PABLO RUIZ PICASSO (MÁLAGA 1881, MOUGINS 1973)

PABLO RUIZ PICASSO (MÁLAGA 1881, MOUGINS 1973)
INTRODUCCIÓN:
PABLO RUIZ PICASSO ES LA MÁXIMA FIGURA DEL ARTE DEL SIGLO XX.
SU OBRA SEÑALA PARA EL ARTE PICTÓRICO EL PUNTO DE NO RETORNO. A PARTIR DE ELLA
NO PODRÁ VOLVER A DETENERSE EN LA REPRESENTACIÓN CROMÁTICA DEL MUNDO
VISIBLE Y HA DE ESFORZARSE, POR UNA PARTE, EN SER UN MEDIO DE COMUNICACIÓN
CON EL UNIVERSO, Y POR OTRA, EN ADQUIRIR UN COMPROMISO CON LOS PROBLEMAS
DE LOS HOMBRES DE LA ÉPOCA EN QUE VIVE EL ARTISTA, QUIEN CONVIERTE SU ARTE EN
SÍMBOLO.
MOTOR DE TODOS LOS CAMBIOS, RENOVADOR INCANSABLE, ES DIFÍCIL ENCONTRAR
UNA LÍNEA EN LA EVOLUCIÓN DE SU ARTE, MAS PERCEPTIBLES SON LAS RUPTURAS,
INCLUSO LA APERTURA DE FRONTERAS NUEVAS EN DIFERENTES MOMENTOS. A PESAR DE
LAS DIFICULTADES QUE OFRECE CUALQUIER INTENTO DE SISTEMATIZACIÓN DE SU OBRA,
NO EXISTE OTRO MEDIO DE ACERCAMIENTO MÁS CLARIFICADOR QUE LA EXPOSICIÓN
DE LAS ETAPAS DE SU PRODUCCIÓN, CON EL AGRAVANTE DE QUE PICASSO, QUE EN ARAS
DE LA LIBERTADA NO ES RESPETUOSO NI SIQUIERA CON SU PROPIA OBRA, NO ABANDONA
TOTALMENTE SU CONQUISTAS Y PUEDE ENCONTRARSE UN CUADRO CUBISTA O
EXPRESIONISTA AÑOS DESPUÉS DE HABER ENSAYADO OTRAS FÓRMULAS ESTÉTICAS.
1
ETAPAS:
ÉPOCA DE APRENDIZAJE:
SU APRENDIZAJE EVIDENCIA UN RITMO VERTIGINOSO.
A LOS 14 AÑOS DOMINA EL DIBUJO Y EL COLOR CON LA MAESTRÍA DE RAFAEL, COMO
MUESTRAN LOS CUADROS DE ESTE PERIODO QUE CONSERVA EL MUSEO DE PICASSO DE
BARCELONA.
A LOS DIECISÉIS PINTA LA TELA “CIENCIA Y CARIDAD”
Y A LOS DIECINUEVE DECORA CON VEINTICINCO RETRATOS LOS MUROS DE LA TABERNA
BARCELONESA “ELS QUATRE GATS”, EN LA QUE FORMAN TERTULIA NONELL, EUGENIO
D`ORS, MIGUEL UTRILLO Y EL QUE SERA SU INTIMO AMIGO SABARTÉS;
A LOS 23 SE ESTABLECE DEFINITIVAMENTE EN PARIS, DONDE YA HABÍA ESTADO EN TRES
OCASIONES Y SE IMPREGNA PRIMERO DEL ESPÍRITU DE TOULOUSE LAUTREC Y MÁS
TARDE DEL FAUVISMO DE MATISSE.
EN ESTOS DINÁMICOS AÑOS JUVENILES ENCONTRAMOS YA EN LA VIDA Y TEMÁTICA
PICASSIANAS UN HUMANISMO DEL QUE NO ABDICARÁ NUNCA APOYADO EN LA
INTENSIDAD DE SU TRATO Y PREOCUPACIÓN POR EL MUNDO DE LOS HUMILDES.
