per iódic - Primaria TIC - Secretaría de Educación Pública

PE RIÓ D ICO
MUNAL
Publicación mensual del Museo Nacional de Arte • Número 2 • Marzo 2012 • Distribución gr atuita
www.munal.com.mx
Los encantos
de flandes
IMPERIOS LUMINOSOS:
Ramón Cano Manilla, Ezequiel Negrete Lira
y Mardonio Magaña
8
ARTISTA DEL MES:
Pablo O’ Higgins
12
Jacob Jordaens, El sueño de Venus, Siglo XVII. (detalle)
Colección Museo Real de Bellas Artes Amberes© Lukas – Art in Flanders vzw. Photo Hugo Maertens
El joven Saturnino Herrán recibe premio... pág. 9
Grandes artistas flamencos llegan
al Munal a dialogar con pintores
novohispanos... pág. 6
La posibilidad de ser
modernos:
La modernidad desde el pincel de
González Camarena
16
e d i t o r i a l
Núm. 2 | mar z o | 2012
Queridos lectores,
La búsqueda constante del diálogo entre distintas expresiones artísticas es parte esencial
de la misión del Museo Nacional de Arte. En este caso, arrancamos el mes de marzo con
la luminosa visita del frente flamenco: Peter Paul Rubens, Jan Brueghel I, Jacob Jordaens,
Anthony van Dyck, Jan Cossiers, entre otros. Estos grandes pintores han llegado al Munal para dialogar con pinceles maestros del novohispano: Baltasar de Echave Orio y su
hijo, Baltasar de Echave Ibía, José Juárez, Juan Rodríguez Juárez y Juan Patricio Morlete
Ruiz, por nombrar algunos. Los encantos de Flandes abren este segundo número al
tiempo que buscan seducirles, apreciables lectores, y atraerles a esta magna exposición
internacional, Arte Flamenco del siglo XVII. Colección del Museo Real de Bellas Artes de
Amberes, abierta al público del 1º de marzo hasta finales de mayo.
Así mismo, dentro del recorrido permanente, salas 32, 33 y 33 A, Imperios Luminosos rescata la obra de tres artistas de las Escuelas de Pintura al Aire Libre –Mardonio
Magaña, Ramón Cano Manilla y Ezequiel Negrete Lira– a partir de una curaduría que
busca resaltar las propuestas estéticas de la época con piezas pertenecientes al acervo
del Museo Nacional de Arte. La muestra podrá visitarse hasta el 16 de abril.
Además, en este número 2 celebramos el 108 aniversario de Pablo O´Higgins, quien
nació un primero de marzo de 1904 en Salt Lake City, ciudad del estado de Utah, Estados Unidos, para convertirse, años más tarde, en un pintor prominente de la estética
posrevolucionaria. Su obra El fumador no solamente es un ejemplo de las corrientes
plásticas de la época, sino que condensa la imagen de un momento preciso en la vida
citadina al retratar a un personaje icónico de su tiempo.
A fin de comunicar las actividades tras bambalinas del museo, en esta ocasión seleccionamos la restauración de la pintura San Miguel Arcángel, por Luis Juárez; ejemplo
de cómo los soportes plásticos condicionan en gran medida la resistencia del color
y los materiales al paso del tiempo. Retomamos este caso también para transmitir al
público general los retos que implica mantener el patrimonio artístico en buenas condiciones, misión fundamental del Munal y del Instituto Nacional de Bellas Artes.
Con la publicación de la presente edición, el Museo Nacional de Arte reafirma la
vocación de difusión y comunicación de la cultura nacional e internacional al público
mexicano, así como el ímpetu innegable en torno a la reflexión y la búsqueda de nuevas ideas para nombrar el dinámico panorama plástico de nuestro país y su relación
con el arte mundial.
directorio
consejo nacional para la cultura y las artes
Consuelo Sáizar ⎬ Presidenta
instituto nacional de bellas artes y literatura
Teresa Vicencio ⎬ Directora General
Alejandra Peña ⎬ Subdirectora General del Patrimonio Artístico Inmueble
Mónica López Velarde ⎬ Coordinadora Nacional de Artes Plásticas
Miguel Fernández Félix ⎬ Museo Nacional de Arte
patronato del museo nacional de arte
Roberto Hernández ⎬ Presidente
Marcela Arregui ⎬ Coordinadora Ejecutiva
María Purón ⎬ Coordinadora Operativa
periódico munal
Director Editorial: Miguel Fernández Félix
Editor Responsable: Pablo Martí­nez
Consejo Editorial: Evelyn Useda, Nina Shor, Ví­ctor Mantilla,
Andrea Villalba, Bernardo Esquinca
Coordinador de Diseño: Carlos Morales
Diseño Original: Galera/José Luis Lugo
Formación: Diana Alvarado
Tacuba #8, Centro Histórico, Cuauhtémoc, México, D.F., 06010
Museo Nacional de Arte
Conmutador 51303400
Fax 51303401
Ext.
Miguel Fernández Dirección3411
Sara Baz Exhibición3441
Adolfo Mantilla Investigación3442
Lluvia SepúlvedaCuraduría3424
Ma. Elizabeth Herrera Registro de Obra
3428
Nina Shor Comunicación Educativa 3459
Mary Carmen Lozano  Relaciones Públicas 3414
Pablo Martínez Difusión3468
Andrea Villalba Medios Electrónicos 3438
Evelyn Useda Coordinación Editorial
3415
Fernando Corona Biblioteca287
Carlos Morales Desarrollo Institucional 3466
Adrián Pérez Sistemas 3464
Salvador Sánchez Museografía3451
Elvia Pérez Arquitectura3496
Angélica Martínez Administración 3472
Jorge Godínez Intendencia215
Agustín Montes de Oca Seguridad 320
María Purón Patronato3487
Yunuen Morales Tienda3493
Con la fuerza
Agradecimientos:
Ing. Sergio Autrey (RÉCORD)
Claudia Verdugo Evans (Directora de Producción)
Erik Flores Benítez (Coordinador de Producción)
Jaime Martínez Rivera (Coordinador de costos de producción)
Preprensa Notmusa
Página 3: Manuel Ignacio Vázquez nació en Tlacolula, Oaxaca, y estudió pintura en la Academia de San
Lucas en Roma. En esta obra, el artista representó a un hombre sentado sobre una roca oscura, en estudiada y fría pose, cuya mirada se fija en un punto indeterminado. Es probable que esta pieza haya pertenecido
al obispo poblano Pablo Vázquez, ya que algunos lotes que conformaron su colección se vendieron a la
antigua Academia de San Carlos. La pieza pasó a la colección del Munal en 1982, como parte del acervo
constitutivo (Guia Munal).
2
Nos interesa tu opinión
periodico@munal.inba.gob.mx
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Manuel Ignacio Vázquez (activo entre 1806-1835), Desnudo masculino, 1823. Óleo sobre tela
Núm. 2 | mar z o | 2012
quÉ hacer...
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La agenda cultural del Museo Nacional de Arte ofrece al visitante una amplia gama de actividades paralelas a nuestras
exposiciones: Cine en el Auditorio Adolfo Best Maugard, conciertos en el majestuoso Salón de Recepciones y literatura en las
salas de la colección permanente, son algunas de las opciones que confirman al Munal como un espacio de deleite artístico y
cultural para todo público.
Mira...lee
Programa Académico
E
l Museo Nacional de Arte invita a las instituciones académicas, profesores y especialistas que cuenten con
grupos de seminarios, cursos o talleres, a participar en su
Programa Académico, edición 2012.
Exposiciones temporales:
Arte flamenco del siglo xvii y su influencia en la conformación de la pintura novohispana (febrero a mayo)
El surrealismo y su impacto en el arte mexicano (junio
a septiembre)
La construcción de los conceptos placer y orden en el
imaginario moderno del siglo xix (octubre a diciembre)
Experimentación y vanguardia en los años 20 y 30 en
México (octubre a diciembre)
La enseñanza del dibujo en el siglo xix (julio a septiembre)
Las contribuciones de Adolfo Best Maugard al arte mexicano (todo el año)
Transformaciones del paisaje a partir de su registro en el
arte, siglos xix y xx (junio a diciembre)
Conmemoraciones:
Centésimo aniversario luctuoso de José María Velasco
(todo el año)
Centésimo aniversario de la apertura del Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas (todo el año)
Trigésimo aniversario de la apertura del Museo Nacional
de Arte. Temas y reflexiones sobre los museos en México
(todo el año)
Participa con nosotros proponiendo:
Ponencias impartidas por profesores
Celebración de mesas de trabajo (licenciatura y posgrado), coordinadas por los profesores o académicos adscritos
a alguna institución pública o privada.
Consulta las bases en nuestra página web: www.munal.com.mx,
convocatoria abierta de enero a noviembre.
L
a oferta cinematográfica del Munal responde a cuatro
ejes de programación: 1. las Series de Cine Munal, que
buscan trazar cruces entre obras de la colección permanente y filmes nacionales e internacionales; 2. nuestros Ciclos
Temporales, donde el pretexto articulador son las exposiciones temporales; 3. Series de Cine Mundial, las cuales
ofrecen al público obras maestras de la historia del cine. Y
cuarto, a partir de un vínculo con el Goethe Institut México,
muestras de directores alemanes.
Servicio social
¿
Sabías que durante 2011 tuvimos el apoyo de 153 prestadores de Servicio Social? ¡Forma parte de nuestro equipo! Pide informes al 5130 3410 y vive una experiencia de
trabajo en equipo y enriquecimiento personal en el Museo
Nacional de Arte.
conciertos
L
a Coordinación Nacional de Música y Ópera en conjunto con el Munal invitan cada semana a sus sesiones musicales, protagonizadas por músicos nacionales e
internacionales de primer nivel y un programa que busca
satisfacer el oído de todo escucha, no solamente aquellos
aficionados a la música clásica.
O
frecemos visitas guiadas a público escolar, familiar,
jóvenes, adultos y tercera edad. Además de visitas a
las exposiciones temporales y permanentes, como parte del
programa de equidad de género impulsado por el INBA,
se cuenta con la visita guiada “La mujer en el arte” durante
todo el año.
