Unidad I

UNIDAD I
ARTE E HISTORIA DEL ARTE
PLAN:
I.- INTRODUCCIÓN AL ARTE Y A LAS ARTES
II.- INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
I.- INTRODUCCIÓN AL ARTE Y A LAS ARTES
1. ¿QUÉ ES EL ARTE?
Es una función esencial del hombre, indispensable tanto al individuo como a la sociedad. El arte y
el hombre son indisociables. No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin arte.
Por él se expresa el hombre más completamente, se comprende y se desenvuelve mejor. Por él, el
mundo se hace más inteligible. Es el medio de un perpetuo intercambio con lo que nos rodea.
Acto de comunicación
Actividad formativa
(Técnica)
Función
esencial del
hombre
Forma de
expresión
Forma de
conocimiento
1
CUADRO SINÓPTICO
Explicación de este cuadro sinóptico:
• El arte es una función esencial del hombre.
–Porque está basada en dos cualidades esencialmente humanas que son el conocimiento lúcido (la
capacidad para conocer, comprender y preguntarse sobre el mundo exterior) y el sentido de calidad (aspiración de
lograr la realización de los valores, Ej.: la justicia, verdad, el bien, la belleza).
–Porque es una actitud presente en todas las sociedades.
• El arte es una forma de conocimiento que resulta de confrontar al mundo por una vía irracional, intuitiva o
sensible en la que el artista genera una imagen mental (forma formante) que será el punto de partida para la
creación de la obra de arte.
• El arte es una forma de trabajo, es decir, una actividad creativa que se realiza con la materia para transformarla
de acuerdo a determinadas técnicas (en este terreno, los artistas siempre se encuentran en la encrucijada entre
tradición o innovación) y con una finalidad expresiva. Su producto es la obra de arte.
• El arte es una forma de expresión de la psicología del artista.
• El arte es un fenómeno de comunicación que representa similares características con el lenguaje.
- Esquema de de funcionamiento de un acto de comunicación
- Esquema de funcionamiento del arte como acto de comunicación
2
2.- OTROS CONCEPTOS VINCULADOS CON EL CONCEPTO DE ARTE
o
• Belleza – Es una noción abstracta ligada a numerosos aspectos de la existencia humana, con respecto
al arte ha tenido un valor cambiante con respecto a cada época de la historia (el arte no siempre buscó la
belleza).
o
• Gusto – Es la sensibilidad en contextos artísticos o estéticos; que por analogía se compara al sentido
del gusto en vez de a los sentidos implicados en la contemplación de las bellas artes (la vista en las artes
visuales o el oído en la música).
o
• Estética – Es la rama de la filosofía que reflexiona sobre la belleza, el arte y el gusto. Por extensión se
denomina estética al conjunto de valores artísticos que caracterizan a determinado estilo. (Ej.: estética
griega, estética gótica, estética manierista).
o
• Sublimación – Capacidad que tiene el arte en trascender la materia, de convertirla en un medio de
expresión que comunica sentimientos, ideas, visiones del mundo. El concepto de sublimación
también expresa la capacidad de asombro, atracción, de admiración y entusiasmo que genera la
obra de arte en el espectador.
o
• Artesanía – Se refiere tanto al trabajo del artesano (normalmente realizado de forma manual por una
persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones), como al objeto o producto obtenido en el que
cada pieza es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo
en serie o industrial. Para muchas personas, la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte.
Para otros es una continuación de los oficios tradicionales, en los que la estética tiene un papel destacado
pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante.
• Diseño – Se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de
una solución en cualquier campo. Utilizado habitualmente en el contexto de
la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas creativas.
Referente al signo, significación, designar es diseñar el hecho de la solución encontrada. Es el resultado
de la economía de recursos materiales, la forma, transformación y el significado implícito en la obra, su
ambigua apreciación no puede determinarse si un diseño es un proceso estético correspondiente al arte
cuando lo accesorio o superfluo se antepone a la función o solución del problema.