EN BARCELONA VIVE EN EL BARRIO CERCANO AL PUERTO, DEL QUE LE ATRAE LE AJETREO
DE LOS HOMBRES SENCILLOS TODAS LAS MAÑANAS, EN PARIS SE INSTALA EN EL BATEAU
LAVOIR, EN LA VECINDAD DE LOS CENÁCULOS DE PINTORES Y FILÓSOFOS Y DE LOS
CENTROS NOCTURNOS, LE REPELE LA VIDA CONTEMPLATIVA Y PREFIERE EL CONTACTO
CON LA SOCIEDAD. REPASANDO SUS CARNETS DE NIÑO Y ADOLESCENTE LLAMA LA
ATENCIÓN LA INSISTENCIA EN EL TEMA DE LOS MENDIGOS Y DESVALIDOS, EN ALGUNOS
DIBUJOS ALCANZA UNA INTENSIDAD DOLOROSA CASI EXPRESIONISTA.
2
LA ETAPA AZUL: (1901-1904)
EN PRIMAVERA DE 1904, PICASSO SE INSTALÓ DEFINITIVAMENTE EN PARÍS, EN EL
CORAZÓN DE MONTMARTE. EN 1901, LA TRÁGICA MUERTE DE SU AMIGO CASAGEMAS
SUPONE UN CAMBIO IMPORTANTE EN SU VIDA Y EN LA FORMA DE CONCEBIR SU OBRA. A
PARTIR DE ESTE MOMENTO, SE INICIA EL LLAMADO PERIODO AZUL (1901-04) DEL QUE
LA OBRA LA PLANCHADORA ES UN EJEMPLO GENUINO.,
EL SENTIMIENTO PATÉTICO DOMINA SU PRIMER ESTILO PERSONAL DE LA ÉPOCA AZUL. EL
AZUL ES INTERPRETADO COMO EL COLOR DE LA TRISTEZA Y LA MELANCOLÍA.
EN LOS RETRATOS DE 1896, UNO DE ELLOS TOTALMENTE COMPUESTO CON GAMAS
AZULADAS, MEDITÓ SOBRE LA CAPACIDAD SIMBOLISTA DE ESTE COLOR. PERO ES
DEFINITIVAMENTE EN PARÍS (ENTRE 1901-1904), DONDE CONSTRUYE, MEDIANTE UNA
MONOCROMÍA AZUL ELEGIDA POR SU ATMÓSFERA CALMANTE, SU CAPACIDAD PARA
RESALTAR LA MELODÍA DE LAS LÍNEAS Y SU ESENCIAL SIMPLICIDAD.
EL PICASSO DE LOS VEINTE AÑOS SE VE ACOMETIDO POR LA DESESPERACIÓN Y
CONTEMPLA LA VIDA DESDE UN ÁNGULO PESIMISTA QUE LE INCLINA A LA DENUNCIA DE
LAS MISERIAS, MENDIGOS Y MUJERES VENCIDA POR LA VIDA, TRÁGICOS CIEGOS, FIGURAS
TRISTES DE CABEZAS TRONCHADAS, COMPONEN SU ICONOGRAFÍA.
EL SÍMBOLO DE ESTE MUNDO MELANCÓLICO SERÁ EL CIRCO AMBULANTE, CON SU
JUGLARES ERRANTES, HAMBRIENTOS Y DEMACRADOS.