Los talleres están dirigidos, principalmente, a niños y jóvenes. Los participantes pueden crear piezas a partir de las
que se exhiben en las exposiciones temporales o permanentes, en el caso del público escolar.
Visitas guiadas y talleres*
D
esde julio de 2010, el Museo Nacional de Arte comenzó una serie de actividades literarias buscando la interacción entre las artes de la palabra y las plásticas. Con la
Asociación de Escritores de México, se ha llevado a cabo un
programa de tertulias, charlas, recitales y performances con
jóvenes artistas e intelectuales los sábados de 13:00 a 14:00
horas, en las salas de la Colección Permanente.
En 2012 se desarrollará un programa de cuarenta sesiones que recorrerá las salas de la colección del museo. Artistas e intelectuales imprimirán el sello especial y la interpretación de las imágenes y obras del museo, con sus propia
huella creativa y reflexiva.
*Consulte la cartelera
El 6 de marzo de 1475, se afirma que nació en Caprese, Italia, Miguel Ángel Buonarroti, pintor,
escultor y arquitecto, considerado uno de los más grandes artistas de la historia, creador del
conjunto de frescos Historias del Génesis en la Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.
1475
S
é parte de Amigos del Munal y participa en actividades
especiales para los miembros del programa. Aprovecha
los descuentos en la Tienda Munal, entradas gratuitas al
Museo Nacional de Arte y a otros museos participantes,
visitas guiadas con curadores, programas y pláticas especiales con expertos y más beneficios.
Amigos del Munal recibe apoyo de empresas y personas comprometidas con la cultura y la educación en México.
Cien por ciento de los donativos se destina a proyectos que
el Patronato del Museo coordina junto con el Museo.
Si te interesa recibir más información sobre las maneras
en que puedes unirte al programa y apoyarnos contacta a la
oficina de Amigos del Munal al teléfono: 51303400 Ext. 275
o envía un correo a: amigosdelmunal@gmail.com
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t empor a le s
Núm. 2 | mar z o | 2012
Los encantos
de Flandes
Sara Baz
Munal
Parece que están “fuera
de contexto”, pero algunas
de las obras novohispanas
del acervo del Munal se
encuentran más cómodas
al abrigo de ciertas
pinturas flamencas que,
gracias a la colaboración
del Museo Real de Bellas
Artes de Amberes, hoy
podemos exhibir al público
mexicano.
T
odos tenemos en la mente una imagen de
Rubens. Vaya, si no nos suena el apellido
del artista, sí reconocemos que hemos visto, por lo menos alguna vez, sus rubicundas y desbordadas figuras: las Tres Gracias, el Rapto de las
sabinas, alguna mujer de la mitología que ya no
encaja en nuestros estándares de belleza contemporáneos… Peter Paul Rubens, pintor flamenco
que desarrolló varios encargos para la Monarquía
Hispánica a lo largo de su vida, es famoso también
por haber pintado escenas religiosas, tales como
el Descendimiento de la Cruz o la Lamentación
sobre Cristo muerto.
Rubens provenía de una familia originaria de
Amberes que, si bien le dio oportunidad de cursar
estudios y conocer el aporte de los clásicos griegos y latinos, tuvo que pedirle a sus hijos varones
que abandonaran esta vida regalada para buscar
acomodo y ganar dinero. Peter Paul fue enviado al
servicio de una condesa; no obstante no apreciaba su empleo por considerarlo servil. Rubens se
entrenó en las maneras de corte, lo que le ayudó
considerablemente a desenvolverse años más tarde, cuando tuvo que realizar encargos diplomáticos que le funcionaron también para promover su
trabajo como pintor.
Rubens estudió en su juventud en el taller de
Otto van Veen, uno de los maestros más reputados
de Amberes; copió los grabados que la tradición
de Holbein y Durero dejaron como signos del arte
característico del norte de Europa y conoció los
aportes de la pintura holandesa en lo que se refiere al detalle. Sin embargo, Rubens estaba llamado
a cumplir otro destino. La influencia de la pintura
italiana se hizo cada vez más evidente en su obra:
se amalgamó con su estilo propio y fue del gusto
de los monarcas españoles.
Cuando ya había constituido su taller, Rubens
fue ayudado por pintores en formación, cuyos
nombres después brillarían con luz propia. Tal fue
el caso de Anthony van Dyck, quien tuvo éxito en
la corte inglesa y se hizo famoso pintando retratos y asentando un estilo de pintura áulica que en
Inglaterra se tuvo en gran valor. Otro de los ayudantes destacados en el taller de Rubens fue Jacob
Jordaens, pintor nacido en Amberes que se nutrió
de influencias como las de los italianos Caravaggio
y Jacopo Bassano.
Estos tres artistas: Rubens, van Dyck y Jordaens,
están bien representados en la exposición que ahora se presenta en el Munal, gracias a la colaboración entre el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el
Museo Real de Bellas Artes de Amberes y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través
del inba y del Munal. Los tres pintores implican el
asentamiento de los cánones de la tradición propiamente flamenca.
Los encantos de Flandes se hacen evidentes en
la medida en que descubrimos cada obra y rela-
Peter Paul Rubens, Descendimiento de la cruz (detalle), Siglo XVII.
Colección Real Museo de Bellas Artes Amberes©
Lukas – Art in Flanders vzw. Photo Hugo Maertens
6
1483
Peter Paul Rubens (atribuido), El pintor Peter Paul Rubens (detalle), Siglo XVII.
Colleción Museo Real de Bellas Artes Amberes© Lukas – Art in Flanders vzw. Photo Hugo Maertens
El 23 de marzo de 1483 (se dice que) nació en Urbino, Italia, Rafael Sanzio, pintor y arquitecto del Renacimiento; a
los 25 años, elaboró el fresco La escuela de Atenas en el Palacio Vaticano, Ciudad del Vaticano.
Michaelina Wautier, Santa Inés y Santa Dorotea (detalle),(ca. 1620 – 1682).
Colección Museo Real de Bellas Artes Amberes© Lukas – Art in Flanders vzw. Photo Hugo Maertens
cionamos sus contenidos iconográficos y formales con el ámbito conocido:
sin duda, escenas religiosas como el ya mencionado Descendimiento de la
Cruz son familiares en México, dada nuestra tradición pictórica virreinal. No
sólo las escenas, sino la forma de trabajar los paños de las vestimentas de los
personajes, las orlas bordadas en hilos metálicos, simuladas por el pincel de
autores como Baltasar de Echave Ibía, la dureza de ciertos rasgos faciales o
el tratamiento de composiciones que involucran multitudes, son diversos rasgos heredados de la pintura flamenca y que hoy podemos reconocer en sus
orígenes. Una nueva mirada a los viejos maestros flamencos nos puede ayudar a comprender que la historia de la pintura europea difícilmente se puede
valorar a partir de compartimientos estancos: la movilidad de los modelos, la
irradiación de cánones, la asimilación cultural son procesos que es necesario
comprender en una dimensión panorámica. Por eso, el Munal se ha esforzado
por brindar un contexto nuevo a estos viejos maestros, echando mano de otras
viejas obras, creadas en el Nuevo Mundo: estas piezas, que se yerguen como
testigos de la influencia flamenca y de su asimilación en España y Nueva España, son también reinterpretadas en un marco poco usual. Es preciso verlas en
diálogo, antes de que vuelvan a sus salas y la lejanía física nos haga olvidar a
veces que, en el fondo, están tan involucradas.
actividades CULTURALES
eN torno a la exposición
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Visita guiada
De Flandes a la Nueva España,
la pintura en el siglo XVII
Realiza un recorrido en el que conocerás y
apreciarás las coincidencias entre los artistas
de Flandes y los pintores de la Nueva España.
Dirigida a jóvenes y adultos
Martes a viernes entre 10:30 y 15:00 previa reservación
Sábados y domingos, a las 12:00 y a las 14:00 sin
reservación
Taller
Detallando el arte flamenco
Reproduce al óleo una obra de arte flamenco,
enfocándote en la luz, el volumen y el color.
Dirigido a público de 8 años en adelante
Martes a viernes entre 10:30 y 15:00, previa reservación
Sábados y domingos de 10:00 a 16:00, sin reservación
Donativo sugerido: $20
Informes en Comunicación Educativa:
5130 34 00 ext. 4010 visitasguiadas@munal.inba.gob.mx
En el catálogo de la exposición, especialistas en el
tema profundizan en los antecedentes, la evolución y
el largo y complejo proceso de implantación del arte
de la pintura en tierras novohispanas:
Alejandro Vergara, Jefe de conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del
Norte del Museo del Prado, escribe “Rubens y sus coetáneos: la pintura en Amberes durante el siglo XVII”; Iván Martínez, investigador del Museo Nacional de
Arte, presenta “El círculo de Amberes y su impacto en la pintura novohispana”,
Valerie Herremans y Nico van Hout del Museo Real de Bellas Artes de Amberes, “La influencia de los Países Bajos meridionales en la pintura de la Nueva
España”; Nelly Sigaut, del Colegio de Michoacán, “El retrato en nueva España”
y César Manrique, de la Universidad de Leuven, “Las pinturas de Cuautitlán de
Maerten de Vos”.
Jan Brueghel I, La adoración de los reyes (detalle), 1600.
Colección Real Museo de Bellas Artes Amberes© Lukas – Art in Flanders vzw. Photo Hugo Maertens
El 22 de marzo de 1832, murió en Weinar, Alemania, Goethe, poeta, novelista, dramaturgo y filósofo, precursor del
romanticismo; autor de Fausto, una de sus obras más reconocidas.
1832
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t empor a le s
Imperios
luminosos
Tres artistas de las Escuelas de Pintura al Aire Libre
En la salas 32, 33 y 33a
del recorrido permanente
del Munal, en exhibición
hasta el día 16 de abril.
B
ajo un derroche de vibrantes colores y texturas, aparecen escenas íntimas que retratan situaciones y personajes del campo en una suerte de realismo idílico, distante
de todos los preceptos académicos que aún gobernaban la
producción artística del momento.
