izquierda a derecha: Salomón Lerner Febres, Anna Maccagno y Johanna Hamann, 15 de junio del 2000 [Presentación de la primera página web de la Facultad de Arte]. Foto inferior: Página de inicio del enlace a Escultura en la página web de la Exposición Anual 1999 de la Facultad de Arte. Diseño: Johanna Hamann + Miguel Mora, 2000. Página anterior, de izquierda a derecha: Primera fila: Marta Cisneros, Joicy Bartra, Lika Mutal, Pilar Martínez. Segunda Fila: Ana Orejuela. Tercera fila: Veronica Crousse, Anna Maccagno, Sonia Prager, César Campos. Cuarta fila: Johanna Hamann. Quinta fila: Juan Pacheco, Martín Salazar, Ana María de la Fuente. Sexta fila: Susana Rosselló, Raúl Cuba, Rafael Pinto, Carmen Herrera. Sétima fila: Javier Aldana, Pepe Santos, Adrián Velásquez, Pablo Herold. Jueves 19 de agosto de 1993. 28 lecarte nuestra (s)elección charles max baudelaire Charles Baudelaire, poeta, crítico y traductor francés; nació en París el 9 de abril de 1821. Estudió en el Collège Louis-le-Grand. En Los salones (1845-1846), analizó las pinturas y los dibujos de artistas franceses como Honoré Daumier, Edouard Manet y Eugène Delacroix. En 1848 aparecen sus traducciones de Poe. Su obra más importante, Las Flores del Mal, apareció en 1857, siendo censurada por el gobierno francés. Entre 1864 y 1866, vivió en Bélgica. En 1867, regresó a París, donde tras una larga agonía murió el 31 de agosto. beckmann Max Beckmann, pintor y grabador expresionista, nació en Leipzig, Alemania, el 12 de febrero de 1884. Estudió en la Academia de Weimar. En 1906 se unió a la Berliner Sezession y conoció a Edvard Munch. Sirvió en el cuerpo médico durante la I Guerra Mundial. En 1933, los nazis declararon su arte “degenerado” y tuvo que renunciar al profesorado en la escuela de arte de Städel, Frankfurt. En 1937 huyó a Ámsterdam y en 1947 se trasladó a los Estados Unidos donde enseñó por tres años en la Washington University. Falleció en Nueva York el 27 de diciembre de 1950. antenor orrego Antenor Orrego Espinoza, filósofo, escritor y político, nació en Cajamarca el 22 de mayo de año 1892. En la Universidad de la Libertad estudió Letras, Jurisprudencia, Ciencias Políticas y Administración. En 1927 termina filosofía en la Universidad de San Marcos. Presidió el Grupo Norte integrado por intelectuales y artistas como Vallejo, Haya de la Torre, Spelucín, Macedonio de la Torre, entre otros. Sus escritos incluyen Notas Marginales (1922), Monólogo Eterno (1929), Pueblo Continente (1939). Murió el 17 de Julio de 1960. pablo picasso Pablo Diego José Santiago Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, artista español, nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881. Es considerado como uno de los artistas que más ha influenciado el arte mundial. Nos dice: “Yo no evoluciono, yo soy. En el arte, no hay ni pasado, ni futuro. El arte que no está en el presente no será jamás.” “Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta.” Falleció en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973. david smith David Smith nació el 9 de marzo de 1906 en Decatur, Illinois. En 1924 estudia arte en la Universidad de Ohio completando su formación, en la Art Students League de Nueva York, con estudios de pintura. En 1933 hizo su primera escultura en hierro. Adopta la técnica de soldadura que le permite realizar formas flexibles e individuales. En 1940, se establece permanentemente en Bolton Landing. Enseñó en el Sarah Lawrence College, Nueva York, de 1948 a 1950, y en el Bennington College y otras escuelas en la década de 1950. En 1963, empezó su serie Cubi de esculturas geométricas y monumentales de acero. Murió el 24 de mayo de 1965. robert smithson Robert Smithson nació en Passaic, New Jersey, el 2 enero de 1938. Estudio pintura y dibujo en la Art Students League (Nueva York). En 1964 surgió como proponente del minimalismo, entonces de moda. En 1967 empezó a explorar las áreas industriales alrededor de New Jersey y se fascinó con los volquetes que excavaban toneladas de tierra y roca que describió como el equivalente del monumento de la antigüedad. Fue integrante de la corriente artística llamada Earthwork o Land Art. Su obra más famosa es Spiral Jetty (1970), un malecón de 1,500 pies de largo en forma de espiral que se extiende en el Great Salt Lake de Utah. Murió el 20 de julio de 1973. carolee schneemann Carolee Schneemann, artista multidisciplinaria, nació en Pennsylvania el 12 de octubre de 1939. Su obra entrecruza disciplinas, abarcando la pintura, la performance, el film y el video. Ha enseñado en muchas instituciones tales como la New York University, el California Institute of the Arts, el Bard College, la School of the Art Institute of Chicago. Se le ha concedido varios reconocimientos como la Pollock-Krasner Foundation Grant (1997, 1998); la Gottlieb Foundation Grant; el National Endowment for the Arts Fellowship, el ME. Lifetime Achievement Award, College Art Association, 2000, entre otros. Schneemann vive en New Paltz, Nueva York. louise bourgeois Louise Bourgeois nació en París el 25 de diciembre de 1911. En 1932 estudió matemáticas en la Sorbona pero un año después optó por el arte. En 1938 emigró con su esposo a Nueva York, donde vive. Aunque comenzó como grabadora y pintora, ya en la década de 1940 dirigió su interés a la escultura, en la que ahora es reconocida internacionalmente. En la década de 1960 empezó a realizar su obra en caucho, bronce y piedra. Las formas antropomórficas que adoptan sus piezas están cargadas de sexualidad e inocencia que interactúan entre ellas. anna lecarte maccagno Anna Maccagno, escultora, nació en Roma el 23 de enero de 1906. Estudió en el Colegio Regina Vittoria. En 1946 parte al Perú con su esposo, Emilio. En 1952 ingresa a la Escuela de Artes Plásticas y al final de sus estudios regresa por dos años a Europa. En 1965, el Profesor A. Winternitz la incorpora a la plana docente de la Escuela, donde renueva la enseñanza de la Escultura. Su obra se encuentra en el Perú, Alemania, Estados Unidos y Francia. En 1980 es nombrada primera Jefa del Departamento Académico de Arte. En 1993, el gobierno del Perú le confiere las Palmas Magisteriales en el grado de Amauta. Fallece el 20 de noviembre del 2001. 29 30 andré breton y paul éluard: Cubierta del libro L’Immaculée Conception El rincón de los hallazgos lecarte