INCLUSO LAS “MATERNIDADES”, COMO LA DEL MUSEO PICASSO DE BARCELONA, DE
1903, REHÚYEN CUALQUIER CONNOTACIÓN DE ALEGRE TERNURA PARA PLASMAR LA
INQUIETUD POR LA SALUD O LA ALIMENTACIÓN DEL HIJO. EL DIBUJO ES SEVERO, LOS
ELEMENTOS DEL CUADRO LOS IMPRESCINDIBLES; EN LAS RARAS OCASIONES EN QUE EL
PINTOR PRESCINDE DEL COLOR, COMO EN EL ESTREMECEDOR AGUAFUERTE DE LA “LA
COMIDA FRUGAL” EN EL QUE EL ALARGAMIENTO ANGULOSO DE LOS BRAZOS, MANOS
3
CABEZAS, TRANSPARENTA EL INFLUJO DE EL GRECO, DEL QUE HABÍA TOMADO
BASTANTES NOTAS DURANTE SU AÑO DE ESTUDIO EN MADRID CON MUÑOZ DEGRAIN.
A ESTE PERIODO PERTENECEN OBRAS COMO LA CELESTINA, LA PLANCHADORA, LA VIDA,
LOS MENDIGOS A ORILLAS DEL MAR Y EL VIEJO JUDÍO.
ÉPOCA ROSA
SU ESTADO DEPRESIVO MEJORÓ Y EL SUAVE COLOR ROSA CON TOQUES AZUL GRISÁCEO
DOMINÓ EN SUS CUADROS DE GRAN DELICADEZA, (MATERNIDAD)
MÁS QUE POR UNA MODIFICACIÓN DEL CROMATISMO SE DISTINGUE POR LA
EVOLUCIÓN DESDE LAS FORMAS ANGULOSAS ESCUÁLIDAS A LAS MÁS GRACIOSAS Y
LLENAS Y A LOS ROSTROS QUE EXPRESAN UNA INDIFERENCIA SOSEGADA; EL DIBUJO SE
BASA EN LA RAPIDEZ VÍVIDA DE LAS LÍNEAS, EN LOS RESÚMENES EXPRESIVOS. DURANTE
VARIOS MESES INSISTE EN EL TEMA DE LOS ARLEQUINES, DOTADOS DE UNA ROMÁNTICA
MELANCOLÍA.
SE INTERESÓ POR LOS ARTISTAS AMBULANTES DEL CIRCO A LOS QUE PINTA CON
MELANCOLÍA: SALTIMBANQUIS, EL JOVEN ACRÓBATA Y NIÑO MUESTRAN UNAS FIGURAS
TRANQUILAS E INDIFERENTES. INSISTIRÁ EN EL TEMA DE LOS ARLEQUINES.
4
ÉPOCA NEGRA O PRECUBISTA:
EN EL AÑO 1906 CONOCE A MATISSE Y SU OBRA, QUE INFLUYE EN EL ENRIQUECIMIENTO
DE SU PALETA, PERO SABE QUE SUS MENDIGOS AZULES Y SUS ARLEQUINES ROSAS
CARECEN DE LA VIVACIDAD CROMÁTICA DEL GRAN MAESTRO FRANCÉS Y NO PIENSA
QUE SU CAMINO ESTÉ EN EXPLORAR LA SENSUALIDAD DEL COLOR, SINO EN LA CREACIÓN
DE UN MUNDO DE FORMAS SEVERAS, INDEPENDIENTES DE LA NATURALEZA. A ELLO ES
ESTIMULADO POR UNA EXPOSICIÓN QUE VE DE ESCULTURA NEGRA Y POR EL ESTUDIO
DE LOS ANTIGUOS RELIEVES IBÉRICOS Y EL ARTE EGIPCIO, QUE SE LE REVELAN COMO
FORMAS DE EXPRESIÓN CON ORÍGENES EMOTIVOS ANTES QUE INTELECTUALES. PASA EL
VERANO DE 1906 EN EL PUEBLECITO ILERDENSE DE GÓSOL Y COMIENZA JUNTO AL A
DISTORSIÓN GREQUIANA DE ALGUNAS FIGURAS LA PETRIFICACIÓN DE LOS ROSTROS Y LA
ESQUEMATIZACIÓN ARQUITECTÓNICA DE LAS FIGURAS.