El acto humano de diseñar no es un hecho artístico en sí mismo, aunque puede valerse de los mismos
procesos en pensamiento y los mismos medios de expresión como resultado; al diseñar un objeto o signo
de comunicación visual en función de la búsqueda de una aplicación práctica, el diseñador ordena y
dispone los elementos estructurales y formales, así como dota al producto o idea de significantes si el
objeto o mensaje se relaciona con la cultura en su contexto social.
- DISEÑO ARQUITECTÓNICO: que consiste en concebir
y proyectar espacios habitables para el ser humano
(edificios, parques, plazas públicas, casas, etc.)
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DISEÑO DE ESPACIOS: que es una especialización del Diseño Arquitectónico y se ocupa de concebir y
realizar proyectos de uso / adecuación de los espacio de acuerdo a necesidades específicas de su utilidad
(comercial, habitacional, lúdica, educativa, laboral, etc.)
- DISEÑO INDUSTRIAL: que consiste en concebir y
proyectar objetos de producción industrial para el uso
humano (desde una cuchara hasta la carrocería de un
automovil o el fuselaje de un avión, pasando por
muebles, herramientas, artefactos, etc.)
- DISEÑO GRÁFICO: que consiste en concebir y configurar mensajes visuales significantes (logotipos y
marcas, carteles, revistas, portadas de libros, websites, etc.). Conforma una nueva visión en cuanto a la
creación de objetos, trayendo como consecuencia un cambio en el orden cultural, que se sustrae a una
imagen que se tiene del mundo. Finalmente, en cuanto al Diseño Gráfico se refiere propiamente, las ramas
principales de su actividad son:
-
DISEÑO EDITORIAL: todo lo que tiene que ver con la creación de productos impresos, en
especial revistas, periódicos y libros.
- DISEÑO CORPORATIVO: todo lo que tiene que ver la creación de logotipos, marcas e identidad
visual de compañías, personas, organizaciones y productos.
- DISEÑO DE EXPOSICIONES: todo lo que tiene que ver con la creación de stands o layouts de
exposición para tiendas, ferias, convenciones, actividades culturales y museos y galerías (en cuyo
caso también se suele referir como "Museografía").
- DISEÑO DE ARTE: que se ocupa mucho en la producción escénica, fímica y TV y tiene que ver
con el diseño de escenografías y estilos visuales de producción.
- DISEÑO PUBLICITARIO: todo los objetos de comunicación visual relacionados con la promoción
y difusión de mensajes comerciales.
- DISEÑO DIGITAL: que se ocupa del desarrollo y creación de imágenes mediante medios
digitales.
- DISEÑO FOTOGRÁFICO: también conocido como "fotodiseño" y que tiene que ver con la
creación de imágenes mediante medios fílmicos (fotografía y cine, más que nada).
- ILUSTRACIÓN: que consiste en aplicar las técnicas y métodos de las artes plásticas
(principalmente pintura) a la creación de imágenes para ilustrar conceptos específicos en
cualquier canal de comunicación (actualmente se usa mucho en medios impresos e interactivos).
- EMPAQUE Y EMBALAJE: que se ocupa de la creación de los envases, empaques y etiquetas
de los productos de consumo, tanto visualmente como también a nivel del diseño del objeto en sí
(la "cajita", la "botella", etc.)
-DISEÑO DE MODA: que consisten en proyectar y realizar prendas
accesorios para vestir (ropa, zapatos, joyería, etc.)
y
4
- DISEÑO TEXTIL: que es una rama derivada de la combinación de
algunos métodos del Diseño Gráfico con algunos otros del Industrial
y el de Modas, y consiste en concebir y configurar telas y patrones
para la industria textil (estampados, hilados, bordados, fibras, etc.)
3.- LA OBRA DE ARTE
A. Forma y contenido:
Lo obra de arte es un objeto material que ha ganado un carácter significativo como consecuencia
del trabajo del artista; por lo tanto en su naturaleza coexisten dos componentes que son: Forma y
Contenido.
B. Factores de los que depende la obra de arte:
La creación de la obra de arte, así como los estilos y la actividad artística en general, están
influenciadas por distintos factores, cuya modificación los hace evolucionar. De otra manera se
puede decir que el acto de creación, el arte y los estilos se van modificando en el transcurso de
la historia.
LA PLASTICA
LO VISUAL
ESTETICA
IDEAS, SENTIMIENTOS,
VALORES, CONCEPCION
DEL MUNDO, ETC
MEDIO
ESPECIFICO
IDEAS
Factores intelectuales
5
4.
EL ARTE Y LAS ARTES