Era un tiempo de eclosión de nuevas propuestas estéticas y proyectos educativos. Las vanguardias europeas
habían llegado a México a través de numerosos artistas becados en el extranjero, como Alfredo Ramos Martínez, el
gran impulsor de las Escuelas de Pintura al Aire Libre, un
proyecto que no sólo promovió métodos de enseñanza del
arte más libres y flexibles, también favoreció la inclusión
de alumnos campesinos u obreros con el objetivo de lograr
espacios incluyentes y cercanos a la realidad nacional.
Tanto los cuadros de Ramón Cano Manilla y Ezequiel
Negrete Lira, como las esculturas talladas por Mardonio
Magaña, son excelentes ejemplos de la interpretación espontánea de la vida cotidiana y del paisaje rural, suscitada
por las escuelas fundadas por Ramos Martínez.
Los artistas
Mardonio Magaña , Anciano con morral, Talla en madera
El pintor y muralista Ramón Cano Manilla nació en Cañizo,
Veracruz en 1888. Trabajó en el campo desde niño hasta los
32 años, edad en la que se trasladó a la Ciudad de México
para estudiar pintura. Alfredo Ramos Martínez, el entonces
director de la Academia, lo inscribió en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Chimalistac bajo la tutela de Leopoldo
Méndez y Fermín Revueltas. En 1924, cuatro años después
de haber llegado a la capital, fue nombrado profesor de la
Escuela por el Ministro de Educación, José Vasconcelos.
Posteriormente en 1930, fundó las escuelas de San Andrés
Tuxtla y Los Reyes en Coyoacán, donde fue nombrado di-
Ezequiel Negrete Lira, La cosecha de maíz, 1958, Óleo sobre tela
rector. En 1948 se conviertió en director del Instituto Regional de Bellas Artes de Tamaulipas, estado en el que
falleció el 1º de diciembre de 1974.
Ezequiel Negrete Lira nació en la Ciudad de México en
1902. En 1920 inició sus estudios pintura en la Academia de
San Carlos, teniendo como maestros a Germán Gedovius,
Alva de la Canal y Leandro Izaguirre. Su actividad como
grabador comenzó en la escuela de Xochimilco, en la cual
impartió clases tiempo después. Hacia 1929 colaboró con la
revista El Sembrador publicada por la Secretaría de Educación Pública. Dos décadas más tarde fue merecedor de primer lugar en el Certamen de Escultura con la pieza titulada
El abrazo. Con treinta años de trayectoria como profesor de
dibujo y de colaboraciones con la SEP, murió en la Ciudad
de México en 1961.
El escultor Mardonio Magaña nació en Guanajuato en
1866. Al inicio de la década de los años veinte del siglo
pasado, a la edad de 54 años, se mudó a la Ciudad de
México para incorporarse como conserje de la Escuela al
Aire Libre de Coyoacán, espacio educativo en el que inició
su formación autodidacta en escultura de barro y madera,
disciplina en la que fue reconocido por importantes artistas
como Diego Rivera. Su prolífica actividad lo llevó a exponer
en el Museo del Palacio de Bellas Artes y a recibir el nombramiento de profesor de la Escuela de Escultura y Talla
Directa. Murió a los 80 años en la Ciudad de México.
Ramón Cano Manilla, Danza del Xóchitl Pitzahuac, Óleo sobre tela
8
1883
El 2 de marzo de 1883, nació en la Ciudad de México, Manuel Gamio, antropólogo y arqueólogo, fundador de
la antropología moderna mexicana y exponente de la vertiente nacionalista de tipo antropológico.
Publicado en El tiempo Ilustrado, domingo 13 de marzo de 1910.
P u er t a s
a d en t ro
Núm. 2 | mar z o | 2012
México en estampas.
El universo visual del Fondo
Litográfico Ricardo Pérez
Escamilla en el Munal
Víctor T. Rodríguez Rangel
Munal
A
l pensar en el arte mexicano del siglo xix, nos viene a la mente la producción pictórica o la escultórica, pues estas disciplinas suelen ser las
más atractivas para los públicos de museos. Pintura y escultura fueron
de gran importancia para trasmitir mensajes, pero su destino era selecto, en
exposiciones académicas y para consumo doméstico, y no llegaban a un público amplio. La posibilidad de reproducir una gran cantidad de láminas mediante la técnica de la litografía, posicionó a la estampa como el instrumento
democrático por excelencia: se divulgó todo tipo de imágenes en revistas,
álbumes, libros, almanaques, partituras musicales e informes científicos. La
recreación visual del México del siglo xix se encuentra en esas ilustraciones,
trazadas por los más connotados dibujantes, quienes realizaron la obra base
para luego reproducirla en la piedra litográfica —caliza, procedente de Bavaria,
Alemania— y así concretar el proceso de la estampación con ácidos, lápiz graso
y tintas sobre el papel.
El público receptor fue de toda índole, las adquirió sueltas, integradas
a las publicaciones bibliográficas y hemerográficas o unidas al álbum, por
medio de suscripciones con las casas editoriales que vivieron su esplendor
gracias al éxito de la litografía. Las estampas abordan asuntos culturales,
civiles, religiosos, políticos y militares. En ellas podemos contemplar las tipologías de los personajes del campo y la ciudad, las escenas costumbristas;
gozar de los paisajes naturales o urbanos en los que se exalta la identidad
geográfica y los monumentos, palacios, plazas, parques, calles e iglesias. Hay
también cartografías, gestas heroicas y “glorias nacionales” de las invasiones
y guerras civiles, así como ilustraciones de corte científico sobre aspectos de
las ciencias naturales y sociales. Al tiempo, podemos reírnos con la caricatura
sarcástica anticlerical y aquella que señala el lado débil de los mandatarios.
Esta prolífica producción gráfica es un crisol artístico, histórico y documental de toda una era en que el papel mediático de la imagen fue contribuir a la
edificación y reconocimiento de la identidad nacional a través de un mundo
de alegorías, personajes, emblemas y símbolos visuales que se instalaron en
la mente de los ciudadanos como arquetipos de lo que eran como parte de la
federación cultural de la nación.
Las litografías depositadas en el Munal incluyen las piezas que forman
parte del acervo y las más de 1500 obras que conforman el Fondo Litográfico de la Biblioteca de Arte Mexicano Ricardo Pérez Escamilla, que hasta
hace poco se resguardaban como préstamo, pero que recientemente fueron
adquiridas por el inba.
La historia de las estampas sueltas y los impresos litográficos depositados en el Munal se remonta a 1994, cuando ingresó un primer lote de obras
propiedad del licenciado Pérez Escamilla, para ser exhibidas en la exposición
Nación de Imágenes: La litografía mexicana del siglo xix. Al concluir la exhibición, se convino que este conjunto de piezas continuara en el recinto en
comodato y se ideó museográficamente un gabinete de estampa para exhibirlo: la Sala Ricardo Pérez Escamilla.
Fue en 2010 cuando el Museo Nacional de Arte propuso que el cuantioso
y rico lote de estampas y publicaciones litográficas se tomara en cuenta para
el proyecto del Comité de Adquisición de Obras con Valor Artístico, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA-Conaculta). Con una justificación sustentada en la relevancia de los autores de las litografías, la época, los asuntos
abordados en los contenidos y su buen estado de conservación, se argumentó
la pertinencia vocacional del Munal y lo adecuado de sus instalaciones para
que las obras se sumen a su acervo. Hoy día, parte de esta colección se exhibe en las vitrinas de las salas 22, 23 y 24.
C. Castro y J. Campillo, Trajes mexicanos (detalle), Siglo XIX.
10
1891
El 29 de marzo de 1891, murió en París, Francia, Georges Seurat, pintor y teórico del color, principal representante
de la técnica denominada “puntillismo”, basada en una serie infinita de pequeños puntos separados y
diferenciados unos de otros para exaltar la luz y la sombra.
Los soportes
también hablan…
p u er t a s
a d en t ro
U
n proceso de restauración considerado eficaz en el pasado, para la
salvaguarda de pinturas realizadas sobre soporte de madera, era la
remoción de las capas pictóricas de la tabla y su posterior adhesión a
telas. Con este tratamiento se protegía la obra contra el movimiento inherente
a la madera, producto de su naturaleza orgánica, porosa, con alta capacidad
de absorción o pérdida de humedad, que produce hinchazones y grietas en
las vetas. Estas fluctuaciones en el volumen del soporte provocan, por consiguiente, que los estratos de preparación y pigmentos se agrieten, rompan,
desprendan, abulten, y que, incluso, proliferen insectos u hongos que pueden
devastar casi por completo una pieza hasta el grado de hacerla irrecuperable
por medio de la restauración. A pesar de la dificultad para la conservación de
obras sobre madera, la disciplina de la restauración ha reconsiderado salvar
dichos soportes, utilizando nuevas técnicas de fumigación y otro tipo de acciones para preservarlas en su forma original.
Al paso de los años, la técnica de entelado descrita antes se ha dejado de utilizar no sólo por la aparición de novedosos métodos preventivos,
sino también porque se ha revalorado el soporte como parte estructural, fundamental en la información sobre la obra. Es decir, que al remover la madera,
se perdía un testimonio histórico artístico importante, ya que el análisis biológico de la especie de árbol utilizado, muchas veces permite detectar o rastrear
Núm. 2 | mar z o | 2012
datos sobre la antigüedad de la obra, la región de manufactura, el taller donde
se utilizaban o vendían cierto tipo de tablas, sin mencionar que el soporte
también está directamente relacionado con determinadas técnicas pictóricas.
La pieza del acervo novohispano del Munal, San Miguel Arcángel de Luis
Juárez, es uno de los casos en los que se utilizó este procedimiento, que con
el paso del tiempo provocó deterioros sustanciales en la obra.