ESTABA NACIENDO EL CUBISMO, CUYO MANIFIESTO ES LAS “CHICAS DE LA CALLE
AVIÑÓN” INICIADA EN 1906 Y TERMINADA AL AÑO SIGUIENTE, OBRA QUE ROMPE CON
EL ARTE AMABLE DE MATISSE E INTRODUCE A LA PINTURA EN UN MUNDO DEMONÍACO
Y MÁGICO. EL TÍTULO SE REFIERE A UN BURDEL DE LA CALLE D`AVINYÓ EN BARCELONA.
SE TRATA DE CINCO MUJERES DESNUDAS EN POSTURAS INEXPLICABLES Y CON ROSTROS
DESFIGURADOS QUE RECUERDAN LAS MÁSCARAS AFRICANAS. EN PRIMER PLANO HAY UN
SERENO BODEGÓN. LOS CUERPOS ESTÁN GEOMETRIZADOS Y PINTADOS DE ROSA.
5
ÉPOCA DE CUBISMO:
6
EN LAS “CHICAS DE LA CALLE AVINYÓ” AL INFLUJO DE LA ESCULTURA NEGRA Y DEL ARTE
IBÉRICO SE AÑADE EL IMPACTO DE CÉZANNE, DEL QUE EN 1907 SE CELEBRA UNA
EXPOSICIÓN CONMEMORATIVA. EN LAS CABEZAS PUEDE DISTINGUIRSE UNA GRADACIÓN
CRECIENTE DE LA GEOMETRIZACIÓN, PERO NO ES TODAVÍA PLENAMENTE UN CUADRO
CUBISTA; UNA CRISTALIZACIÓN MÁS ACUSADA DE LAS FORMAS PUEDE ENCONTRARSE EN
LOS PAISAJES DE HORTA DE EBRO, DEL VERANO DE 1909. EN LOS AÑOS SIGUIENTES EL
CUBISMO SE SOMETE A UNA SERIE DE ENSAYOS Y PASA POR VARIOS PERÍODOS;
-
ANALÍTICO, JUNTO CON SU AMIGO BRAQUE DESARROLLÓ LA PRIMERA FASE DEL
CUBISMO,
CONOCIDA
COMO
CUBISMO
ANALÍTICO.
PICASSO
PINTÓ
PREFERENTEMENTE INSTRUMENTOS MUSICALES, NATURALEZAS MUERTAS, PAISAJES Y
RETRATOS COMO
O
LA FÁBRICA DE HORTA DE EBRO,
O
RETRATO DE AMBROSIO VOLLARD.
O
EL HOMBRE DEL ACORDEÓN.
-
TRANSICIÓN AL CUBISMO ANALÍTICO: EN 1912 INTRODUJO LA TÉCNICA DEL
COLLAGE EN:
NATURALEZA MUERTA, Y NATURALEZA MUERTA CON SILLA DE REJILLA, INICIANDO
LA TRANSICIÓN AL CUBISMO SINTÉTICO.
-
SINTÉTICO, TRAS LA RUPTURA DE LÍNEAS DEL OBJETO DEL PRIMER PERÍODO SE
ACENTÚA EN EL CUBISMO SINTÉTICO EL RECELO DEL COLOR Y PICASSO UTILIZA
PARA LAS PERSPECTIVAS LA PROYECCIÓN DE LOS PLANOS Y LA TRANSPARENCIA;
ETAPA CLÁSICA:
LA PAZ EN LOS AÑOS POSTERIORES A LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL, UN VIAJE A ITALIA Y
EL CONTACTO CON LOS BALLETS RUSOS, ABREN UNA ETAPA CLÁSICA.