El Arte es un actividad de múltiples facetas que se desarrolla a través de distintas
expresiones que son Las Artes ( pintura, escultura, arquitectura etc ).
Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una necesidad del hombre de
expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos, Los griegos antiguos
dividían las artes en superiores y menores, siendo las artes mayores aquellas que permitían gozar
las obras por medio de los sentidos superiores, vista y oído, con los que no hace falta entrar en
contacto físico con el objeto observado. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura,
música, poesía y danza. Esa es la razón por la que el cine es llamado a menudo hoy, el séptimo
Arte.
Las artes menores, según ello, serían las que impresionan a los sentidos menores, gusto, olfato y
tacto, con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y algo que
podríamos llamar cariciería, nombre que si bien suena un poco raro, se manifestaría en la
sensación experimentada por toda persona en el momento de tocar un objeto con una superficie
especialmente agradable.
A.
Una clasificación tradicional de las artes:
Arquitectura
Artes
Mayores
Grabado
Dibujo
Fotografía
Mosaico
Vitraux
Pintura
Espacio
Escultura
De acuerdo al
uso de su
medio
específico, las
distintas artes
se pueden
agrupar en 3
categorías:
Artes Menores
(Artes Aplicadas
o Decorativas)
Tiempo
Civil
Militar
Religiosa
Artes
Visuales
Relieve
De bulto
Cerámica
Orfebrería
Ebanistería
Marroquinería
Plumería
Joyería
Azulejería
Música
Literatura
Espacio / Tiempo
Danza
Cine
Artes escénicas
Artes
Interpretativas
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B.- Superación de esta rígida clasificación (y separación) en el siglo XX.
5.- LA OBRA DE ARTE DESDE EL PUNTO DE VISTA FORMAL: LAS CATEGORÍAS
FORMALES.
A – Concepto:
Forma y contenido son los dos aspectos esenciales de la obra de arte. Sin embargo para
apreciar el significado de la obra de arte nuestro primer contacto con ella se produce por medio
de los sentidos que nos informan sobre su aspecto formal. Las categorías formales son
conceptos que han sido creados y son utilizados por la crítica y la Historia del Arte para
clasificar las obras desde el punto de vista formal.
También indican las distintas posibilidades que tienen los artistas cuando crean sus obras en
relación con el mundo exterior.
Las más usadas tradicionalmente han sido las siguientes: REALISMO, NATURALISMO,
ABSTRACCIÓN E IDEALISMO. También se usan con menos frecuencia los conceptos de
ARCAISMO, CLASICISMO, MANIERISMO, ACADEMICISMO, BARROQUISMO,
EXPRESIONISMO o SURREALISMO.
B – Cuatro categorías formales tradicionales:
– Realismo: (representar las cosas tal como son)
– Pintura holandesa del siglo XVII: Vermeer, Rembrandt.
– Pintura realista del S. XIX: Daumier, Courbet.
– Naturalismo: (representar las cosas tal como se ven: mímesis, imitación)
– Plástica griega del S. V a.C.: Mirón, Policleto, Fidias.
– Arte del alto renacimiento: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
– Idealismo: (representar las cosas tal como deberían ser)
– Neoclasicismo (S. XVIII y XIX: David)
– Neoplasticismo: Piet Mondrain (S. XX)
– Abstracción: (representar las cosas de forma simplificada por medio de la
geometrización o la estilización). Se puede desarrollar en dos variantes:
– Abstracción Geométrica: que recurre formas pre-establecidas (cuadrado,
círculo, etc) que dan por resultado una especie de congelación del objeto.
Por ejemplo El constructivismo de Torres García.
– Abstracción Estilizada (estilización): que recurre a la síntesis de la forma
por medio de la línea espontánea, preponderantemente curva, dando por
resultado un objeto más vital .
Por ejemplo H Matisse.
Cuadro sinóptico de las Categorías Formales Tradicionales
7
Ejemplos de estilos que se encuentran en la
equidistancia entre dos categorías formales:
 Naturalismo - Idealismo:
Escultura Griega S. V a.C. (Estilo Clásico Pleno):
En este período, los escultores griegos lograron el equilibrio entre el naturalismo y el idealismo
al representar la figura humana de forma verosímil pero con una belleza, proporción y expresión
que no se aprecia en la vida real.
Zeus de Histaea - (autor desconocido S. V a.C.)
Atenea Lemnia – (Fidias, Siglo V a. C.)
Discóbolo – (Mirón de Eleuteras, 455 a. C.)
El Doríforo – (Policleto, 450 - 445 a. C.)
8