El diagnóstico de conservación determinó que la capa pictórica se encontraba terriblemente agrietada y craquelada, debido a que el bastidor de
cedro en el que se clavó el lienzo con tachuelas se encontraba gravemente
deformado. Asimismo se había colocado hule espuma entre los travesaños y
la tela, lo que ocasionó una grave curvatura convexa y presión sobre la tela y
los pigmentos. Aunado a la sustitución del bastidor, la pieza requería limpieza
y la eliminación del barniz oxidado (cuyo amarillamiento produce variación
visual en los colores), antiguos repintes, resanes y faltantes producto de intervenciones antiguas. Por otro lado, también el marco requería restauración.
Gracias a la ayuda del Patronato y de los Amigos del Museo, la pieza
pudo ser intervenida, y recuperar el plano pictórico y su colorido original. Al
término de su intervención la obra será integrada nuevamente al recorrido de
salas permanentes.
El 1 de marzo de 1904, nació en Salt Lake City, Estados Unidos, Pablo O’Higgins, ayudante de Diego Rivera en los
murales de la Secretaría de Educación Pública y en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo.
1904
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Ar t i s t a
d el
me s
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PABLO
o’higgins
E
Pablo O’ Higgins
Los cúrpites. Danzantes, 1960
Víctor T. Rodríguez Rangel
Munal
l Museo Nacional de Arte tiene la misión de dar a
conocer a los artistas criollos y mexicanos que brillaron tanto en el periodo Virreinal, como a lo largo
del siglo xix y la primera mitad del xx. No obstante, en el
acervo y a lo largo de las salas permanentes lucen algunos
artífices que no nacieron en México pero que produjeron
durante una buena parte de su vida en estas tierras, legándonos obras excepcionales. Por ejemplo, los andaluces
Andrés de Concha o Sebastián López de Arteaga, pilares del
arte novohispano; al igual que el italiano Eugenio Landesio,
el español Manuel Vilar y el inglés John Phillips en el siglo
xix. De la misma manera, la centuria pasada se caracterizó
por una pléyade de talentos extranjeros que radicaron en
nuestro país, de entre ellos subrayo la figura del pintor y
muralista norteamericano Pablo Esteban O’Higgins.
O’Higgins nació un primero de marzo de 1904 en Salt
Lake City, en el estado de Utah. Su trabajo plástico en el
México posrevolucionario se caracterizó por las colaboraciones ideológicas y artísticas con su promotor y maestro Diego
12
Rivera, además de una multiplicidad de composiciones originales en caballete y obras murales que evidencian, por la temática y la iconografía, su apego ideológico al utilitarismo del
arte como despertador de conciencias de cara a la revolución
cultural y socialista del pueblo, así como la denuncia social y
el registro de las costumbres y tipologías del mexicano.
La presencia de O’Higgins en la colección del siglo xx
del Munal, la componen dos pinturas y siete litografías notables que por sus asuntos comulgan con el cuarto núcleo
temático del recorrido: Retóricas posrevolucionarias. Cabe
destacar El fumador, montada en la sala 31, realizada bajo
las premisas de las experimentaciones materiales de su
tiempo, la encáustica sobre triplay, dejando a un lado el
óleo sobre tela considerado por el movimiento como una
tradición técnica “burguesa”.
El fumador muestra a lo largo de todo su eje vertical a
un hombre de aspecto rudo, tez morena y vestimenta andrajosa similar a la tradición tipológica de los “léperos”, quienes
hacen de la calle su laboratorio para ganarse la vida de mil
1914
maneras, muchas de ellas no muy decorosas. Porta un cigarrillo en la zurda, ubicado en alguna esquina de la urbe y
fija su mirada en un punto exterior a la escena, o bien está
ensimismado en sus pensamientos. Está envuelto en colores
ocres como los que se resuelven en el muralismo nacionalista, destacando los tratamientos lumínicos y matizados de
los pliegues del pantalón y del alba camisa. Como un dandi
de la “barriada”, viste sin mangas y con sombrero de época.
Si bien el Munal es un digno recinto para admirar la
obra del multifacético Pablo O’Higgins, también es posible
apreciar su trabajo en murales que pintó en sitios públicos;
basta acercarse al Mercado Abelardo Rodríguez y a lo que
fueron los Talleres Gráficos de la Nación. Como asistente
de Rivera, participó en los murales de la Universidad de
Chapingo y en los de la sede de la Secretaría de Educación
Pública. Si el proverbio popular apunta a que nadie es profeta en su tierra, con O’Higgins no es el caso, hay varios
murales de él en todo Norteamérica y triunfó en su tierra
en las exposiciones individuales.
El 31 de marzo de 1914, nació en la Ciudad de México Octavio Paz, poeta y ensayista que obtuvo el Premio
Nobel de Literatura en 1990; fue fundador de la revista Vuelta; es autor de Libertad bajo palabra, entre otros
poemarios memorables.
El fumador muestra
a lo largo de todo su
eje vertical a un hombre de
aspecto rudo, tez morena y
vestimenta andrajosa similar
a la tradición tipológica de
los “léperos”, quienes hacen
de la calle su laboratorio
para ganarse la vida de mil
maneras, muchas de ellas no
muy decorosas.
Está envuelto en
colores ocres como
los que se resuelven en
el muralismo nacionalista,
destacando los tratamientos
lumínicos y matizados de los
pliegues del pantalón y del
alba camisa. Como un dandi
de la “barriada”, viste sin
mangas y con sombrero de
época.
PABLO O’HIGGINS (1904-1983)
El fumador
Encáustica sobre triplay
Ubicación: sala 31, primer piso
p u e r t a s
a f u e r a
Núm. 2 | mar z o | 2012
Perfiles de la apariencia
y de la fe. Retratos de la
colección Munal
Exposición del Museo Nacional de Arte en
el Museo del Centro Cultural Mexiquense
Bicentenario en Texcoco, Instituto Mexiquense
de Cultura
Dibujos mexicanos
del siglo XX
Colección del Museo Nacional de Arte
La colección del Munal viaja a Estados Unidos para
transmitir los ideales de un México posrevolucionario
plasmados en los impulsos plásticos de los artistas.
E
Julio Ruelas
Retrato de los esposos Larque, 1896
Óleo sobre tela
L
os bienes culturales de categoría patrimonial que custodia el Munal revelan el legado
artístico producido en México durante el periodo que va de 1550 a 1954, a través de
los artistas más representativos y sus obras mejor logradas. El Munal resguarda su acervo
en las bodegas y en las áreas de exposición permanente y temporal de su majestuosa
sede: el ex Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas concebido en las postrimerías del
Porfiriato. Los convenios de colaboración cultural con instituciones y museos demandan
responder a la solicitud de préstamos de obra, para integrarse de manera temporal a las
exposiciones que tienen lugar fuera de los muros del Munal, a nivel nacional e internacional. La movilidad es constante debido a la trascendencia de nuestros artistas, temas,
estilos y periodos.
Con rigurosos compromisos para el traslado y la preservación, las obras de la colección
están presentes en exhibiciones de toda índole, en diálogo con otros legados. No obstante,
el Munal sabe que el acervo es un tesoro apreciado por otros públicos, por lo que genera
estrategias para llegar a esas miradas distantes. Por ejemplo, los proyectos extramuros con
curadurías pensadas y estructuradas con obras de la colección.
Un ejemplo es la exposición Perfiles de la apariencia y de la fe, compuesta de 57 pinturas
del género del retrato que se resolvieron temáticamente para inaugurar el área temporal del
nuevo complejo del Instituto Mexiquense de Cultura en Texcoco: el Museo Centro Cultural
Mexiquense Bicentenario, dependencia que costeó el restauro de buena parte de las obras
prestadas. De esta forma, la comunidad del Estado de México recibió, entre otros beneficios,
una exposición permanente, talleres para cursos, una monumental biblioteca y un amplio
auditorio, así como la respectiva muestra de efigies que han trascendido gracias a la pericia
de los artistas del Virreinato y de los del siglo xix y xx. En Texcoco, el espectador puede
apreciar producciones de pintores como Juan Rodríguez Xuárez, José María Estrada, Hermenegildo Bustos, Julio Ruelas, Raúl Anguiano, Juan Soriano y Roberto Montenegro, entre otros,
en cuatro núcleos temáticos que van más allá de órdenes cronológicos, pues se definen por
los roles sociales de género y condición: El hábito hace a la monja, Perfiles de la inocencia,
El recato y la coquetería y Prestigio y arrogancia.
La naturaleza de la exposición explora tanto una línea del tiempo de la identidad del
mexicano por sus rostros y apariencias, como asuntos psicológicos y enigmáticos que surgen
a partir de mirar esos perfiles del pasado. Como afirmó Octavio Paz:
sta muestra es una oportunidad para dar cuenta de las características de una producción, ciertamente poco conocida, dentro del arte mexicano del siglo xx. El cultivo del
dibujo tuvo especial relevancia en el marco de la conformación de una política cultural
y educativa posrevolucionaria: insignes artistas fueron convocados por José Vasconcelos
—impulsor del proyecto de creación y fundador de la Secretaría de Educación Pública en
1921— para hacerse cargo de la enseñanza de este arte, que conformó el programa de
reelaboración de los códigos identitarios de la nueva nación, formulados a partir de un
ideario que tomó como origen la vocación artística connatural al mexicano, herencia que
resultaba de las elevadas cotas que alcanzó el arte precolombino y hizo eclosión con el
trabajo insigne de los muralistas.
La selección de obra que compone esta muestra se funda en criterios de calidad artística,
pero también, de experimentación plástica: recurre a piezas que fueron creadas durante los
primeros años del siglo y que refieren una acusada influencia del simbolismo y del decadentismo europeos. A la par de la búsqueda por afianzar la aprehensión de los cánones del arte
occidental, búsqueda protagonizada por artistas que tuvieron la oportunidad de viajar al Viejo continente y de contemplar la producción plástica del Renacimiento hasta finales del siglo
xix. Esta exhibición cuenta con ejemplos de dibujos cultivados en la más pura tradición de la
Academia de San Carlos, es decir, en el ejercicio de la copia de modelos escultóricos y vivos
en interiores y de la influencia que maestros extranjeros, como Antonio Fabrés, ejercieron en
el marco de la enseñanza sistematizada del dibujo y la pintura.