EN ESTE MOMENTO, COEXISTEN EN LA OBRA DE PICASSO DOS TENDENCIAS MUY
DIFERENTES, UN ESTILO CUBISTA SINTÉTICO, COMO EN DOS VERSIONES DE TRES
MÚSICOS DEL 1921, UN ÓLEO ALEGRE Y DECORATIVO POR SU COLOR BRILLANTE Y
CÁLIDO, Y UN ESTILO CLÁSICO BASADO EN LA LÍNEA Y EL MODELADO SIMPLIFICADO, A
LA MANERA DE INGRES, COMO EN TRES MUJERES EN PRIMAVERA O MADRE E HIJO, CON
FIGURAS GIGANTESCAS Y PÉTREAS MODELADAS COMO ESCULTURAS. DESARROLLO ESTE
ESTILO TRAS QUEDAR IMPRESIONADO POR LA ESCULTURA ROMANA Y GIOTTO MIENTRAS
ESTABA EN ITALIA PREPARANDO DECORADOS PARA EL BALLET RUSO DE DIAGHILEV. ALLÍ
CONOCIÓ A OLGA KOKLOVA, CON QUIEN SE CASÓ Y TUVO A SU HIJO PABLO DE QUIEN
REALIZO UNOS TIERNOS RETRATOS.
EN ITALIA PICASSO CONTEMPLA LAS OBRAS DE LA ROMA ANTIGUA, POMPEYA, EL
RENACIMIENTO. ES EL MOMENTO CREADOR DE LAS MÁSCARAS EN LAS QUE CON UN
DIBUJO PORTENTOSO INMOVILIZA LA EXPRESIÓN MIENTRAS SE LIMITA A APUNTAR LAS
OTRAS PARTES DE LA FIGURA. EN LAS DANZAS DE LOS BALLETS RUSOS ESTUDIA LA
ESENCIA DEL MOVIMIENTO, QUE LE INSPIRA PINTURAS DE RITMOS AGITADOS (TRES
BAILARINES 1925). NADA HACÍA PRESENTIR, QUE EN EL AÑO 1925, EN UN MOMENTO DE
SERENIDAD, QUE EL ARTE PICASSIANO IBA A INICIAR OTRO VIAJE POR CAMINOS QUE
TODAVÍA NO HABÍA RECORRIDO NINGÚN ARTISTA.
7
LAS METAMORFOSIS
A PARTIR DE 1924 PICASSO SE VE INFLUIDO POR EL SURREALISMO. SU PINTURA SE PUEBLA
DE MONSTRUOS Y SERES DIABÓLICOS, REFLEJO DE SUS PREOCUPACIONES POR LOS
PROBLEMAS DEL MUNDO MODERNO. SU MUJER SENTADA AL BORDE EL MAR, DE 1927, ES
UNA FIGURA TERRIBLE Y AMENAZADORA. ENTRE 1929 Y 1931 REALIZA LA SERIE DE
AGUAFUERTES PARA LAS “METAMORFOSIS DE OVIDIO,” CON MONSTRUOS MARINOS DE
UN EXPRESIONISMO SURREALISTA.
EN 1935 REGRESA A ESPAÑA Y EN LOS AGUAFUERTES DE LA TAUROMAQUIA SE VE LA
INFLUENCIA ESPAÑOLA DEL TEMA DEL TORO Y LA CORRIDA. CONTINÚA CON EL TEMA
DEL MINOTAURO.
A PARTIR DE 1925 LA TEMÁTICA CAMBIA Y ALGUNOS TRATADISTAS HABLAN DE UNA
FASE SURREALISTA, EN EFECTO EL PINTOR ESPAÑOL MUESTRA POR ENTONES UNA GRAN
ADMIRACIÓN POR LOS ESCRITOS TEÓRICOS DE BRETON Y POR LA OBRA DE MIRO Y
TANGUY.
