El Cinquecento - Historia de la Arquitectura USPS

El
Cinquecento
Grupo # 1
Alumnos:
Eder Romero
Tiffany Ayala
Nemesis Cruz
Sonia Fernández
Delmer Erazo
Historia de la
arquitectura III
Catedrática:
Arq. Alejandra Vaquero
Hora:
3:55 – 5:10 p.m.
2012
[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
Introducción
El propio nombre de cinquecento alude genéricamente al
segundo ciclo del renacimiento en Italia, concretado
precisamente en el siglo XVI.
De esta forma, cuando en la actualidad se habla de cinquccento
nos referimos a un periodo de renacimiento plano, de apogeo
en las novedades introducidas por el quattrocento, pero que
apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI.
Durante este informe se hablara de forma más detallada sobre
las características, obras y representantes que protagonizaron
este periodo.
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[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
Índice
Introducción……………………………………………………………………………………………………….1
Índice………………………………………………………………………………………………………………….2
Renacimiento………………………………………………………………………………………………………3
Cinqucento…………………………………………………………………………………………………………..4
Arquitectura……………………………………………………………………………………………..…………5
Escultura………………………………………………………………………………………………………..……8
Pintura………………………………………………………………………………………………………………..9
El cinquecento en España…………………………………………………………...………………………10
 Representantes del cinquecento……………………………………………………………..….12
o Donato d'Angelo Bramante……………………………………………………………12
o Rafael…………………………………………………………………………………………14
o Miguel Ángel Buonarroti………………………………………………………………15
 La Piedad…………………………………………………………………………19
 El David(1501-1504) ………………………………………………………20
 Moisés (Tumba de Julio II) ………………………………………………22
 La Sagrada familia……………………………………………………………23
 La Bóveda de la capilla Sixtina…………………………………………25
o Andrea Paladio……………………………………………………………………………32
 Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia………………………………32
 Villa Rotonda……………………………………………………………………33
o Leonardo Da Vinci………………………………………………………………………34
 Adoración de los Magos …………………………………………………..35
 La virgen de las rocas………………………………………………………36
 La ultima cena ……………………………………………………………….37
 La Gioconda……………………………………………………………………39
Conclusiones……………………………………………………………………………………………………41
Glosario……………………………………………………………………………………………………………42
Bibliografía……………………………………………………………………………………………………43
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El Renacimiento
Es el movimiento cultural que surge en Europa en el siglo XIV donde muestra su interés en la
antigüedad grecorromana.1 Nacido en la ciudades del norte (Florencia, Venecia.) desde el siglo
XIV extendiéndose desde ahí por todo el resto de Europa. Se centra toda actividad en el hombre
como tal teniendo como en si, la libertad de espíritu conduciéndolos a la libertad de
pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza.
http://www.monografias.com/trabajos/renacim/renacim.shtml
http://sapiens.ya.com/auladelengua/renacimiento.htm
El Cinquecento
Es el periodo al cual corresponde al segundo ciclo
del renacimiento en Italia. A lo largo del sigo XVI la
capital artística de Italia se va a trasladar a Roma,
principalmente por la enorme influencia del Papado.
Llamado también el Alto Renacimiento Italiano, en
este se vera obligado a adecuarse a las normas que el
decoro imponga, circunstancia derivada al hecho que
las obras serán encargos destinados a la decoración
de edificios religiosos. Los pintores tienen el dominio
de las técnicas y hacen obras de elevada calidad que
reflejan un sentido de belleza y nobleza. Las obras
mayores de bellas artes son procedentes del
Cinquecento. Unas de las más famosas de la mano del
maestro Leonardo da Vinci. El cinquecento tuvo su
centro en la Roma de los papas, a diferencia del
1Bramante, Santa maría de las Gracias (1463-1490, Milán)
quattrocento cuyo centro fue la Florencia de los
Auditore.
El estilo arquitectónico del alto Renacimiento se distingue, a pesar de su diversidad, por el
completo dominio de las formas clásicas, la claridad y la mesura del diseño, la solemnidad, el
volumen y la riqueza cada vez más evidente de los materiales.
El cinquecento es la continuación natural del quattrocento, regido igualmente por los principios
clásicos de perfección y belleza.
La antigüedad grecorromana tiene dos caras: por una parte, un mundo de dioses y de una
humanidad en que, en la eclosión de una vida poderosa y orgánica, todo es heroico y noble, y por
otra, un mundo de seres fantásticos de complejos orígenes, a menudo venidos desde muy lejos, y que
mezclan cuerpos y naturalezas heterogéneas.
1
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Los artistas más destacados del periodo inicial del Cinquecento italiano fueron Leonardo Da
Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Junto a ellos hay una nómina interminable, tanto en el foco
romano (Bramante, Sangallo, Giulio Romano) como en otros focos, de entre los que destaca la
escuela veneciana de pintura (Giorgione y Tiziano).
http://www.arteespana.com/cinquecentoitaliano.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Cinquecento
http://www.slideshare.net/marielosliera/cinquecento-alto-renacimiento
Comprende dos fases: comienza con el denominado Alto
Renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del
siglo XVI), y termina con el denominado Bajo Renacimiento o
Manierismo.
El Alto Renacimiento: En el Renacimiento italiano se produce la
sustitución de Florencia por Roma como centro artístico más
prestigioso (es habitual utilizar la expresión renacimiento
florentino-romano). En Roma, el ambiciosísimo programa
artístico del Vaticano (Basílica de San Pedro, Capilla Sixtina,
Estancias de Rafael) atrajo a una constelación de artistas de
primer orden: Bramante, Sangallo, los citados Rafael y Miguel
Ángel; entre los que se incluyen los que destacarán en el periodo
siguiente, considerados manieristas (Giulio Romano, Benvenuto
Cellini, etc.).
2BRAMANTE Santa María de las Gracias (14631490, Milán)
http://es.wikipedia.org/wiki/Alto_Renacimiento
El Manierismo: El manierismo es el nombre que se da al
estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del
siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel
Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) El
manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan
llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a
la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura
sobre todo, la línea o en que las figuras se disponen en
sentido helicoidal ascendente.
Se cambio por:
4MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano
4
3MIGUEL ÁNGEL Piedad (1498-1515,
Vaticano)
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1. Tensión –Equilibrio
2. Agobio especial-Amplitud
3. Luz contrastada-Homogénea
4. Cromatismo intenso- suave
5. Volumetría-gracilidad
6. Expresividad-idealismo
7. Sorpresa-orden clásico
http://www.arteespana.com/manierismo.htm
http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/ique-es-el-cinquecento-y-el-manierismo.html
A r q u it ec t u r a
En el ámbito de la arquitectura se mantiene la influencia clásica en
la utilización de los órdenes así como en elementos y técnicas
constructivas. Destaca la construcción de nuevos palacios de una
mayor de un mayor magnificencia que en el siglo anterior y de
templos que buscan un nuevo
planteamiento con la centralización
de sus plantas. En este sentido la
prolongada obra del vaticano marca
un mito en toda la centuria. La
plenitud constructiva de este segundo
renacimiento se alcanza en la obra de
Donatto Bramante y las villas de
Andrea paladio.