La mano de artistas como Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Ramón Alva de la Canal y,
por supuesto, Gerardo Murillo, Dr. Atl, constituyen una muestra de cómo el deseo personal
de experimentar con nuevas técnicas, recursos y temas se apropió de la producción gráfica
mexicana de la segunda y tercera décadas del siglo, hasta llegar a propuestas plásticas abiertamente vanguardistas, como es el caso de las obras de Antonio Pujol, Fermín Revueltas y
Francisco Eppens. Otros, como Diego Rivera, artista consagrado por su papel en la reconstrucción nacional desde el punto de vista de las campañas de reeducación cultural, se ven
representados en esta selección gracias a obras que rinden testimonio de su habilidad como
dibujantes y retratistas. Por último, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, los otros
dos autores de grandes murales practicados en edificios públicos, dan cuenta de su producción más intimista, a partir de una selección de dibujos que evocan la libertad y fuerza que
conforman escenas simbólicas o abiertamente trágicas, ya como bocetos preparatorios de
ideas que, posteriormente, plasmaron en los enormes formatos avalados por el Estado; ya
como registros o apuntes sobre la expresividad que, eventualmente, pueden llegar a alcanzar
detalles de cuerpos humanos, escenas de la vida cotidiana o vistas urbanas.
Gracias a la iniciativa del Museo de El Paso, el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través
de la Coordinación Nacional de Artes Plásticas y del Museo Nacional de Arte, encuentran la
coyuntura idónea para presentar una selección representativa de la tradición, la experimentación y la reconfiguración del horizonte plástico mexicano, a partir del ejercicio del dibujo,
en las primeras décadas del siglo xx.
El retrato es el testimonio, fijo y momentáneo, del encuentro de dos personas
—diálogo, combate, descubrimiento— resuelto en un reconocimiento. El otro
se presenta como una presencia corpórea. Esa presencia nos habla, nos
mira, nos oye y nosotros la oímos, le hablamos y la miramos. Así descubrimos
que la presencia es una persona o, como se decía antes, un alma. Un ser
único, semejante a nosotros, vulnerable y enigmático.1
José Clemente Orozco
Torzo, 1943
Temple sobre papel
1.Octavio Paz, Los privilegios de la vista II. Arte de México, México,
Fondo de Cultura Económica, 2006, p. 166.
14
1917
El 14 de marzo de 1917, murió en la Ciudad de México, Manuel Vanegas Arroyo, el editor poblano, reconocido por
la circulación de libros y hojas volante ilustradas por el grabador José Guadalupe Posada.
Núm. 2 | mar z o | 2012
publicaciones
PECADOS Y MILaGROS
PECADOS Y
MILAGROS
C
zcárate
EL SALTO INEXISTENTE
E
A
Leandro Izaguirre
El suplicio de Cuauhtémoc, 1893
Óleo sobre tela
puesto los exvotos creados por el público, en los
pasillos, haciendo de Pecados y milagros, un proyecto que se transforma y amplía.
El catálogo, memoria de la muestra, incluye el
disco de Lila Downs así como una recopilación de
los cien exvotos que componen la serie de obras
antiguas a resguardo del Munal y de coleccionistas
particulares, y los quince creados exprofeso para
este proyecto tanto visual como musical. En el volumen, Adolfo Mantilla (jefe de investigación de este
museo) muestra los virajes que da el arte para incluir en su corpus manifestaciones que antes correspondían a otro discurso; el exvoto, perteneciente en
sus orígenes al ámbito de lo popular y religioso, se
ha transformado durante el siglo xx en objeto artístico y de museo. Esta mirada antropológica hace
patente no sólo el disfrute artístico dentro de su
contexto particular, sino las maneras que tiene el
arte en general para convertirse en tal.
Así mismo, el catálogo incluye un texto de Elín
Luque Agraz, directora de la Casa Lamm y experta
en la tradición votiva, que revela contenidos en las
pinturas que podrían pasar inadvertidas en un espectador menos avezado. Santiago Espinosa de los
Monteros, hace su crítica de arte al respecto de los
nuevos exvotos y manifiesta su interés en esta novedosa forma de tratar las manifestaciones votivas.
El diseño de Alejandro Magallanes, Selva Hernández y Teresa Peyret subraya el contenido del libro,
convirtiéndolo, además, en un objeto apreciable en
sí mismo, en un libro que vale la pena ver y poseer.
archivos secretos
l libro Pecados y milagros es representativo de
un tipo distinto de museo y, por tanto, de un
espectador revolucionado. La experiencia del arte
no es ya únicamente visual, y el espectador no se
encuentra fuera del discurso mismo de las muestras
sino que la exposición es susceptible de intervención por parte del público. En este caso, Pecados y
milagros nace de la interrelación entre dos sentidos distintos: el oído y la vista. Lila Downs, artista
oaxaqueña de renombre internacional, a partir del
impacto que le causaron una serie de exvotos de
temáticas contemporáneas (la diversidad sexual, la
migración, etcétera), genera el primer escalón del
proyecto, invitando a pintores actuales a realizar
exvotos contemporáneos con el fin de convertirlos
más tarde en temas de canciones de su nuevo disco.
Pecados y milagros es una mezcla de artes que, más
tarde, se unen con la vocación del Munal y se mezclan con sus antepasados pictóricos: aquellos exvotos que fueron para Diego Rivera, la más sincera
manifestación de arte mexicano. El museo presenta
en el libro y en la exposición el recuento de siglos
de tradición votiva, mostrando cómo el contacto
con la divinidad se transforma y genera nuevos discursos y manifestaciones que se han integrado a la
tradición del exvoto mexicano. La música de Lila
Downs, así mismo, busca entablar un cierto diálogo
votivo al mismo tiempo que dialoga con la plástica,
el arte popular y las problemáticas de nuestro siglo.
El público ha interactuado con esta muestra, expresando en forma de milagritos (cintas escritas)
sus deseos y expectativas; además el Museo ha ex-
steban
E
uenta la leyenda que la noche del 30 de junio de 1520, cuando los guerreros mexicas se abalanzaron sobre los españoles durante su huida de
Tenochtitlán, Pedro de Alvarado, uno de los hombres fuertes de Cortés, realizó
una maniobra espectacular que le permitió salvar la vida, y cuya hazaña puso
nombre a una calle de la ciudad. En la llamada “Noche Triste”, al “Sol” –como
le llamaban los indígenas por su aspecto rubio y barbado–, le tocó cuidar la
retaguardia con un grupo de soldados, y por lo tanto fue de los últimos en
escapar del pandemónium desatado por los aztecas. Tras dejar atrás la calzada
de Tacuba, se encontró con una cortadura en la camino que los españoles que
le precedieron intentaron tapar con un puente portátil de madera; sin embargo,
éste su hundió con el peso de las tropas, los caballos y los tesoros que llevaban.
Viéndose asediado por flechas y piedras, tomó una vara del suelo y, al más puro
estilo de un atleta que practica el salto de garrocha, la utilizó para atravesar las
aguas. Del otro lado, trepó a las ancas del caballo de un tal Gamboa, y completó
la huida, justo antes de sufrir el mismo destino que los numerosos soldados que
perecieron durante el combate.
En conmemoración de tan singular acto, la calle donde sucedió lleva
hasta nuestros días el nombre de Puente de Alvarado. Sin embargo, el historiador y cronista Luis González Obregón (quien también tiene una calle con
su nombre en el Centro Histórico de la ciudad, entre República de Brasil y
Argentina), escribió en su libro Las calles de México que la historia ocurrió
de otro modo, pues un salto de aquella magnitud resulta imposible. Alvarado
sí cruzó la acequia, pero mediante una viga que estaba atravesada sobre las
aguas. De haber hecho aquel salto olímpico, como señala Antonio de Solís
en Historia de la conquista de México, hubiera dejado “más encarecida su
ligereza, que su acreditado valor”.
Pero la exageración es el componente principal de las leyendas. De otro
modo, no sobrevivirían ni mucho menos se utilizarían para nombrar las
calles de la ciudad.
El 25 de marzo de 1922, nació en Zacatecas, Pedro Coronel, pintor y escultor, instruido en la Escuela Nacional de
Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, ligado a los artistas de la llamada “Ruptura” en la década de 1950.
Un museo lleva su nombre en Zacatecas.
1922
15
G a b i n e t e
d e
c u r i o s i d a d e s
Núm. 2 | mar z o | 2012
LA POSIBILIDAD DE SER
MODERNOS
E
Acerca de Las bañistas, B
de Jorge González Camarena
ernardo
squinca
Jorge González Camarena,
Las bañistas, 1935
Agradecemos a la Fundación Manuel Arango por la importante colaboración con los proyectos del Munal y la generosa donación de la obra Las bañistas
“E
xija que sus dibujos sean de esta época”,
rezaba una publicidad en la Revista de Revistas del 7 de mayo de 1933. Estamos hablando de un tiempo en que se imponía lo moderno y
lo funcional como estilo de vida, del esplendor del art
déco en México. Lo cosmopolita se había convertido
en la aspiración de la creciente población urbana, y la
elegancia en un bien ubicuo gracias a la naciente mercadotecnia: hasta las carnicerías y los remedios para los
dolores de cabeza se promovían con anuncios que hoy
son material de coleccionistas.
Durante el periodo que fue de 1920 a 1940, México
se transformó de manera notable. Había que superar los
rescoldos de la Revolución y respirar aires de libertad. La
figura femenina tuvo un nuevo rol: las mujeres parecían
dueñas de sí mismas, y se les veía fumando y bebiendo
en público. En el terreno de la cultura, los Estridentistas
y los Contemporáneos afilaron su imaginación para renovar las artes plásticas y las letras.
16
Tanto la arquitectura como el diseño industrial y la
moda revisitaron el pasado indígena con una nueva visión:
le quitaron el sentido de protesta que le otorgó el muralismo, y se enfocaron en las posibilidades de su estética. Al
mismo tiempo, la época ponderaba a la máquina y al trabajo como símbolos del hombre autosuficiente y capaz de
modificar la realidad por sí mismo: movimiento y energía
eran los estandartes a seguir.