PERO EN EL LA REPRESENTACIÓN DE LO ONÍRICO NO PASA DE SERÁN ENSAYO, UN
INTERMEDIO. SU “MUJER SENTADA AL BORDE DEL MAR DE 1929, COINCIDE CON EL
ESTALLIDO DE LA GRAN DEPRESIÓN ECONÓMICA QUE SE INICIA EN LOS ESTADOS
UNIDOS. PARA PICASSO LA PINTURA ES UN CONJUNTO DE SIGNOS Y LA METAMORFOSIS
O MODIFICACIÓN DELAS FORMAS EL EQUIVALENTE A UNA METÁFORA, UN LENGUAJE
CON EL QUE SE EXPRÉSALAS ANGUSTIAS DEL A ÉPOCA. SE DESENVUELVE ESTA “DEFORMACIÓN” DENTRO DE LOS PRESUPUESTOS DEL EXPRESIONISMO, AUNQUE EN NINGÚN
MOMENTO SE ATE A UNA DISCIPLINA DE ESCUELA NI SIQUIERA LLEGUE A UNA RELACIÓN
PERSONAL CON OTROS METROS EXPRESIONCITAS. HASTA 1929 LAS METAMORFOSIS
BASABAN EN CURVAS Y ELIPSES, DESDE ESE MEMENTO LA FIGURA HUMANA ES UNA
ESTRUCTURA DE TRAZOS ANGULOSOS Y AGUDOS DE UNA VIOLENCIA QUE REFLEJA UN
ESPÍRITU ATORMENTADO.
8
ETAPA DE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA:
CUANDO ESTALLA, PICASSO TOMA PARTIDO POR LOS REPUBLICANOS. EL DOLOR DE LA
GUERRA SE REFLEJA EN SUS PINTURA, DENTRO DE LOS PRESUPUESTOS DEL
EXPRESIONISMO, COMO “MUJER LLORANDO, DE TRAZOS ANGULOSOS Y VIOLENTOS Y
COLORES ÁCIDOS. EL DIBUJO DESTIERRA LAS CURVAS DEMASIADO CONCILIADORAS. LOS
VOLÚMENES SON QUEBRANTADOS POR COLÉRICAS DEFORMACIONES.
Y EL MONUMENTAL GUERNICA PINTADO POR ENCARGO DEL GOBIERNO REPUBLICANO
ESPAÑOL PARA LA EXPOSICIÓN DE PARÍS DE 1937. EL CUADRO FUE UNA DENUNCIA
CONTRA LA DESTRUCCIÓN DE LA CIUDAD VACA DE GUERNICA EN ABRIL DE 1937 POR
LOS NAZIS Y SE HA CONVERTIDO EN SÍMBOLO DEL HORROR DE LA GUERRA CIVIL Y DE
TODOS LOS CRÍMENES CONTRA LA HUMANIDAD DEL SIGLO XX. ES UN MENSAJE DE
TERROR Y RESISTENCIA, EL GUERNICA COMBINA FORMAS Y TÉCNICA CUBISTAS, EN UNA
SERIE DE PLANOS QUEBRADOS BLANCOS, NEGROS Y GRISES, CON LA SIMBOLOGÍA DEL
SURREALISMO Y LAS DEFORMACIONES EXPRESIONISTAS. INTRODUCE MOTIVOS DE LA
CULTURA ESPAÑOLA, COMO EL TERROR, SEGURAMENTE RELACIONADO CON EL MIEDO
AL MINOTAURO CON LA MATERIALIZACIÓN DE LO IRRACIONAL. SI EL TORO SE
IDENTIFICACIÓN EL FASCISMO, EL CABALLO AGONIZANTE SUGIERE EL TORMENTO DEL
PUEBLO ESPAÑOL.
9
LA POSGUERRA CIVIL ESPAÑOLA Y LA LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
HIZO QUE SE AFILIARA LA PARTIDO COMUNISTA FRANCÉS EN 1944.