6. MIGUEL ÁNGEL San Pedro del
Vaticano CÚPULA
http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/i
que-es-el-cinquecento-y-elmanierismo.html
5BRAMANTE Templete de San Pietro (1502,
Monitorio, Roma) DIBUJO
Características-
1. Equilibrio, austeridad y robustez predominando la arquitectura sobre la
ornamentación decorativa
2. Se emplean los volúmenes con un sentido plástico, buscando contrastes
y desarrollando la utilización de la luz como un elemento mas.
3. Desarrollo de grandes construcciones y planes arquitectónicos que
vuelven la manera romana, la mayoría por encargo.
5. Elegancia
6. Proporción exquisita
7. Centralización de los espacios por medio de la cúpula que es símbolo
cósmico y Coronación perfecta del edificio
5
7BRAMANTE Templete de San Pietro
(1502, Montorio, Roma) PLANTA
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Esc u lt u r a
Continúa el sentido clasista del quattrocento equilibrado y
armónico y cuya temática conserva la perfecta simbiosis entre
motivos sacros y mitología. Se puede hablar de una creciente
tendencia a la agitación compositiva a la búsqueda constante del
movimiento y a la monumentalidad que encuentra en sus
síntesis final en las primeras obras de Miguel Ángel. la escultura
cinquecentista buscó la grandiosidad encontró su inspiración en
las obras clásicas, cuya contemplación directa por la capitalidad
artística d Roma, ayudó
a la configuración dl
nuevo estilo.




9 MIGUEL ÁNGEL Baco (1496-1498,
Museo del Barguello, Florencia) DETALLE
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
8MIGUEL ÁNGEL Batalla entre lapitas y
centauros (1489-92, Casa Buonarroti, Florencia)
Características
Consolidación de los modelos del siglo X
Máximo auge de la escultura
Crece el interés por lo monumental
Grandes esculturas de bulto
redondo
Pierde interés el relieve, la

profundidad estudios de los
volúmenes sobre el plano.
La escultura manierista rompe la

armonía del periodo anterior
Composiciones abiertas y en movimiento
Formas en tensión
Esbeltez
Refinamiento
Elegancia de lineas que se cruzan
Usos de ejes helicoidales
http://www.slideshare.net/rosarmer/escultura-del-cinquecento-en-italia
10 MIGUEL ÁNGEL David (150104,409cm Museo de la Academia,
Florencia)
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Pin t u r a
Equilibrada y estática, en una gran partes de Rafael y
Leonardo, se encuentra con aportaciones revolucionarias
como el sfumatto o la perspectiva aérea Leonardesca, o
como el manierismo de Rafael.
Características
11 Madonna del Prato (Virgen del
prado). Rafael Sanzio. 1505-6.
-Dominio de la perspectiva linear y atmosférica
-La arquitectura sirve para realzar la monumentalidad de
las figuras
-Se destaca el tema principal y se eliminan detalles
anecdóticos
-Composiciones clásicas: piramidales o triangulares
-Búsqueda de la belleza eterna o intemporal
-Se centran en el hombre, sus reacciones y sentimientos
-Usan modelos reales
TemáticaReligiosa: nuevos santos nuevas formas
Mitológica
Historia: conmemoración de batallas
Retrato: importancia del paisaje
13 Detalle de la capilla Sixtina, San Pedro del Vaticano.
Roma. 1511.
12 La Giocinda,Leonardo Da
Vinci, 1503-1506 . Museo de
Louvre,Paris, Francia
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El cinquecento en
España
La arquitectura renacentista española se distingue tres grandes periodos:
Plateresco
Purismo
Herreriano
Llega España tardíamente debido al arraigo de las formas propias del gótico. Los
edificios civiles más representativos son los palacios y los hospitales.
Pr in c ipa les o b r a s
Fachada de la universidad de salamanca
Pertenece al periodo plateresco, llamado así
porque su decoración recuerda el trabajo de los
plateros. Su autor es desconocido, aunque
podría deberse a Juan de Álava. Se organiza en
pisos y calles.
Su decoración hace alusiones a los reyes
católicos, Carlos V y a la iglesia. Los relieves
crecen en profundidad según se asciende en la
fachada.
14 universidad de salamanca
Fachada de la universidad de la Alcalá de
henares
Pertenece al periodo purista y su autor es
Rodrigo Gil de Hontañon. Tiene tres pisos y en
la calle central se concentran los elementos
decorativos; en cualquier caso, su aspecto es
más sobrio.
15 universidad de la Alcalá de henares
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Catedral de granada
Pertenece al periodo purista y su autor fue
diego de siloé, que se hizo cargo de la obra en
1528. Seria concluida por Alonso cano.
Deja los planteamientos góticos e impone la
columna clásica. La capilla mayor es circular y
su cúpula, cosa extraordinaria en este estilo,
no esta en el crucero. La concepción del
espacio tiende a la centralización, fundiendo la
planta centralizada y la longitudinal.
16 Catedral de granada
Palacio de Carlos V, en granada
Pertenece al periodo purista y es obra
del arquitecto pedro machuca. Se
encuentra dentro del recinto de
alambre. Su planta es cuadrada y en el
centro se abre un patio circular. En el
exterior se emplea almohadillado de
tradición italiana.
17 Palacio de Carlos V, en granada
Monasterio de san Lorenzo de El Escorial
Pertenece al periodo herreriano. Su planta es
un rectángulo que recuerda a la parrilla en la
que fue martirizado San Lorenzo.
El eje central de la planta lo forman la iglesia
y el Patio de los Reyes. En su aspecto exterior
es un edificio de gran severidad, en
consonancia con la austeridad de san Felipe
II.
Esta construido con piedra de granito traída
de la sierra de Guadarrama.
11
18 Monasterio de san Lorenzo de El Escorial
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Representantes del
Cinquecento
D o n a t o d 'A n g elo B r am a n t e (1444 -1514)
Fue un arquitecto italiano, que introdujo el estilo
del primer Renacimiento en Milán y el Alto
Renacimiento en Roma, donde su obra más
famosa fue el planeamiento de la Basílica de San
Pedro.
Representa la nueva severidad arquitectónica del
cinquecento italiano y a pesar de tener una
formación cuatrocentista. En Milán desarrolla un
interés por la planta central y circular romana. Su
arquitectura se basa en el estudio de las ruinas
que aparecen en esta época y la aplicación al arte
de la construcción.
En la ciudad
eterna su
primera obra es
fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para
conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una
iglesia en honor a San Pedro.
En el lugar en que se cree fue
martirizado se construyó en
1502 el Templete de San
Pietro in Montorio o
tempietto .Este templete fue
casi una especie de prueba
por parte de Julio II. Está
considerado uno de los
edificios más armoniosos del
Renacimiento. A pesar de su
pequeño tamaño, la
20 BRAMANTE Templete de San Pietro (1502,
construcción tiene todas las
Montorio, Roma)
proporciones rigurosas y la
19 BRAMANTE Templete de San Pietro
simetría de las estructuras
(1502, Montorio, Roma) PLANTA
clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una
cúpula por encima. Bramante planeó un patio con columnas que lo rodease.