Naturalismo Realismo
Pintura Holandesa del siglo XVII (Barroco Burgués):
Los pintores holandeses del siglo XVII como Vermeer de Delft, eran burgueses y
trabajaron para la burguesía. Cultivaron distintos géneros como el paisaje, el retrato y el
bodegón. Todos con una representación fiel de la naturaleza y sin idealizaciones. Modelos y
paisajes aparecen tal como eran con lo feo, lo lindo, lo vulgar y lo agradable.
Paisaje de Delft
La Joven de la Perla
El Geógrafo
La Lechera
Todas obras de Johannes Vermeer
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 Realismo y Abstracción
El Cubismo (Comienzos del siglo XX):
El Cubismo es una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX. Fue creado por el
pintor español Pablo Picasso junto con los franceses George Bracque y Juan Griss.
Buscaron crear un arte diferente, más expresivo que el que se hacía por entonces,
inspirándose en las formas artísticas de los pueblos primitivos de Africa y España.
Las Señoritas de la Calle
Avignon – Picasso, 1907
En este caso, una de las
primeras obras calificadas
como “Cubista”, el pintor
español consigue, mediante la
abstracción dar una visión
intensa de la realidad.
Guernica
Guernica – Pablo Picasso, 1937
10
 Abstracción e Idealismo
Neoplasticismo (Holanda a partir de 1917 ) - Piet Mondrian:
El Neoplasticismo es otro de los primeros movimientos de Vanguardia de comienzos del
siglo XX . Fue creado por los artistas holandeses Piet Mondrian y Teo Van Doesgburg
durante la Primera Guerra Mundial. La finalidad del movimiento y su creación artística
estaba basada en el Ideal de crear un Arte nuevo y universal para el mundo nuevo
que habría de desarrollarse después de la Gran Guerra.
Piet Mondrian logra que sus obras sean tan idealistas como abstractas.
El abandono de todo tema o referencia figurativa al mundo real, el uso de los colores
primarios y las formas geométricas puras le dan su carácter Abstracto.
La búsqueda del equilibrio, de la racionalidad y de la serenidad señalan su carácter
Idealista. En su “Composición en rojo, azul y amarillo” ( 1917 ) vemos reflejados ambos
conceptos.
Composición en rojo, azul y amarillo - Mondrian
Brodway Boogie Woogie - Mondrián
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EL REALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE
El Realismo es una forma de representación que consiste en materializar el concepto que el
artista tiene de la cosa representada, implica una expresión de lo que el artista piensa sobre el
objeto. Se diferencia de la idealización por su apego a las cosas concretas y particulares.
Se distingue del naturalismo porque en algunos casos no imita las apariencias sino que las
modifica, las exagera o las recrea por medio de la fantasía para representar lo que el objeto es.
El realismo no implica necesariamente la representación naturalista. Por ejemplo la caricatura,
que se basa en la estilización, es fundamentalmente realista. A lo largo de la Historia del Arte el
realismo se ha presentado con distintas variantes.
EJEMPLOS HISTÓRICOS DEL REALISMO:

EL REALISMO CONCEPTUAL DE LAS PRIMERAS CIVILIZACIONES DEL
CERCANO ORIENTE: ARTE EGIPCIO MESOPOTAMICO O PERSA.
Esta es una forma de representación propia de las Civilizaciones Primitivas o culturas arcaicas.
Se aprecia tanto en las representaciones de la pintura como de la escultura (Relieve y Bulto
redondo) de la civilización de Egipto, Mesopotamia o Persia. Consistía en representar los
objetos no como se ven, sino como se sabe que son. Esto implica una visión antinaturalista,
racionalista y convencional de la figura.
Un ejemplo del Arte Egipcio: La escultura del Reino Antiguo
La Estatua Sedente del Faraón Kefrén
- Museo del Cairo, aprox. 2400 a.C)
Características:
 Ley de la frontalidad: la obra está
realizada para ser vista de frente.
 Hieratismo: ausencia de expresividad y
rigidez en la actitud.
 Belleza ideal: formas vigorosas,
proporción esbelta, juventud.
 No se desarrolla la profundidad , el
tallado es superficial..
 Uso de símbolos
 La posición es convencional.
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Otro ejemplo del Arte egipcio. La Pintura de la XVIII dinastía: La cacería en el pantano.
Tumba de Nebamón. 1400 a.C.
 La temática de la pintura egipcia era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas
de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo.
 Hay numerosas representaciones de plantas y animales.
 Los personajes de mayor importancia (faraón, sacerdotes, etc.) se pintaban en mayor tamaño que los
de menor categoría. Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil,
quedando únicamente de frente el tronco y los ojos.
 Otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de colores planos, es decir, sin
degradar o difuminar.
 Por otra parte, los hombres se representaban con piel más oscura que los de las mujeres.
Nebamun ostentaba el título de escriba y contador de granos. Esta escena es una de las más conocidas de
su tumba. Es una caza en los pantanos, y la escena se encontraba en la capilla de su tumba en Tebas.
Data de la Dinastía XVIII. Se lo muestra cazando aves en un pequeño bote con su esposa y su hija, en las
marismas del Nilo Occidental. Los jeroglíficos nos relatan como el difunto disfrutaba de la belleza de la
naturaleza. Esto es más que una simple imagen de la recreación. Pantanos fértiles fueron vistos como un
lugar de renacimiento y divertimento. La caza de animales podría representar Nebamun triunfal sobre las
fuerzas de la naturaleza. Su figura domina la escena, siempre triunfal, alegre, joven. Originalmente había otra
mitad de la escena, pero lamentablemente se ha perdido. Un gato pardo captura aves entre los tallos
de papiro. Los artistas han llenado todos los espacios con detalles vivos. El pantano está lleno de flores de
loto, mariposas y aves. Están pintadas en forma libre, y sobresale la hermosa textura de sus alas.
Se expone actualmente en el Museo Británico, sala 61. Medidas 83 cm de altura, 98 cm de ancho y 22 cm
de espesor.
13
Un ejemplo del Arte Mesopotámico:
El estandarte de Ur - Mosaico de Lapislázuli y concha del pueblo sumerio (aprox. 2600 a.C)
El arte mesopotámico revela
características similares al arte
egipcio. Ante todo fue como aquel
instrumento de la vida religiosa y
como él se expresó en un lenguaje
que rechaza las apariencias
episódicas y fugitivas de los
objetos y seres, buscando las
estructuras y el orden más allá de
lo contingente; los mesopotámicos
eligieron como forma de expresión
artística el Realismo Conceptual.
El arte mesopotámico estaba
también dominado por las
convenciones, entre ellas la ley de
la frontalidad y la división del
espacio en registros. Como el arte
egipcio, recibió influencia de la
prehistoria, y conjugó en sus
creaciones plásticas el relato visual
con la creencia en el valor mágico
de la imagen.
No obstante, el arte mesopotámico
es un arte original que manifiesta
una creatividad diferente a la
egipcia. Contrariamente a lo que
secesión
en Egipto,
El estandarte de Ur es una de las piezas más
llamativas
de lasMesopotamia
artes figurativas mesopotámicas.
no
conoció
la
escultura
La pieza fue encontrada en lasTumbas Reales de Ur, junto con otros objetos muy valiosos. Se
monumental,
de tumbas
data en torno al año 2.600 a.C. Artísticamente
su calidadcareció
es extraordinaria
colosales
y
no
utilizó
la
en
y desde el punto de vista temático también es excepcional, ya quepiedra
sus imágenes
nos permiten
sus
construcciones
religiosas
y
acercarnos a la cotidianeidad de la sociedad sumeria: entre la paz y la guerra
civiles; sus artesanos crearon
de resonancia
arte en sellos
Es un objeto de madera, probablemente laobras
caja de
de yunmosaicos,
instrumento musical.
sus
arquitectos
desarrollaron
la embutido con betún.
Mosaico. La incrustación consiste en dos materiales, conchas y lapislázuli,
arquitectura
palaciega
y
sus
- Longitud 47cm x 20cm.
escultores se manifestaron en
- Cerca del 2.600 a. C.
forma muy diferente a la plástica
- British Museum de Londres.
egipcia.
CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS Y TEMÁTICAS:
Estereotipo humano sumerio:

Pequeña estatura.

Canon desproporcionado: cabeza y ojos grandes.

Viste faldilla larga de lana.

Muchos rasgos de representación arcaicos.

Ley de la frontalidad. Torso frontal y cabeza y piernas de perfil.

Jerarquía de tamaño. El rey más grande que sus súbditos.

Geometrización de las formas. Ausencia de detalles.

Rigidez. Falso movimiento: pierna adelantada, pero planta del pie pegada al suelo

Falta profundidad a la escena. Los personajes se colocan uno a
continuación de otro sin solaparse (excepción con los animales).

Descontextualización. Las escenas se desarrollan sin referencia a un espacio físico.
14
 EL REALISMO MÍTICO DEL ARTE PRECOLOMBINO DE MESOAMÉRICA.
Arte Teotihuacano:
Teotihuacan es una zona arqueológica situada en la cuenca de México, a unos 45 km
del Distrito Federal, cuyo contenido supuso el centro cultural y religioso más importante
del Altiplano Central, habitado desde 500 años antes de la era cristiana hasta el año 650,
cuando el lugar empezó a ser abandonado.
Este enorme conjunto (cuyo centro ceremonial ocupó unos 32 km cuadrados) ofrece un arte
propio y peculiar en lo que se refiere a arquitectura, escultura, pintura, cerámica y artesanía en
general. Durante la época en que Teotihuacan alcanzó el mayor auge, su cultura y su arte
influyeron en gran medida sobre los pueblos vecinos que a su vez lo expandieron hasta zonas,
por lo que no es extraño encontrar en otros lugares representaciones del arte teotihuacano.
El arte teotihuacano representa la cultura y el modo de vida de sus pobladores. Es un arte
austero, hierático, un arte que demuestra en sus formas una gran sobriedad, todo muy
apropiado para el lugar santo que lo recibía. Es de carácter simbólico, de un simbolismo muy
amplio, que se diferencia bastante con otras artes mesoamericanas cuyos pueblos llegaron a
representar muy gráficamente escenas de guerra (como en Cacaxtla) o retratos (como los
mayas). Un tema muy recurrente en el arte teotihuacano es culto al agua, elemento
indispensable para una sociedad asentada en un lugar con poca disponibilidad del líquido pero
que dependía completamente de la agricultura.
Mascarón de Quetzalcóatl - 750 d.C.
15
Arte Azteca:
El pueblo azteca fue un pueblo muy buen escultor ya que podían realizar esculturas de todos los
tamaños en las que plasmaban temas religiosos o de la naturaleza. Captaban la esencia de lo
que querían representar y luego realizaban sus obras con todo detalle.
En las esculturas más grandes solían representar dioses y reyes. Las más pequeñas las
utilizaban para representaciones de animales y objetos comunes.
Los aztecas utilizaron la piedra y la madera y a veces decoraban las esculturas con pintura de
colores o incrustaciones de piedras preciosas.
En cuanto a la orfebrería, debido a sus conocimientos de física, los aztecas emplearon varias
técnicas como fundir el oro con la plata y demás.
Normalmente el metal se combinaba con piedras preciosas como la turquesa, la amatista, el
jade o el cristal de roca o con conchas.
Además elaboraban todo tipo de figuras y adornos para sus cuerpos como pulseras, collares,
pendientes, etc.
La pintura en el pueblo azteca aparece ligada a la arquitectura. El color tiene un papel
fundamental. Se trata de un color plano, sin matices ni sombras y, posiblemente con
connotaciones simbólicas.
Otro rasgo del arte azteca son los adornos hechos con plumas, que tuvieron gran importancia en
América Central. Las plumas más apreciadas eran las del quetzal (verdes) las del tlauquecholli
(rojas) y las del xiuhtototl (azul turquesa). Con estas plumas realizaban tapices y adornaban
mantas, máscaras de rituales, escudos o trajes de guerreros.
La Piedra del Sol - S. XV d.C.
La Diosa Coatlicue - S. XV d.C.
16