Por lo tanto, el deporte fue pieza clave de este cambio:
ya no era un asunto obligado en las escuelas, sino, como
apunta Enrique X. De Anda Alanís, parte de un estilo de
vida sofisticado: “…se transformó en una práctica de mayor
alcance, lo cual también acentuó la idea de libertad, de bienestar y entretenimiento”.
Es en este contexto que surge Las bañistas, que Jorge
González Camarena pintó en 1935. En ella vemos a un grupo de mujeres de rasgos autóctonos –morenas, robustas–
pero al mismo tiempo estilizadas tanto en sus atuendos
como en sus formas geométricas. Hay, incluso, dos niñas
1932
que juegan desnudas, en una mezcla de inocencia y osadía,
ambas también características de una época de entreguerras a la que no le quedó más remedio que rendirse al
presente. Es, sin embargo, el trampolín lo que destaca en
esta pintura, pues da la impresión de ser una pista para el
despegue de aeronaves; impresión que reafirma la mujer
que se arroja desde las alturas, y que más que caer en las
aguas de la alberca –la cual no vemos en el cuadro– parece
destinada al cielo plagado de nubes resplandecientes. Una
pintura que condensa las claves del art déco: la alegoría
de la máquina, fuente de poder y autonomía; el placer y el
ocio como recompensa al trabajo, y una sensualidad que
apuesta más por la sofisticación que por la voluptuosidad.
Había algo en el ambiente de esos años, en el espíritu
de la época, que la pintura de Jorge González Camarena
captó muy bien, y que 77 años después aún tiene algo qué
decirnos: cuando el futuro no es una alternativa prometedora, nos salva la posibilidad de ser modernos y volcarnos
a nuestro tiempo.
El 15 de marzo de 1932, nació en Barcelona, España, Vicente Rojo, pintor, cuyos inicios fueron de diseñador gráfico
al lado de Miguel Prieto; llegó a nuestro país en 1949 y se vinculó a la generación de pintores de la “Ruptura”. Es
autor de la serie pictórica México bajo la lluvia.
r E T R AT O S
H A B L AD O S
Núm. 2 | mar z o | 2012
ABRAHAM
ÁNGEL
Sigue a “El visitante” en
@MUNALmx
lunes a viernes a las 4 pm
F
El visitante
(1905-1924)
La vida de cada artista
compone un retrato que
acompaña su obra. Esta sección
busca captar ese retrato.
Abraham Ángel,
Autorretrato,1923 (detalle)
El 29 de marzo de 1933, nació en Zurich, Suiza, Roger von Gunten, pintor y escultor que arribó a nuestro país en
1957, vinculándose a los miembros de la “Ruptura”; su obra plástica es de apariencia abstracto-figurativo.
1942
1933
igura trágica por excelencia, Abraham Ángel
fue comparado con el poeta francés Arthur
Rimbaud (1854-1891) por Alfonso Reyes: un
símil justo. Ambos entablaron un vínculo sentimental con sus respectivos maestros: Rimbaud con Paul
Verlaine, Ángel con Manuel Rodríguez Lozano. El
primero renunció a la literatura a los veinte años,
luego de haber escrito dos libros emblemáticos
(Una temporada en el infierno e Iluminaciones);
Ángel murió a los diecinueve, dejando una veintena
de cuadros recorridos por un impulso casi infantil.
“Érase un niño. Pintaba/ con su tierra mineral./ La
tierra, como leal,/ dicen que se le entregaba”, leemos en un poema de Reyes, que además se refirió
a Ángel en uno de sus ensayos con estas palabras:
“Aconteció el meteoro, brilló y se extinguió el niño
predestinado, Abraham Ángel. Y ya estaba logrado
el prodigio.” Otro escritor que refrendó esta admiración fue José Bergamín al hablar del “malogrado,
aunque tan maravillosamente logrado en su pintura, Abraham Ángel”, y al describir su labor plástica
como “una incendiada primavera juvenil” que quema “con viva llamarada”. Esa llamarada, por desgracia, se extinguió muy pronto.
Nacido el 7 de marzo de 1905 en El Oro, Estado de México, Abraham Ángel Card Valdés fue el
menor de cinco hijos de una pareja rota. Su padre,
Lewis Edward Card, fue un minero escocés empeñado en la búsqueda de fortuna; su fascinación por
las mujeres y el juego lo hizo desentenderse de la
familia para entregarse a una vida aventurera. Ante
esta situación su esposa, sinaloense de origen, decidió abandonar el Estado de México y mudarse a
Puebla. A los once años, Abraham Ángel se trasladó
a la Ciudad de México con su madre y dos hermanos; Adolfo, el hermano mayor que fungía como cabeza de la familia, heredó la rigidez protestante del
padre. En esa atmósfera floreció el espíritu libre de
Ángel, que oyó el llamado de la pintura en la adolescencia: la Academia de San Carlos se volvió su
meta. Al anunciar su inclinación por el arte, Ángel
se topó con el desacuerdo de su hermano Adolfo y
fue expulsado de su casa. Entonces se desprendió
de sus apellidos y salió a enfrentar el mundo: un
enfrentamiento que pudo ser más amable gracias a
la tutela de Manuel Rodríguez Lozano.
La atracción entre maestro y alumno fue
fulgurante: Rodríguez Lozano llegó a decir que
Abraham era el mejor pintor de América. Ángel
no tardó en mudarse con su tutor; por supuesto,
la relación sentimental no estuvo exenta de tempestades. Se dice que la mayor tempestad la desató Julio Castellanos, otro pintor joven favorecido
por la atención de Rodríguez Lozano. Acosado
por los celos, seguramente despechado, Ángel se
inyectó un gramo de cocaína en el muslo el 27 de
octubre de 1924; la muerte, que aún no se sabe
si fue suicidio o accidente, ocurrió en la casa de
Rodríguez Lozano y cimbró al medio cultural. Al
día de hoy se sigue cuestionando el acta de defunción, donde se asienta que el joven de diecinueve años falleció debido a una “cardiopatía
congénita”. Lo cierto es que uno de los últimos
cuadros de Abraham Ángel, fechado en 1924, se
titula Me mato por una mujer traidora.
17
M i r a . . . lee
Entrevista de Fernando
Corona al poeta
Balam Rodrigo
en relación con las obras Cristo en la Cruz
y La incredulidad de Santo Tomás de
Sebastián López de Arteaga
¿Respira, vive de alguna manera la
plástica en las palabras?
Sí, el mismo Paz lo dice, la poética es imagen. El escritor Ezra
Pound decía que la imagen era imprescindible en la poesía y
no podemos descartar el gusto: porque escribir poesía, hacer
un poema es, en efecto, hacer una obra de arte, entonces no
debemos olvidarnos de que el escritor es en esencia o debería ser en esencia un artista, un creador como tal. Entonces,
de entrada, lo primero sería el artista, luego escritor y luego
hacer poesía, cuando hay algunos que otros pintores y amigos que tenemos que compaginan incluso ambas.
¿Por qué te ubicaste entre el Cristo en la
cruz y La incredulidad de Santo Tomás,
entre estos dos polos o conceptos?
Justo hablando de Sebastián López de Arteaga, porque la pintura creo que –no sólo de herencia, incluso actualmente– da
la imagen, da la posibilidad a la gente no ya de imaginar sino
de ver tácitamente, de valorar, de acercarse, en este caso, a
Cristo crucificado que aún no muere, está vivo con todo y la
incredulidad ya después de la resurrección. Para la gente es
necesario ver, palpar, tocar y, en ese sentido, la poesía tenemos que leerla muchas veces, aunque hay otra poesía que
está en el mundo que no vemos y que tenemos que creer en
ella por fe y los que escribimos lo sabemos porque es parte
de estas musas que nos visitan siempre y por las que escribimos. Pero me intereso sobre todo por eso: el hecho de que
para esos pintores y en ese tiempo todavía hacer esto era en
realidad hacer palpable la divinidad, la deidad, verla, saber
cómo era, poder tocarla y, en el caso del lenguaje en que
hablamos de la incredulidad, mucho más todavía.
Núm. 2 | mar z o | 2012
¿Crees que la poesía es un habitante,
un residente de los museos, o un visitante
ocasional?
Creo que esta ahí porque está además en el trabajo, está en
la pintura. En ese sentido, creo que esta parte del lenguaje
propiamente poético de la plástica está en la obra. Ahora,
creo que lo que sí hace falta es –y ahora lo sé porque tengo
una gran responsabilidad de funcionar como un guía que
despierte esos procesos de aproximación a estas grandes
metáforas–, alguien que pueda suscitar y desencadenar en
el otro, en el visitante común de todos los días, que viene
un fin de semana o una ocasión en su vida, estos procesos
que lo acerquen a poder leer esta poesía, porque creo yo
que todavía arrastramos ciertos muros que nos ponemos
frente a la obra de arte, porque a diferencia de otras cosas,
de quizá una fotografía realista o de otras cosas del arte
plástico, muchas de estas obras sí necesitan acercamiento, un
empujoncito para que la gente pueda acercarse y entender
mejor lo que hay aquí, lo que los artistas nos tratan de decir
un poco. Entonces esta labor de degustar, de descifrar, de
poder sacarle jugo al arte plástico es una labor que exige
este eje comunicativo entre el habitante común de los
espacios con los mismos artistas plásticos que nos regalan
su experiencia. Es como cuando se lee poesía: si uno nunca
ha leído poesía, no va a poder disfrutarla; y si hay alguien
que desencadene entonces estos procesos de acercamiento,
seguramente va a entender y además se va a enamorar.
(Inauguración del programa Mira…lee en el Museo Nacional de
Arte el 3 de julio de 2010, abriendo por primera vez las salas de
la Colección Permanente para que los poetas brindaran charlas,
tertulias y recitales, relacionando la palabra y la plástica.)