12
[EL CINQUECENTO]
En efecto, el papa Julio contrató a Bramante para la
construcción de la obra arquitectónica europea más
grande del siglo XVI: la completa reconstrucción de la
Basílica de San Pedro. La visión de Bramante para San
Pedro, una planta de cruz griega que simbolizaba la
sublime perfección para él y su generación (compárese
con Santa María della Consolazione, en Todi,
influyeron en la obra de Bramante), fue
fundamentalmente alterada por la extensión de la nave
después de su muerte en 1514. El plan de Bramante
preveía cuatro grandes capillas llenando los espacios
de las esquinas entre los transeptos de igual tamaño,
cada uno de ellos cubierto por una pequeña cúpula
rodeando a la gran cúpula sobre el crucero. Así que el
plan original de Bramante era más romano-bizantino
en sus formas que la basílica que en realidad se
construyó.
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21 BRAMANTE Planta Vaticano (1506)
Principales obras arquitectónicas
 Santa María presso San Sátiro, Milán, h. 1482–1486
 Santa María delle Grazie (claustro y ábside); Milán, 1492–1498
 Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma, 1501–1502 (no existente)
 San Pietro in Montorio (también llamado el Tempietto); Roma, 1502
 Santa María della Pace (claustro); Roma, 1504
 Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Diseño 1503, excavaciones, 1506
 Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano, 1506.
24 RAMANTE Santa María de las Gracias
(1463-1490, Milán)
23 BRAMANTE Nichal del Belvedere
13
22 BRAMANTE Claustro Santa María Paz
(1500, Roma, Italia)
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R a fa el
Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto
Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería
admirada e imitada durante siglos, realizó importantes
aportes en la arquitectura y, como inspector de
antigüedades, se interesó en el estudio y conservación
de los vestigios grecorromanos. Tras la muerte de
Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la
basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras
arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas
después de su muerte y a raíz de la aceptación de los
diseños de Miguel Ángel. Rafael diseñó otros edificios, y
durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto
más importante de Roma y el preferido del círculo social
del papa.
Desde 1514 se hizo cargo de la dirección de la obra
Rafael Sanzio, con fray Giovanni Giocondo y Antonio da
Sangallo el Joven. Todos ellos cambiaron el plan de
Bramante, optando por diseños que se inspiraban en la tradicional planta basilical de cruz
latina con un cuerpo longitudinal de tres naves.
Rafael falleció en 1520 pero su obra fue continuada por Antonio de Sangallo.
25 La Galatea, una de sus principales obras
mitológicas
26 RAFAEL Planta Vaticano
14
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M ig u el Á n g el B u o n ar r o t i
Miguel Ángel (1475-1564) fue arquitecto,
pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de
1475 en el pueblo de Caprese, de esencia
florentino mantuvo sus lazos con Florencia su
arte y su cultura. La mayor parte de su
madurez la pasó en Roma, trabajando en los
encargos de los continuados papas. Su deseo
fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de
Santa Crose y así fue después de su
fallecimiento.
http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografia
michelangelobuonarroti.htm
Uno de los mayores creadores de toda la
historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci,
la figura más destacada del renacimiento
italiano.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=182
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La
escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a
continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en
una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años,
realizó proyectos arquitectónicos.
Tras la muerte de Sangallo en 1546, el papa Pablo III encomendó la dirección de las obras a
Miguel Ángel Buonarroti, quien retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. El diseño
original de Bramante presentaba problemas estructurales que debieron ser corregidos. Bajo la
dirección de Miguel Ángel se alzaron los muros del ábside, de una imponente monumentalidad.
No obstante, la más importante aportación del gran genio fue la gran cúpula que se encuentra
justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición indica que se localiza la tumba del
apóstol San Pedro.
Arquitecto
-Continúa con el estilo florentino, adaptándolo a las características arquitectónicas del
cinquecento.
Emplea frontones curvos y ventanas ciegas como elementos arquitectónicos.
Se basa en Brunelleschi, al que intenta superar.
Entre sus grandes obras arquitectónicas:
15
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Cúpula de san pedro del vaticano
Sacristía nueva
Biblioteca laurenziana
Cúpula de San Pedro (1558-1561)
Miguel Ángel vuelve a proponer el modelo original de bramante
con pequeñas modificaciones en cuanto a la utilización de la
luz. Su gran aportación es la cúpula a la que modifico
suprimiendo el anillo con columnas y dándole un perfil mas
elevado, convirtiéndose en el elemento predominante al
suprimir las torres.
27 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano CÚPULA
28 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano
PLANTA (1547)
29 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del
Vaticano (altura 119 metros)
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Sacristía Nueva (1520-1534)
Esta fue para que sirviese de capilla funeraria a
distinguidos miembros de familia. Rompe las
cadenas de la arquitectura iniciando un nuevo
estilo en el empleo de cornisas, basamentos y
tabernáculos. Se encuentra acompañada de la
alegoría de la noche y el día, una de sus obras
mas famosas.
Biblioteca laurenziana (1524-1534)
Utiliza los métodos clásicos de forma anti clásica. Consta de sala de lectura, vestíbulo el que se
modifican las columnas para disimularlas, empleando la escalera central como elemento
unificado.
30 MIGUEL ÁNGEL Biblioteca Laurenciana (diseñada en 1520,
Florencia)
17
31 San Pedro del Vaticano: Comparación de las
plantas de Bramante y Ángel
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Escultor
Es el prototipo de escultor universal, capaz de expresar en mármol cualquier idea o concepto.
Fue discípulo de Bertoldo de Giovanni, que lo había sido de Donatello.
Fue un hombre muy culto de espíritu selecto y cultivado. Era de una religiosidad muy arraigada
en su interior que le hacia profundizar en su fe. En su obra se mezclan la lirica y la melancolía,
pero el rasgo más significativo es la fuerza dramática, el vigor físico y psíquico.
El mundo soñado por Miguel Ángel es un mundo de gigantes, de actitudes grandiosas, facciones
perfectas y gestos terribles, creando lo que se
conocerá como terribilidad. Son sus criaturas gigantescos arquetipos humanos. En los cuerpos
la musculatura, cada vez más acusada, revela los largos años dedicados por el artista al estudio
de la anatomía y la honda impresión que en él producida por el Laoconte recién descubierta
(1506). Los desnudos de Miguel Ángel están dotados de una fuerza en tensión sin igual en la
historia de la escultura. Los músculos se acusan bajo la piel y todo el cuerpo rebosa un
dinamismo contenido que hace que se revuelva sobre si mismo adoptando posiciones ricas en
movimiento.
Presentaciones (en línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel
http://www.slideshare.net/Humanistas/la-escultura-del-cinquecento
Obras
Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados
en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo.
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[EL CINQUECENTO]
La Piedad
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Encargarte : el cardenal Dionisio Jean
Bilhères de Lagraulas.
Autor: Miguel Ángel Buonarotti.
Cronología: entre 1498 y 1499
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: Esculpido o tallado
Dimensiones: 174 por 195 cm
Localización: Se encuentra en la Basílica de San
Pedro del Vaticano.
Tema: grupo escultórico religioso
El tema proviene del gótico final: el cadáver de
Cristo está en brazos de María,
descansa sobre sus rodillas dobladas
transmitiendo una sensación de pesadez, como si
estuviera dormido. La escultura es una
composición piramidal y proporcionada, que
muestra el cuerpo de Jesús muerto, bajado de la
cruz y depositado sobre los numerosos pliegues de las amplias
vestimentas que cubren el regazo de la Virgen. El brazo derecho
de Jesús cae inerte, en contraposición del brazo izquierdo de
María que es libre, lleno de vida y mostrando consternación. El
brazo derecho de la Virgen sostiene el torso de Jesús.