AL TERMINAR LA GUERRA ESPAÑOLA, LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL SIGUE PIDIENDO A
PICASSO SÍMBOLOS DEL SUFRIMIENTO. GATO Y PÁJARO, DE 1939, CON EL VIENTRE DEL
AVE DESGARRADO POR LA PODEROSA DENTADURA Y LAS ZARPAS DEL GATO, SE SITÚA E N
ESE NIVEL DE QUEJA, MAS INTENSO EN EL CRÁNEO DE BUEY DE 1942, ANTE UNA
VENTANA CERRADA, MUERTE SOLEDAD, DESESPERANZA, CUADRO DEN EL QUE EL DOLOR
POR LA GUERRA SE INTENSIFICA CON LA MUERTE RECIENTE DE SU AMIGO, EL ESCULTOR
JULIO GONZÁLEZ.
LA SEGUNDA POSTGUERRA
SEÑALA OTRO PARÉNTESIS DE LA TENSIÓN TESTIMONIAL. PICASSO LLENA LAS TELAS CON
BACONES ABIERTOS AL AZUL DEL MEDITERRÁNEO, CON PALOMAS O TEMAS PASTORALES.
ES LA ÉPOCA DE ANTIBES, LOS CRÁNEOS Y LAS CABEZAS DE TORO SON SUSTITUIDOS POR
FABULAS ALEGRES. DESPUÉS DE 1945 SE INSTALÓ EN EL SUR DE RANCIA Y SU PINTURA SE
VOLVIÓ MÁS ALEGRE Y OPTIMISTA, REALIZANDO MUCHOS RETRATOS Y OBRAS
PACIFISTAS COMO LA PALOMA.
EN LOS AÑOS CINCUENTA,
LA GUERRA DE COREA INICIA UNA NUEVA FASE EXPRESIONISTA. MATANZA EN COREA, SE
CONTINUA EN LOS AÑOS SESENTA CON LA EXTRAORDINARIA SERIE DE LAS MENINAS
CONTRAPUNTO DE LAS CONCEPCIONES ESPACIALES Y HUMANÍSTICAS DE VELÁZQUEZ,
DA DIFERENCIA DEL SIGLO XVII NI EL ESPACIO ES LO QUE LA VISTA CONTEMPLA NI LOS
SERES HUMANOS SON POR DENTRO COMO UN ROSTRO CORRECTO PUDIERA SUGERIR.
HIZO OBRAS DE DENUNCIA COMO MASACRE EN COREA, DE 1951, INSPIRADA EN GOYA.
10
EN LOS ÚLTIMOS AÑOS
PICASSO CULTIVA CON INTENSIDAD LOS GRABADOS Y LAS CERÁMICAS EN LAS QUE
PUEDE FUNDIR ANIMALES FORMAS GEOMÉTRICAS Y DESDE EL CUBISMO AL
EXPRESIONISMO-. E INTENTA EN ALGUNA FIGURA DE NIÑO RESUMIR LA DUALIDAD DE LA
EXISTENCIA. EL DOLOR Y LA ALEGRÍA, LA DESESPERACIÓN Y LA ESPERANZA.
SU VISIÓN DEL ARTE FUE MUY PERSONAL Y LIBRE, CAMBIANDO DE ESTIL CON
FRECUENCIA Y MOSTRANDO COMPLEJAS INTERCONEXIONES DE IDEAS E INVENCIONES. SE
DEDICÓ A LA INTERPRETACIÓN PERSONAL DE OBRAS DE LOS GRANDES PINTORES, COMO
DELACROIX (/MUJERES E ARGEL) COURBET Y ESPECIALMENTE DE LAS MENINAS DE
VELÁZQUEZ. EN SU VEJEZ SIGUIÓ MANTENIENDO UNA EXTRAORDINARIA ACTIVIDAD.
PICASSO NO HA TENIDO DISCÍPULOS PERO HA EJERCIDO UNA ENORME INFLUENCIA
SOBRE LOS PINTORES CONTEMPORÁNEOS.
11