Balam Rodrigo (Villa de Comatitlán, Chiapas, 1974). Poeta,
narrador, teólogo y biólogo.Becario del Programa de Estímulo a
la Creación y el Desarrollo Artístico Conaculta-Chiapas 2005 y
2007. Autor de Hábito lunar y Poemas de mar amaranto. Premio
de Poesía Joven Ciudad de México 2006 por Libelo de varia
necrología (2006).
Sebastián López de Arteaga
Cristo en la Cruz, s/f, Óleo sobre tela
Visita nuestro canal
de video en
youtube.com/MUNALmx
arranca mira lee 2012
E
l sábado 4 de febrero, en el Salón de Recepciones, se
inauguró la tercera emisión del programa “Mira… lee”,
que iniciara dos años antes la Coordinación de Biblioteca
del museo con la Asociación de Escritores de México, A. C.
Este año, la iniciativa creció hasta la inclusión de creadores
e intelectuales de todos los ámbitos de las artes y las humanidades: poetas, narradores, ensayistas, oradores, pintores,
fotógrafos, investigadores de cine, músicos, artistas multidisciplinarios, entre otros, se estarán dando cita en un recorrido
por la Colección Permanente del museo todos los sábados
18
entre febrero y noviembre a las 13:00 hrs., tomando como
escenario alguna de las obras expuestas y abriendo espacios
de interpretación artística y reflexiva al contacto con ellas.
En la inauguración del programa alternaron en un concierto/recital el músico mexicano Asdrúval Domínguez Ávila
y el poeta ecuatoriano Augusto Rodríguez.
Asdrúval, egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la unam y formado musicalmente en el círculo de
músicos “Una Mirada al Infinito” de la Sala Ollin Yoliztli, interpretó su suite Museo de la mente a partir de géneros de la
música clásica, relacionándolos con algunas técnicas gráficas
como el óleo y la acuarela, fusionándolos, como él mismo
expresó en entrevista, en “la necesidad de compartir ciertos
colores mentales, que son las emociones y circunstancias del
hombre, amalgamándolas en la música en una adaptación
que copiara lo que es la mente, pero en música”. El poeta
Augusto Rodríguez leyó ante el público poemas de su reciente obra publicada tanto en su país natal como en Argentina,
Perú y México. También se expresó en entrevista manifestando una relación de fondo entre Diego Rivera y el pintor
ecuatoriano Oswaldo Guayasamín y hablando sobre el lugar
que debería tener la poesía en los museos, reinstaurándola
en un puesto inicial ligada a todas las artes: “no concibo que
un museo de cualquier parte del mundo no dé un espacio
1943
a la poesía, porque viene desde nuestros ancestros, de esa
musicalidad que está muy ligada a la plástica: toda pintura
es un texto, leemos, vemos una pintura y la decodificamos
como si fuera un texto”.
El programa continuó en las siguientes sesiones de febrero insertando las salas a temáticas propias de las obras que
imperan en las mismas. Se inició el recorrido el sábado 11
en el vestíbulo, ante la obra Después de la orgía, de Fidencio
Lucano Nava, a cuyos pies el poeta Javier Gaytán arrebató a
un auditorio con varios poemas de su libro Jauría, para complementar su euforia con una charla en la que, en diálogo
con Fernando Corona, dejó ver cómo nos abraza la noción de
orgía en todas partes: “una orgía de vida, una orgía de consumismo, una orgía de lectura, una orgía de muerte”.
Posteriormente, del vestíbulo y su visión de orgía, las sesiones pasaron los sábados 18 y 25 a las primeras dos salas
novohispanas, donde el artista multidisciplinario Héctor Falcón ahondó en el tema de “Sagrado y divino”, mientras que
el orador Álvaro Ramírez Segura profundizó en los conceptos
de “Asunción y resurrección”, respectivamente.
El programa continúa este mes entre las salas 3, 4 y 5, con
la presencia de los pintores Elena Gutiérrez y Héctor Julio
Anaya, así como de los poetas/fotógrafos Roberto Luviano y
Guiomar Cantú (consulte la cartelera).
El 29 de marzo de 1943, nació en la Ciudad de México, Xavier Esqueda, artista autodidacta que desde sus
tempranas obras acusa una inclinación por el arte fantástico y el surrealismo.
Núm. 2 | mar z o | 2012
e d u c a c i ó n
El
público
¿qué tiene que decir sobre
una obra de arte? Una de guías.
S
oy Eduardo Ysita, guía del Munal, y te voy a compartir una anécdota. Me sentía un guía
de museos muy experimentado. Como autoridad, he capacitado a maestros y gente de
museos. Siempre que veía o hablaba sobre una obra estaba seguro de tenerla completamente
dominada.
Fue un niño el que me dio una gran lección y me recordó que, en la pintura, todo está
expuesto, pero no siempre lo vemos. Me recordó que debo ser más humilde.
En una visita guiada para un grupo de quinto de primaria, platicaba sobre la obra del
pintor mexicano José Jiménez, Interior del Colegio de Infantes de la Catedral de México. Exploraba los elementos de la pieza (que he visto miles de veces): sobre el perro que se “estira”,
sobre una típica escena costumbrista... Cuando tocó el turno a los niños de comentar, uno de
ellos, llamado Roberto, me dijo:
—¿Por qué no ha mencionado al gato?
Me sorprendí y le pregunté:
—¿Cuál gato?
—Pues el que está escondido en el arbusto,
asustado porque el perro lo está molestando.
Si quien lee esto observa la obra, le pido que la recorra completa y trate de encontrar al gato.
¡Nunca en mi vida, ni en mi lectura del catálogo comentado, había percibido al gato!
Este descubrimiento, aunque parece pequeño, para mí fue un parteaguas. El registro de
los detalles que pueden ser importantes y los elementos de la obra que detonan historias son
absolutamente personales. El público trae su propia experiencia, su percepción, su visión, su
ideología. Por ahí comienza realmente la exploración.
La
mujer
en el arte
Ciclo de actividades culturales
del Programa Equidad de Género
2012
Jueves de febrero a diciembre 12:00 hrs.
(Previa reservación)
Informes 5130.3400 ext.4010
El 4 de marzo de 1948, falleció en Francia el poeta, actor, dramaturgo, dibujante y teórico del surrealismo Antonin
Artaud, quien visitó México en 1936, para dictar algunas conferencias y explorar el naturalismo en plena magia
de la Sierra Tarahumara.
1948
19
munal en
la web
MICROSITIO
ARTE FLAMENCO
tweets selectos
@munalmx
El Quattrocento fue cuna de dos
corrientes pictóricas de suma
importancia: el Renacimiento en
Italia y la pintura flamenca en
Flandes.
#Arteflamenco se refiere al
término ocupado para las artes
desarrolladas de un territorio que
podría coincidir con la actual
Bélgica
También, por #arteflamenco
entendemos una elevada
capacidad técnica en la que el
preciosismo y verosimilitud en lo
representado son evidentes
Brujas, Gante, Bruselas, Tournai,
Lovaina y Amberes son algunas de
las ciudades donde el arte flamenco
se desarrolló
Amberes logró tal importancia, que
incluso se dijo que a mediados del
siglo XVI trabajaban en ella unos 300
artistas
El círculo de Amberes alude a los
artistas más destacados cuyas obras
lograron incidir en el desarrollo de la
pintura occidental
E
Peter Paul Rubens, Anthony van
Dyck, Jacob Jordaens, Jan Fijt, David
Teniers, o Pieter Neefs son algunos de
los más importantes autores
La migración de artistas flamencos,
el traslado de obras y la gran
valoración de esta corriente tuvieron
gran impacto en el arte novohispano
No te pierdas nuestras,
actualizaciones,
galerías y concursos:
siguenos en:
www.munal.com.mx
20
1952
Núm. 2 | mar z o | 2012
l Museo Nacional de Arte presenta el micrositio
Arte flamenco del siglo xvii. Colección del Museo
Real de Bellas Artes de Amberes, a través del cual
pondrá a disposición del público contenidos multimedia para el disfrute y documentación de los internautas aun cuando no se encuentren en la Ciudad de
México, al tiempo de ofrecer material alternativo y
complementario a la obra exhibida en salas.
El desarrollo puede consultarse a través de computadoras y plataformas móviles, planteando una propuesta novedosa para que los usuarios de telefonía
móvil con acceso a web conozcan las actividades ligadas a la exposición.
Núcleos temáticos, agenda de actividades, bibliografía complementaria, línea del tiempo interactiva,
material descargable y ligas a las galerías con material inédito en redes sociales componen este micrositio dirigido a todo público. Puede consultarse
a través de www.munal.com.mx; esta aplicación informática se incorpora como parte de los esfuerzos
de documentación de exposiciones temporales proyectadas por el Munal, con la intención de extender
la temporada de muestra en salas.
El 9 de marzo de 1952, murió en Filadelfia, Estados Unidos, el poeta sinaloense Gilberto Owen, integrante de la
generación poética Los Contemporáneos; autor de Sinbad el varado, entre otros poemarios.
C I N E
Núm. 2 | mar z o | 2012
Del cuerpo nació la idea.
Ciclo Musas en torno a la
colección permanente del
Munal (DOMINGOS 16:00 HRS.)
L
as musas son hijas de la Memoria. El recuerdo, las impresiones amorosas sobre la imaginación del hombre, hacen
posible el arte, la técnica abocada a la sensibilidad. La mujer,
al encarnar la figura de la musa, es responsable de la configuración de los mundos artísticos. Es precisamente sobre la
imagen de su cuerpo que se han hilado las más arrobadoras
fantasías.
Tomando como inspiración la colección escultórica del
siglo XIX y sus figuras femeninas, parte del acervo del Munal, planteamos un ciclo de cine dedicado a las musas del
cine mundial, el cual se extenderá a lo largo de marzo y abril.
Durante marzo nos visitarán en el Auditorio Adolfo Best
Maugard cuatro bellezas insignes del cine internacional. Primero, Greta Garbo en el Gran Hotel, bajo la dirección de
Edmund Goulding (1932). La sucede Marlene Dietrich en la
afamada cinta Espresso de Shanghai, dirigida por Josef von
Sternberg (1932). Grace Kelly llegará en la imprescindible
Ventana Indiscreta de Alfred Hitchcock (1954). Cerraremos
esta primera parte de dos con nuestra adorada María Félix y
su actuación en Flor de Mayo, de Roberto Gavaldón (1959).