Detalle de la cara y el torso de Jesús. Se nota la mano del brazo
derecho de la Virgen sujetando el torso de su hijo muerto. El
rostro de Jesús, fotografiado de medio perfil, muestra una
expresión plácida, casi descansada. Se interpreta como el hecho
de que Jesús cumplió su mandato en la
tierra y su tranquilidad remplaza todo
signo de padecimiento físicos sufrido en
su pasión.
La cabeza de la Virgen muestra una joven, bella y piadosa, mirando el
cuerpo de su hijo muerto apoyado en los pliegues de sus vestiduras. Su
expresión refleja una pena infinita y una gran ternura. Miguel Ángel
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[EL CINQUECENTO]
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dio a María una juventud muy extrema comparándola con la de su hijo muerto, pero eso fue
intencional. El Artista quiso representar la espiritualidad de la Virgen como condición
sobrenatural, la cual no tiene edad y solo muestra una
eterna belleza.
Detalle de las facciones de Jesús. Tomada la foto desde una
posición frontal, se confirma su expresión extremamente
apacible, sin ningún síntoma de las torturas a las cuales fue
sometido antes de fallecer. Miguel Ángel creó un Jesús muy
tranquilo, satisfecho de haber cumplido su misión.
http://arte.observatorio.info/2008/03/la-piedad-miguel-angelbuonarroti-1498-1499
Http:
//www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Piedad/La%20
Piedad.htm
El David(1501-1504)
Título: David
Autor: Miguel Ángel Buonarotti.
Cronología: entre 1501 y 1504
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: Esculpido o tallado en mármol de Carrara
Dimensiones: Se trata de una pieza de 409 cm de altura
Localización: Hoy se conserva en la Gallería dell'Accademia
de Florencia para evitar su deterioro por las inclemencias
del tiempo.
Tema: religioso (Antiguo Testamento)
Miguel Ángel, una vez observado el bloque de mármol,
pidió un tiempo para analizar la posibilidad de aprovecharlo. Como prioridad absoluta, debía
elegir el personaje que podía caber en ese mármol mal conformado, y pensó en la posibilidad
de representar al bíblico David como un joven atlético y desnudo, en una actitud adecuada para
enfrentar su lucha desigual.
20
[EL CINQUECENTO]
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Comenzó a esculpir el mármol con el cincel, con la idea de
que su obra debería ser admirada desde todas los lados, o
sea desde cualquier punto de observación. Con el máximo
cuidado y mucha pericia, el
artista tuvo que sortear todos
los inconvenientes del bloque
de mármol, tarea muy ardua e
difícil de describir. Levantó un
cobertizo alrededor del bloque
de mármol, para poder trabajar
con comodidad a cualquier
altura.
32 MIGUEL ÁNGEL David (150104,409cm, Museo de la Academia,
Florencia) DETALLE
De a poco se delineó el cuerpo
33 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm,
Museo de la Academia, Florencia) DETALLE
musculoso del David, erguido
en una posición adecuada para
lograr el equilibrio del peso del mármol en todas las partes de la
estatua. Por eso la pierna izquierda se adelanta a la derecha y el
brazo izquierdo se eleva, doblando el codo, hasta colocar su mano
muy cerca del hombro. El otro brazo, que nace del torso levemente
inclinado a la derecha, cae en forma
ligeramente arqueada con su mano
tocando la pierna derecha.
Cabe aclarar que la mano izquierda del David (la que está cerca del
hombro) aprieta el receptáculo de la honda, que se nota come un
bulto en el cual está colocada la piedra a lanzar. La honda tiene dos
correas que, apoyadas en el mismo hombro, descienden
transversalmente por la espalda de la figura hasta ser tomadas por
la mano derecha que toca la pierna. El ataque con una honda
consiste en revolear las correas en el aire hasta soltar una de ella
para liberar la piedra hacia el punto deseado. Miguel Ángel trabajó
hasta 15 horas diarias para dejar su obra prácticamente terminada
el día 25 de Enero 1504, con plena satisfacción de los Mercaderes de
la Lana, como figura en una minuta redactada por la Cofradía de
Comerciantes en esa fecha. Como nota al margen, cabe aclarar que la
estatua del David no fue circuncidada, a pesar de que el personaje
fuera Judío.
Http://www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/David/El%20David.htm
Presentaciones (en línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel
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34 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm,
Museo de la Academia, Florencia) DETALLE
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23 de enero de 2012
Moisés (Tumba de Julio II)
Título: Moisés
Autor: Miguel Ángel Buonarotti.
Cronología:1513-1516
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: Esculpido o tallado en mármol de Carrara
Dimensiones: 2,35 ms
Localización: Iglesia de San Pedro In Vincoli
(Roma)
Tema: Religioso-funerario (formaba parte de un
sepulcro inacabado)
Presentaciones (en
línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel
Es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia.
Figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de
San
Pedro in Víncoli, en Roma. De mármol de Carrara, es una de las
obras más conocidas de Miguel Ángel
http://www.europaenfotos.com/italia/pho
to_ro11_9.html
La obra, el Moisés, es de su segunda
etapa. Pertenece al sepulcro del Papa
Julio II, su mecenas, que se lo encarga
en 1505, aunque el artista no lo termina
hasta 1545 , de un modo muy diferente
a como lo había proyectado. El proyecto
original consistía en una tumba exenta,
a cuatro fachadas, con más de cuarenta
grandiosas estatuas, que se colocaría
bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano.
Este delirante proyecto irá reduciéndose por motivos económicos
y familiares (ya muerto el pontífice) hasta que Miguel Ángel lo
35 MIGUEL ÁNGEL Tumba de Julio II en
diseña como un sepulcro adosado. Esculpe los Esclavos, alusivos a
San Pietro in Vincoli
las ataduras de la vida humana, y la Victoria, pero no se encuentran en el
sepulcro definitivo, emplazado en San Pedro in Víncoli, dónde sólo figuran siete estatuas:
Raquel y Lía, que otras apenas desbastadas.
http://selectividad.tv/S_A_1_1_1_S_el_moises_de_miguel_angel.html
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[EL CINQUECENTO]
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Pintura
La Sagrada familia
Autor: Miguel Ángel
Fecha:1503 h.
Museo: Galería de los Uffizi
Características:120 (diámetro)
Material: Oleo
Estilo:Renacimiento Italiano
Miguel Ángel ejecuta La Sagrada
Familia, conocida como el Tondo Doni,
seguramente con motivo de la boda
del rico comerciante florentino,
Agnolo Doni y Maddalena Strozzi,
celebrada a finales de 1503. Es la
única obra pictórica de Miguel Ángel
que pertenece con toda seguridad a
sus primeros años.
En primer término, destaca el grupo
principal que se aísla del resto como si
de un bloque de mármol se tratara. La
composición se articula en forma de espiral configurando a los personajes un movimiento
inquieto y revoltoso, que se ve acentuado por su contraste cromático. La disposición triangular
de las figuras denotan la típica forma serpentinata, exaltando aún más el volumen escultórico.
Sin lugar a dudas, la formación como escultor de Miguel Ángel determinó, ya en esta temprana
obra, el aspecto de las figuras.
La Virgen, arrodillada, es representada con unas poderosas
piernas que recuerdan los mantos y las vestiduras de las
Sibilas de la capilla Sixtina. María levantando los brazos se gira
hacia la derecha para recoger, o tal vez entregar, al Niño que le
ofrece San José, que está detrás de ella. El Niño, que juega con
toda naturalidad con los cabellos de su madre, se encuentra en
este famoso "equilibrio inestable". San José continúa el
movimiento espiral, balanceando el cuerpo hacia la izquierda,
en cuclillas, sin apoyarse de manera segura en ninguna parte.
Una pierna la tiene abierta para prestar apoyo al Niño y la otra
para sostenerse a sí mismo.
36 La Sagrada Familia, Miguel
Ángel.
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[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
Este efecto de movimiento, de inestabilidad de grupo que en cualquier momento puede
derrumbarse, caracterizará las figuras posteriores del artista, tanto en pintura como en
escultura.
En un plano medio, hacia la derecha, está el pequeño San Juan Bautista, que envuelto
en sus pieles, contempla con admiración el grupo de la Sagrada Familia.
Al fondo de la representación, se divisa un paisaje con montañas rocosas y un río que
transcurre con calma. Entre la Sagrada Familia y el paisaje hay cinco hombres completamente
desnudos en semicírculo, con gestos alegres, apoyados sobre una pared. Uno de ellos envuelve
con sus brazos al que tiene delante, mientras a la derecha otro intenta deshacerse del manto
que le cubre.
Este friso de desnudos es el rasgo más controvertido de la obra. ¿Qué significa
todos estos jóvenes de belleza clásica tras la Sagrada Familia? La escena ha suscitado varias
interpretaciones. Se ha querido ver la imagen del mundo pagano, del que se aleja San Juan, lazo
de unión de los dos mundos, para acercarse a la Sagrada Familia, el mundo judeo-cristiano.
Otras interpretaciones, en cambio, aluden a la vida en el Paraíso, donde el hombre esta en
contacto directo con la Naturaleza y no requiere vestiduras ni cualquier otro elemento
superfluo.
No obstante, las figuras desnudas del fondo también puede hacer alusión a los neófitos que
esperan para sumergirse en las aguas del río Jordán. Esta última lectura se enfatiza con la
presencia de San Juan niño, símbolo del Bautismo.
Los vivos colores, como el naranja dorado
de las ropas de San José o el rojo claro carmín del vestido de la Virgen, denotan el influjo de
Ghirlandaio, el primer maestro de Miguel Ángel.
La Sagrada Familia, junto al marco que la
envuelve, diseñado al parecer por el mismo artista, es un óleo sobre tabla de 120 cm de
diámetro, hoy conservado en
http://www.historiadelarte.us/renacimiento/cinquecento/la-sagrada-familia.html
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[EL CINQUECENTO]
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La Bóveda de la capilla Sixtina
Capilla Sixtina. Bóveda
Autor: Miguel Ángel
Fecha: 1509-11
Museo: Capilla
Características:
Material: Fresco
Estilo: Renacimiento
Se conoce como la bóveda de la Capilla
Sixtina al conjunto de pinturas al fresco
realizadas para decorar la bóveda de la
Capilla Sixtina, en la Ciudad del
Vaticano (Roma). Fue pintada entre
37 La Capilla Sixtina, Miguel Ángel.
1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una
de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el
papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con
estrellas doradas, que había sido realizada por Piero Matteo d'Amelia, según la tradición de los
templos paleocristianos. En 1535, el papa Pablo III encargó a Miguel Ángel el más grande fresco
jamás pintado (277 M2), para representar el Juicio Universal. El mismo sería ubicado en la
pared del altar de la Capilla Sixtina. Toda la composición fue realizada por el artista entre los
años 1536 y 1541.
38 La Capilla Sixtina, Miguel Ángel. VISTA PARCIAL DESDE
EL ALTAR DE LA CAPILLA
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[EL CINQUECENTO]
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DESCRIPCIÓN DEL JUICIO UNIVERSAL
Por la grandiosidad de la obra y
la cantidad de hechos y
personajes incluidos, es
prácticamente imposible apreciar
a simple vista los innumerables y
fantásticos particulares
contenidos en ella. Por este
motivo se hace necesario dividir
toda la pintura en distintas
partes: En el centro están las imágenes de
Cristo y de María. El Redentor, en
su carácter de Juez, tiene el brazo
derecho levantado para impartir
la justicia divina; su rostro
demuestra, con extrema dureza, la
inflexibilidad de su decisión.
María, en cambio, parece muy
afligida por el trágico momento y
prácticamente resignada a las
consecuencias del Juicio, tomando
una posición recogida bajo el
brazo de Jesús.
Alrededor de estas dos figuras
centrales, Miguel Ángel pintó varios Santos Mártires de forma tal que, para poder distinguirlos
entre la multitud de cuerpos, les agrego detalles inequívocos, como por ejemplo los elementos
utilizados para su tortura y muerte u otros objetos característicos, como las llaves del Paraíso
(que San Pedro tiene en las manos).
Alrededor del grupo central, que incluye Dios, María y los Santos, Miguel Ángel pintó una gran
multitud de cuerpos, representando a toda la gente común. Muchas de éstas figuras reflejan una
gran inquietud, dando la impresión de no saber lo que hacer. En el grupo, algunos encuentran a
sus familiares y amigos, mostrando felicidad y hasta conmoción. Todos ellos esperan el juicio
de Dios que los va a dividir: los condenados caen por la derecha hasta el bajo, mientras los
elegidos suben al cielo por la izquierda. Mas abajo y en el centro del fresco, se encuentra un grupo de ángeles que, de acuerdo al
Apocalipsis, tocan las trompetas anunciando el acontecimiento. En el mismo grupo, figuran
también dos ángeles que sostienen el Libro de la Vida y de la Muerte, donde están escritos los
nombres de los destinados al Paraíso y de los condenados al infierno.
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[EL CINQUECENTO]
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En la parte inferior del fresco, las multitudes siguen divididos san la forma ya citada: los que
están ascendiendo al Cielo están a la izquierda, ayudándose unos a otros en la subida con la
colaboración de los ángeles, mientras que los condenados al infierno están a la derecha, donde
son arrojados por los ángeles y arrastrados por los demonios al fondo del fresco, hacia el Río
Stige, en su paso hacia el dolor eterno.
Las figuras que suben de la tierra para ser juzgados son las que estaban en el momento en que
Cristo inicia el juicio. Muchas de estos cuerpos han resucitado (resurrección de la carne) y son
representados como cadáveres. Todos deben presentarse adelante de Dios para escuchar su
sentencia.
En la Tierra hay demonios escondidos en cuevas. Algunos de ellos intentan evitar que los
salvados asciendan al cielo. Abajo y a la derecha del fresco se encuentran, y siguen cayendo,
todos los condenados por Dios en el Juicio, arrojados por los ángeles. Allí los esperan los
demonios, para cargar sus cuerpos en la barca que va a zarpar por el Río Stige hasta el infierno,
manejada por el mítico barquero Caronte, el cual colabora con los demonios golpeando
salvajemente a los condenados con su larga vara.
Http:
//www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Sixtina/J
uicio%20final/Juicio%20Universal.htm
La s n u ev e h ist o r ia s d el
G én esis
1 = Dios separa la luz de las tinieblas
Desde la Biblia: En el Cuarto Día del Génesis Dios creó
las estrellas en el universo, disociando también la Luz
de las tinieblas. El significado representa la
separación de lo visible (como bueno y transparente)
de la oscuridad (como indeseable).