Ciclo de exposición Arte
flamenco.
La luz: lazo entre pintura y
cine (SÁBADOS 16:00 HRS.)
Oswaldo Trujillo
a pintura y el cine son artes hermanadas por la luz. Cuando alguien elogia la “paleta” de algún director, no hace
sino subrayar su sensibilidad respecto de la organización luminosa de la escena, de la cantidad de luz que deja pasar
por la cámara para colorear ágilmente la imagen. Y si antes
se trabajaba con la paleta hoy se trabaja con la lente de la
cámara; hoy se recurre a las disolvencias como antes al fresco o al temple.
Mucho antes de las teorías modernas de la percepción, los
flamencos entendieron perfectamente cómo los rayos solares
se propagaban y lograron refractarlos sobre el lienzo. Quizá
la inspiración les venía del mar y del invierno (van den Bos:
Dutch Light). Supieron como nadie templar la luminosidad
con la oscuridad y sacaron nuevos brillos a las ventanas y los
fuegos involuntarios (Tarkovski: El sacrificio). Algo de su arte
diáfano persistió en el Norte (August: Las mejores intenciones); en la última tierra, límite del mundo (Kaurismaki: Los vaqueros de Leningrado). Pero donde más se recrudecieron sus
brillos negros fue en ese gris profundo que no es resultado
de la luz solar sino de la materia invisible que irradia sobre la
nostalgia humana (Bergman: Luz de invierno).
Los espejos de van Eyck, los engastes de Vermeer y las
fogatas de Rembrandt persisten. Corte, cámara, hágase la luz.
Como advierte Leonardo: “Miren la luz y admiren su perfección. Cierren los ojos y observen: lo que acaban de ver ya no
está, lo que están a punto de ver, todavía no existe”.
L
Grandes del cine mundial.
Ciclo de Arquitectura
Fantástica (SÁBADOS 12:00 HRS.)
Florencia Aguirre
¿
Es la arquitectura fantástica la creación de lugares imposibles o la alusión a aquellos lugares donde se hacen
realidad nuestras fantasías? Si bien la arquitectura define
nuestro entorno, el espacio y la naturaleza condicionan
el desarrollo de las obras arquitectónicas. Desde las arquitecturas góticas técnicamente imposibles de los cálices
medievales hasta el cenotafio a Newton de Boullé, se ha
intentado plasmar las fantasías arquitectónicas para evitar
que sean olvidadas o que queden en meras entelequias.
Lo mismo sucede en el cine: a través de maquetas, escenarios o efectos digitales, los cineastas han creado espacios
inverosímiles para narrar especulaciones, deseos o simplemente remitir al espectador a tiempos inexactos. Así, la arquitectura deja de ser un simple escenario y se transforma
en una condición fundamental para ambientar y cerrar la
lógica del discurso. La arquitectura, quizás junto con el sonido, suele ser uno de los elementos más importantes en
la construcción de obras fílmicas y muchas veces el menos
apreciado por los espectadores.
Desde este ciclo intentamos remarcar la importancia de
espacios fantásticos e imposibles y que por su naturaleza
ficcional pueden ser, o por lo menos parecerse, a nuestro
imaginario arquitectónico ideal. Esteban Sapir, Ridley Scott,
Terry Gilliam y una concisa selección de cortometrajes checos de las décadas de los 60, 70 y 80 serán guía en este viaje
por ciudades imaginadas y recreadas a lo largo de la historia.
CLUB
CINEMA PLANETA
E
n colaboración con Cinema Planeta y la SEMARNAT, el
Munal lanza sus funciones quincenales dedicadas al medio ambiente, con dos filmes mensuales que retoman, desde
muy distintas perspectivas, a la Madre Tierra como su protagonista.
La inauguración del Club Cinema Planeta es el 9 de marzo a las 4pm con una función de gala: Flores en el Desierto,
documental dirigido por José Álvarez, quien estará con nosotros en el Auditorio Adolfo Best Maugard para hablar sobre
su experiencia como documentalista y sus dos documentales
(Flores en el Desierto y Canícula).
Además, el viernes 30 a la misma hora, tendremos la proyección de Efecto Reciclaje, una película que reflexiona sobre
las implicaciones de nuestro consumo responsable y las posibles bondades un proceso integral de reciclaje.
Flores en
el Desierto
José Álvarez
vISITA EL MUNAL EL
9 de marzo 16:00 HRS.
LOS DOMINGOS de marzo: Munal y Goethe te invitan al cine
ciclos de director: Alexander Kluge
Doctor en derecho, amigo de Theodor W. Adorno,
escritor y pensador imprescindible de la Alemania de
la segunda mitad del siglo XX, presentamos cuatro
películas del director Alexander Kluge en el marco de
nuestros ciclos con el Instituto Goethe.
Domingo 4, 12:00
Los artistas bajo la tienda del circo:
desamparados (Alemania, 1968, 103 m.)
Domingo 18, 12:00
Guerra y paz (Alemania, 1982, 118 m.)
Domingo 11, 12:00
In Gefahr und grösster not bringt Der Mittelweg
den Tod (Alexander Kluge, Alemania, 1974, 86 m.)
Domingo 25, 12:00
Hombre sin cabeza (Alemania, 1994-2007, 132
min.)
El 17 de marzo de 1955, murió en Antibes, Francia, Nicolás de Stäel, pintor ruso que, en 1938, se trasladó a París,
ciudad donde hizo amistad con Georges Braque y Fernand Léger; su obra abstracta ha sido relacionada en
México con la de Enrique Echeverría, miembro de la “Ruptura”.
1955
21
¿ Q u é
h a cer
en
o t ro s
m u s eo s ?
Núm. 2 | mar z o | 2012
CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO
Ricardo Flores Magón No. 1, colonia
Nonoalco-Tlatelolco
Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
$20.00. 50% de descuento a estudiantes, maestros y
miembros del INAPAM, IMSS e ISSSTE
Domingo entrada libre
Dr. Atl
Obras Maestras
N
acido el 3 de octubre de 1875 en un famoso barrio de Guadalajara, Jalisco, Gerardo Murillo Cornadó, quien fuera vulcanólogo, pintor y escritor, mejor conocido como
Dr. Atl (que significa Agua en náhuatl), es
uno de los artistas mexicanos mas importantes y cuyas obras son reconocidas a nivel internacional llega con una magna exposición
al Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
En colaboración con el museo colección
Blaisten e incluyendo obras de la colección
del Munal, este ambicioso proyecto revisa de
manera formal el paisaje en un gran formato
y el retrato del Dr. Atl. Creador de los colores
Atl colors muestra más de cien obras fundamentales de su prolífica e importante carrera
artística.
DR. LAKRA
J
MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO
Pino Suárez 30, Centro Histórico
Martes a domingo, 10:00 a 17:30 hrs.
Miércoles entrada libre
Fotografìas y textos por Román Quiroz
Sueño de una tarde dominical
en la Alameda Central
22
erónimo López Ramírez, mejor conocido como
“DR. LAKRA” es tatuador, grafitero y sin lugar a
duda un trasgresor de la imagen. En esta ocasión
llega a la Ciudad de México con esta muestra homónima de su trabajo, que tiene como principal
característica el uso de revistas, postales, posters
de películas y fotografías, en las cuales el artista
de lo “grotesco” como muchos lo han llamado ha
plasmado un singular y muy particular estilo basado en algunos movimientos como son el arte
urbano y el Pop Art.
Después de haber expuesto su obra en ciudades como Boston, Puebla y Monterrey, “DR. LAKRA”
ha consolidado su trabajo a nivel internacional haciendo una irreverente critica a los estereotipos de
la belleza femenina, los hábitos de consumo de la
sociedad y un descarado uso de de la sexualidad en
la mayor parte de sus piezas.
MUSEO MURAL DIEGO RIVERA
Balderas y Colon. Centro Histórico
Abierto de martes a domingo.
$15.00
Entrada gratuita a estudiantes, maestros e INAPAM.
Domingos entrada libre
E
l Museo Mural Diego Rivera, construido en el año de 1986, tuvo
como objetivo primordial albergar el que quizá sea una de las
obras más emblemáticas del muralista mexicano, esto debido a que
anteriormente se encontraba en el interior del hotel del prado el
cual sufrió daños muy graves a consecuencia del terremoto de 1985
que afecto severamente a la ciudad de México.
Para poder trasladarlo tuvo que recortarse la pared que sostenía
al mural y posteriormente se usó una estructura metálica para soportar las doce toneladas que pesa. La obra lleva por nombre Sueño de
una tarde dominical en la Alameda Central, y fue mandada a pintar
en 1946 para dicho hotel, se terminó en 1947. En él se muestran
los diferentes personajes y protagonistas de la historia de México,
teniendo como fondo la imponente Alameda Central.
1942
D.R. © 2012 Banco de México, Fiduciario en el Fideicomiso relativo a los Museos Diego Rivera
y Frida Kahlo. Av. 5 de mayo No. 2, Col. Centro, Del. Cuauhtémoc 06059, México, D.F.
El 26 de marzo de 1960, murió en la Ciudad de México, el pintor zacatecano Francisco Goitia,
contemporáneo de José María Velasco y Julio Ruelas; un artista extremadamente introvertido, creador del
célebre cuadro Tata Jesucristo.
<
5 Siglos
Julio Ruelas.La crítica, ca. 1907 (detalle)
de
ARTE MEXICANO
T A C U B A
C E N T R O
C I U D A D
8
H I S T Ó R I C O
D E
M É X I C O
M A R T E S
A
D O M I N G O
9 / 3 0
A
1 7 / 3 0
H R S .
E S T A C I O N E S
D E
M E T R O
C E R C A N A S
B E L L A S
A R T E S
Y
A L L E N D E
20
12
24
1942
Los talleres son principalmente para niños y jóvenes y ofrecen oportunidades para crear piezas que se relacionan
con las temporales.