Los dos medallones, cada uno al lado de dos desnudos,
representan:
Abajo: El sacrificio de Abrahán (1)
Arriba: Elías asciende al cielo (2)
39 Dios separa la luz de las tinieblas
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[EL CINQUECENTO]
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2 = Creación del sol y de la luna
También en el cuarto día, Dios "creó" ambos cuerpos
celestes: el sol para que alumbrara la tierra y la luma para
que diera penumbra en la noche. La Génesis afirma que Dios
creó también las plantas sobre la
tierra.
3 = Dios separa la tierra de
las aguas
40 Creación del sol y de la luna
Dios juntó la tierra seca y la
separó de las aguas, llamando a
estas últimas "Mares". Así lo
afirma la Biblia, concluyendo:
Así lo hizo Dios.
Los medallones, con los desnudos, representan:
Abajo: Muerte de Absalón (3)
Arriba: La pintura se destruyó en 1798 por un accidente ocurrido.
Una explosión en el Castillo de "Sant'Angelo" hizo caer una pesada
piedra en el techo de la Capilla, originando el desprendimiento del
dibujo.
4 = Creación del hombre
42 = Dios separa la tierra de las
aguas
Dios creó al hombre (Adán) a su imagen y
semejanza. Es lo expresado por las escrituras. La creación del
hombre incluye su parte material, llamada "polvo", pero
también añade lo inmaterial, definido como "el aliento de vida".
Esta distinciones separan al "hombre exterior" del "hombre
41 Creación del hombre
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[EL CINQUECENTO]
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espiritual". La interpretación artística de Miguel Ángel es maravillosa: la mano de Dios toca la
de Adán en el momento de su creación.
5 = Creación de la mujer
La Biblia afirma que en el sexto día de la creación, Dios
creó a la mujer como complemento del hombre y, para
eso, utilizó parte del hombre para concretar su obra. Por
tal motivo algunos interpretaron, desde la antigüedad,
que el mismo Dios quiso indicar la superioridad del
hombre.
Los medallones, con los desnudos, representan:
Abajo: David se inclina ante Natán (4)
Arriba: Muerte de Urías (5)
43 Creación de la mujer
6 = El pecado original
El pecado original se relaciona a la desobediencia de Adán y
Eva, como hombre y mujer, al mandato divino de no comer
alimento alguno proveniente del árbol que refleja el bien y el
mal, respetando así los conocimientos recibidos y obedeciendo
las condiciones impuestas, a pesar de las tentaciones
impulsadas por la serpiente.
Fueron así los primeros padres y expulsados por Dios del
Paraíso que él había creado.
El fresco de Miguel Ángel expresa maravillosamente la escena,
que termina con el alejamiento de los pecadores.
44 El pecado original
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[EL CINQUECENTO]
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7 = El sacrificio de Noé
El sacrificio consiste en ofrecer un cordero a Dios, después del
diluvio universal, como reconocimiento y sumisión. Noé levanta el
dedo señalando el destino del ofrecimiento. Delante de él está el
fogón donde se realizó el sacrificio.
Los medallones, con los desnudos, representan:
Abajo: Joab mata a Abner (6)
Arriba: Castigo de Heliodoro (7)
8 = El diluvio universal
De
45 El sacrificio de Noé
acuerdo a la Génesis, Noé construyó
un arca en la cual alojó a su familia y
también a siete parejas (macho y hembra) de animales limpios y
una pareja de animales no limpios de cada especie existente,
sabiendo que todos ellos serian los únicos sobrevivientes en el
mundo luego del diluvio, cuyo objeto obedece al designio de
destruir la maldad del hombre.
46 La embriaguez de Noé
47 El diluvio universal
9 = La embriaguez de Noé
El significado de este fresco consiste en mostrar la maldad
del hombre, viendo a Noé borracho luego de trabajar la
tierra con una pala. Está desnudo, como también lo están sus
tres hijos (Cam, Sem y Jafet) cuando lo encuentran en el
suelo. A pesar de ello, Dios elije a Noé y a su familia para que
sobrevivan luego del diluvio.
Los medallones, con los desnudos, representan:
Abajo: Jehu destruye el ídolo de Baal (8)
Arriba: Caída de Antioco Epifanes (9)
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[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
REFERENCIAS:
(1) Abraham fue solicitado por Dios para que sacrifique su primer hijo, de nombre Isaac. Según
lo narrado por la Biblia, en aquel tiempo el sacrificio de los primogénitos era aceptado por los
religiosos de la zona de Canaán, para honrar al Ser Supremo. Sin embargo Dios, a último
momento, detuvo el cuchillo con el cual Abraham intentaba consumar ese sacrificio, diciendo
que no se siguiera más esa práctica y, en lugar del primogénito, debía utilizarse un cordero.
(2) Resumen bíblico. Al Profeta Elías había llegado la hora de subir al cielo por haber terminado
su función terrenal y sería remplazado por el Profeta Eliseo. Ambos caminaron hacia el Río
Jordán y lo cruzaron sin mojarse porque Elías abrió las aguas con un golpe de su manto. De
pronto apareció un caballo llevando un carro, ambos de fuego, que dividieron los dos Profetas.
Un torbellino de fuego se llevó a Elías subiéndolo al carro que lo transportó al cielo.
(3) Absalón fue el tercer hijo del Rey David. Se hizo proclamar Rey en ausencia de su padre,
apoyado por mercenarios. Entró en batalla cerca del Río Jordán con la tropa del Rey y fue
derrotado. En su veloz huida, su larga cabellera desplegada al viento quedó enredada en los
árboles. Sus perseguidores lo alcanzaron y le dieron muerte.
(4) Natán fue el profeta de Jehová cuando David reinaba en Israel. Por intermedio de este
profeta, Jehová concedió a David la promesa de un reinado indefinido en el tiempo, siempre que
no se apartara de los principios establecidos.
(5) El segundo libro de Samuel cuenta de Urías, soldado muy valiente del Rey David y esposo de
Betsabé, mujer de la cual estaba enamorado el mismo David. El Rey mandó entonces Urías a la
guerra hasta lograr su muerte en batalla. Con eso, David dejó de cumplir el pacto hecho con
Dios por intermedio de Natán.
(6) Joab mató a Abner porque éste había dado muerte a Asael, su hermano, en la batalla de
Gabaón causando la ira de David, que tenía gran consideración para Abner. Joab intentó
involucrar al Rey David, hasta que éste probó su inocencia.
(7) Seuluco, Rey de Siria, encargó a Heliodoro para que se apodere del tesoro guardado en el
Templo de Jerusalén. Dios envió a dos jinetes, a pedido del gran sacerdote Onías, para que lo
castigaran. Heliodoro fue golpeado y expulsado del Templo.
(8) Jehu fue el undécimo rey de Israel. Parte de su pueblo comenzaron a adorar a Baal, un Dios
de Asia Menor, Caldeo, babilonio, y otros pueblos. Jehu destruyó entonces la figura de ese ídolo.
(9) Antioco Epifanes, en el periodo de la dominación griega de Palestina, quiso imponer por
la fuerza a los judíos que adoraran a Zeus y a todos los dioses griegos de aquél entonces, como
también quiso imponer la cultura griega.
Http://www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Sixtina/Boveda/Los%209%20temas%2
0principanes.htm
31
[EL CINQUECENTO]
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A n d r ea Palla d io
Andrea Palladio, de nombre Andrea di Pietro
della Góndola (Padua, 1508 - Vicenza, 1580) fue
un importante arquitecto de la República de
Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad
de Venecia y alrededores. Se lo considera un
autor del manierismo, sus villas campestres y
otras obras han influido de manera importante
en la arquitectura del Neoclasicismo.
http://es.wikipedia.org/wiki/Andrea_Palladio
Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia
Época: Renacimiento9
Inicio: Año 1550
Fin: Año 1600
Antecedente:
Arquitectura manierista
El sitio escogido fue la cima redondeada de una
pequeña colina apenas fuera de los muros de
Vicenza. En aquella época, la fascinación por los
valores arcaicos comenzaba a incitar a muchos
nobles pudientes a mezclarse con la alegría de la
vida simple.
32
48 Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia
[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
Villa Rotonda
La construcción, iniciada en 1566, consiste de un edificio cuadrado, completamente simétrico e
inscripto en un círculo perfecto. Sin embargo, describir la villa como "Rotonda" (redonda) es
técnicamente incorrecto, ya que la planta del edificio no es circular, sino que puede ser definida
como la superposición de un cuadrado y una cruz. Cada una de las cuatro fachadas presenta un
volumen avanzado con una galería, (loggia) a la que se accede mediante amplias escalinatas
externas.
Cada galería está enfatizada con un frontón
decorado con esculturas que representan
divinidades griegas clásicas. Cada logia está
flanqueada por una ventana simple. Cada
uno de los cuatro ingresos principales,
luego de atravesar un corto pasillo o
corredor, conduce a la sala central, cubierta
por una cúpula. Esta habitación de planta
circular, es el centro neurálgico de la
composición, a la que Palladio imprime
fuerza centrífuga y vinculación con el
exterior mediante los cuatro pronaos
jónicos y las cuatro escalinatas. La villa
resulta así en una arquitectura abierta,
relacionada con la ciudad y el campo
circundante.
49 Planta evidenciando las proporciones geométricas
Fundación Wikimedia, Inc.. Andrea
Palladio,
http://es.wikipedia.org/wiki/Andrea_Palladio
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[EL CINQUECENTO]
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Leo n a r d o D a Vin c i
Leonardo Di Ser Piero da Vinci hijo natural e ilegitimo
de Ser Piero da Vinci (un notario florentino), nació el
15 de abril de 1452
Uno de los exponentes del Renacimiento es Leonardo
Da Vinci, pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y
científico. Fue un personaje que se destacaba por su
profunda pasión por el conocimiento y la investigación,
claros principios que destacaban su obra. Se constituyó
en un claro innovador en el campo de la pintura dando
lugar a la evolución del arte italiano durante mas de un
siglo después de su muerte. Por otra parte, también se
destacó en el campo de la ciencia, sus investigaciones
en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica,
anticiparon muchos avances de la ciencia moderna.
1.
2.
3.
4.
5.
6.
Propugnó el empirismo como método científico
Describió los principios básicos de la aeronáutica
Creó armas de guerra y vehículos mecánicos
La Gioconda es el retrato más célebre de la historia
Estudió y describió la anatomía humana
Fue un gran urbanista e ingeniero hidráulico
http://www.portalplanetasedna.com.ar/leonardo_da_vinci.htm
34
[EL CINQUECENTO]
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Adoración de los Magos
1482 Galería de los Uffizi - Florencia
Con la Adoración de los Magos Leonardo alcanza su
madurez y plantea los términos de una renovación
radical de los modos representativos.
http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc52.
html
La Adoración de los Magos (en italiano, Adorazione
dei Magi) fue la primera gran obra del pintor
renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está pintado
al óleo sobre tabla que mide 246 cm. de alto y 243 cm.
de ancho y data del periodo 1481-1482. Se conserva
en la Galería de los Uffizi de Florencia. La Virgen
María y el Niño Jesús están representados en primer plano 50 Adoración de los Magos, Leonardo Da Vinci, 1482.
y forman un triángulo o pirámide con los Magos
arrodillados en adoración; de esta figura, la Virgen resulta
ser el vértice. Detrás de ellos hay un semicírculo de figuras que los acompañan, incluyendo lo
que podría ser un autorretrato del joven Leonardo (en el extremo de la derecha, lejos).
Domina un sentido de la circularidad, un vórtice de acción y gestos que giran en torno al grupo
de la Virgen con el Hijo, que representa la Epifanía que afecta a todos los asistentes. El hecho de
que las piernas de María estén vueltas hacia la izquierda mientras que su cabeza y la de Jesús se
giran a la derecha da a la pirámide un sentido de movimiento rotatorio. La cabeza de María es la
intersección de las dos diagonales del cuadro, que se puede decir cuadrado visto la leve
diferencia entre la altura y la base, de ahí que la cabeza de la Virgen sea el centro de la obra.
En el fondo, dos árboles forman una diagonal. Uno es un laurel, símbolo de triunfo, y el otro una
palmera; este segundo árbol puede entenderse como signo de martirio o como alusión a una
frase del Cantar de los Cantares: "Eres majestuosa como una palmera", en la que parece
prefigurarse María.
Tras esos árboles aparecen dos escenas. A la izquierda, la ruina de un edificio clásico, en el que
pueden verse obreros, aparentemente reparándola.
A la derecha hay jinetes desarzonados peleando, sobre caballos enfurecidos, y un esbozo de un
paisaje rocoso. El templo en ruinas puede verse como una alusión a la caída del Templo de
Jerusalén, con un arco roto en el que crecen pequeños arbustos, lo que ocurre en algunas
construcciones antiguas en los que la naturaleza ha empezado a apropiarse. Pero también es
posible que las ruinas aludieran a la Basílica de Majencio, pues, según una leyenda medieval, los
romanos decían que permanecería en pie hasta que una virgen diera a luz. Se supone que cayó
la noche del nacimiento de Cristo (de hecho, ni siquiera estaba construida entonces). Las ruinas
dominaban un dibujo preparatorio de Leonardo, que también presentaba a los caballeros
peleando, pero quedó relegado al fondo en la pintura final
. http://es.wikipedia.org/wiki/Adoración_de_los_Magos_(Leonardo)
35
[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
La virgen de las rocas
El 25 de abril de 1483, Leonardo da Vinci recibió el encargo de
pintar el panel central de un gran retablo para la iglesia de San
Francesco il Grande de Milán. La cofradía franciscana de Milán
estipulaba en el contrato que la obra debía estar acabada el 8 de
diciembre de ese mismo año.
A la entrega del retablo comenzaron los problemas. Se ha
especulado mucho sobre cuales fueron las causas del pleito entre
Leonardo da Vinci y la Cofradía Franciscana. Algunos sostienen que
los clientes quedaron descontentos ya que el maestro toscano no
había seguido al pie de la letra las instrucciones para la ejecución
del cuadro. Pero parece ser que lo que en realidad sucedió es que
Leonardo da Vinci no recibió el pago acordado. Hubo procesos
legales que concluyeron en 51 La Virgen de las rocas
(1ª versión que
el
artista
debía 1486) Museo del Louvre, París
terminar el trabajo o
alguien en su lugar debía hacerlo por él
A raíz del litigio se realizó la segunda versión del
cuadro, cuya ejecución corrió a cargo de Ambrogio De
Predis bajo la supervisión de Leonardo. Esta segunda
versión es la que actualmente se expone en la National
Gallery de Londres.
La primera versión, que ha ciencia cierta es obra de
Leonardo es la que se encuentra en el Museo del Louvre
de París.
http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/lavirgen-de-las-rocas.htm
52 La Virgen de las rocas
(2ª versión 1486) Natonional Gallery, London.
36
[EL CINQUECENTO]
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La ultima cena
La Última Cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de
Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497,1 2 se encuentra en la pared sobre la que se
pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en
Milán (Italia).3 La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No
es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de
preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho.
Muchos expertos e historiadores del arte, consideran la Última Cena como una de las mejores
obras pictóricas del mundo
53 La Ultima Cena, Leonardo Da Vinci (1495-149)
37
[EL CINQUECENTO]
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Leonardo ha escogido, puede que a sugerencia de los
dominicos, el momento quizá más dramático.
Representa la escena de la Última Cena de los últimos
días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la
Biblia.
La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús
anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. La
escena parece estar bañada por la luz de las tres
ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo
crepuscular, de igual manera que por la luz que
entraría a través de la ventana verdadera del
refectorio. Dicha luminosidad, así como el fresco
colorido, han quedado resaltados a través de la última
restauración. Los 12 Apóstoles están distribuidos en
cuatro grupos de 3. Ello sigue un esquema de tríadas
54 La última cena, detalle de la mesa, con
platónicas, de acuerdo a la escuela florentina de Ficino
ésta y el plato en perspectiva
y Mirándola. Analizando de izquierda a derecha, en la
segunda tríada se encuentra Judas, cuya traición rompe la tríade, colocándole fuera de ella. La
tercera tríada desarrolla la teoría del amor platónico. El amor es el deseo de la belleza, la
esencia de Dios es amor y el alma va hacia su amor embriagada de belleza. En la cuarta tríada se
observa a Platón, Ficino y quizá el propio Leonardo, trata del diálogo filosófico que lleva a la
verdad de Cristo.
En la obra los discípulos y Jesús aparecen sentados y atrás de ellos se puede apreciar un paisaje
como si fuera un bosque o incluso como si fuera el paraíso.23 Los apóstoles se agrupan en
cuatro grupos de tres, dejando a Cristo relativamente aislado. De izquierda a derecha según las
cabezas, son: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés en el primer grupo; en el segundo Judas
Iscariote con pelo y barba negra, Simón Pedro y Juan, el único imberbe del grupo; Cristo en el
centro; Tomás, Santiago el Mayor y Felipe, también sin barba en el tercer grupo; Mateo,
aparentemente sin barba o con barba rala, Judas Tadeo y Simón el Celote en el último. Todas las
identificaciones provienen de un manuscrito autógrafo de Leonardo hallado durante el siglo
XIX.
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Última_Cena_(Leonardo_da_Vinci)
38
[EL CINQUECENTO]
23 de enero de 2012
La Gioconda
Una peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro
es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día
nos extrañe, era una costumbre común entre las damas
florentinas de la época, depilarse todo el vello de la
cara. Es la última gran obra de Leonardo, y de hecho
estuvo retocándola hasta sus últimos días, llevándole
cuatro años completar el proyecto.
http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/lagioconda.htm
El cuadro La Gioconda, también conocido como La
Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o
Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo Da
Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado
Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.
56 La Gioconda, Leonardo Da Vinci. Museo de
Louvre de Paris.
55 La Gioconda, Leonardo Da
Vinci. Detalle en lado izquierdo
En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y
posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus
manos y sus ojos puede verse un hace con la luz y la
sombra para dar sensación de volumen. La galería se
abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo
pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a
Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que
parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como,
sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se
ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la
modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite
que se diseñe un modelo continuado de la imagen.33 Debe
tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto
que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto
que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el
terreno. Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich,
expresa que:
En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre
el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más
erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro,
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asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos
partes no se corresponden con exactitud
Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, elemento de
civilización, que podría estar señalando la importancia de la
ingeniería y la arquitectura. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de
castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.
El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se
posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresión de
serenidad y de que el personaje retratado domina sus
sentimientos.
La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad
gracias a la "inmersión" de la modelo en la atmósfera y el paisaje
que la rodean, potenciada además por el avance en la "perspectiva
atmosférica" del fondo, que sería logro final del Barroco y en la que
los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la
sensación de profundidad.
57 La Gioconda, Leonardo Da
Vinci. Detalle en lado derecho
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Gioc
onda
58 Detalle de la Mirada de la Dama.
de los más ilustres protagonistas del Renacimiento Italiano fue, sin
lugar a duda,
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Conclusiones
 Durante el cinquecento se mantuvieron ciertos aspectos característicos, propios
del primer renacimiento, en especial apego a las pautas clásicas.
 Florencia conserva todavía su importancia artística, pues se sigue siendo cuna de
grandes creadores como Miguel Ángel o Leonardo, y de mecenas como los
medicis, si bien pierde en este siglo el protagonismo que había tenido durante el
quatrocento.
 El modelo antropocéntrico mantiene su preminencia, aunque sus obras,
especialmente de arquitectura y de esculta, adquieran mayor monumentalidad.
 Características en la arquitectura:
o Equilibrio, austeridad y robustez
o volúmenes con un sentido plástico
o Desarrollo de grandes construcciones y planes arquitectónicos que
vuelven la manera romana
 Características de pintura:
o Dominio de la perspectiva linear y atmosférica
o Se destaca el tema principal y se eliminan detalles anecdóticos
o Composiciones clásicas: piramidales o triangulares
o Búsqueda de la belleza eterna o intemporal
o Se centran en el hombre, sus reacciones y sentimientos
o Usan modelos reales
 Características de escultura:
o Máximo auge de la escultura
o Grandes esculturas de bulto redondo
o Pierde interés el relieve, la profundidad estudios de
los volúmenes
sobre el plano.
o Composiciones abiertas y en movimiento
o Formas en tensión
o Esbeltez
o Refinamiento
o Elegancia de líneas que se cruzan
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Glosario
1. Ec lo sió n
Aparición o manifestación súbita de un movimiento social, histórico, político, cultural, etc.:
2. G r ac ilid ad
Sutileza, delicadeza, liviandad:
Centuria: f. Periodo de cien años; siglo. En la milicia romana, compañía de cien hombres.
3. Sfu m ato
Técnica que consiste en suavizar o difuminar los contornos de las figuras que se pintan
mediante sombras y colores.
4. Sac r o ,c r a
Sagrado: música sacra, De la región del cuerpo en que está situado el hueso sacro o relativo a
ella
5. Tr an septo
Nave perpendicular a la principal que, en una iglesia, forma los brazos de una cruz latina.
6. Sac r istía
Lugar en las iglesias donde se revisten los sacerdotes y están guardados los objetos necesarios
para el culto:
7. Taber n ác u lo
Sagrario donde se guarda el copón con las hostias consagradas
8. Lír ic o , c a
Adj. De la lírica o de la poesía propia para el canto en la que predominan los sentimientos y
emociones del autor, o relativo a ellas:
9. Sibila
Mujer sabía a quien los antiguos griegos y romanos atribuyeron espíritu profético:
10.
N eó fito , a
Persona adherida recientemente a una causa o a una colectividad:
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