EL REALISMO HISTÓRICO: EL RELIEVE HISTÓRICO ROMANO.
Estilo romano realista de la época imperial (S. II d.C.)
´
La Columna de Trajano
Relieves del Arco de Tito
 EL REALISMO SOCIAL DEL SIGLO XIX.
Pintura Realista del siglo XIX (G. Courbet )
El vagón de tercera clase – Honore Daumier (1860)
El Angelus - François Millet (1864)
La Insurrección. Honoré Daumier, (1860)
Pastora con su Rebaño. François Millet, (1864)
Entierro en Ornans - Gustave Courbet (1848)
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E.- EL NATURALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE
El Naturalismo es la forma de representación que consiste en imitar (del griego mímesis) las
formas de la naturaleza en su aspecto óptico o visual. Implica la representación de la
organicidad de los seres vivos y - en las artes bidimensionales como la pintura y el dibujo - la
ilusión del volumen (modelado) y el espacio (perspectiva).
EJEMPLOS HISTÓRICOS DE NATURALISMO:

EL ARTE DEL ALTO RENACIMIENTO EN ITALIA: Finales del s. XV, comienzos del
s. XVI.
LA ESCULTURA Y LA PINTURA DE MIGUEL ÁNGEL
La Piedad (1498 - 1499)
Moisés (1513-1515)
La Creación de Adán (1511)
El David (1507)
18
LA PINTURA DE RAFAEL
La Bella Jardinera (1507)
La virgen del Jilguero (1507)
La Escuela de Atenas (1510 - 1511)
19
LA PINTURA Y EL DIBUJO DE LEONARDO DAVINCI
El Hombre Vitrubio (1487)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
La Gioconda (1503 - 1506)
La Última Cena (1495 - 1497)
20
F.- EL IDEALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE
El Idealismo es una forma de representación que consiste en la expresión de conceptos abstractos de
carácter universal (belleza perfecta, armonía, equilibrio, proporción).
Se distingue del naturalismo (las cosas como se ven) y del realismo (las cosas como son) porque
representa las “esencias” y los “universales”.
EJEMPLOS HISTÓRICOS DEL IDEALISMO:

LA ESCULTURA GRIEGA DEL SIGLO IV a. C. EL ESTILO CLÁSICO TARDÍO:
El Apoxiomenos – Lisipo

Venus de Cnido – Praxíteles
Hermes de Olimpia - Praxíteles
ESCULTURA ROMANA DE LA ÉPOCA IMPERIAL. ESTILO IDEALISMO, NEO-ÁTICO (SIGLO
I Y III D.C ):
Augusto de la Prima Porta
21

ESTILO NEOCLÁSICO: FINES DEL S. XVIII, COMIENZOS DEL S. XIX.
LA ESCULTURA NEOCLÁSICA DE ANTONIO CANOVA
Eros y Psiqué (1787 - 1793)
Paulina Bonaparte como Venus Victrix (1807)
LA PINTURA NEOCLÁSICA DE JACQUES - LOUIS DAVID
El juramento de los Horacios (1783 - 1784)
La Muerte de Marat (1793)
22
G.- LA ABSTRACCIÓN
EN LA HISTORIA DEL ARTE
La Abstracción es una forma de representación que consiste en simplificar, estilizar o no representar los
objetos de la naturaleza. Mientras se reconozcan imágenes que evoquen a los objetos de la naturaleza
hablamos de Abstracción Figurativa.
Existe una Abstracción Geométrica o Estilización (que recurre a formas espontáneas, menos rígidas, más
libres entre las que predominan las curvas).
En su forma más extrema la abstracción puede llegar a no representar ningún objeto reconocible de la
naturaleza, en este caso se denomina Abstracción no Figurativa.
EJEMPLOS HISTÓRICOS DE ABSTRACCIÓN

LA ABSTRACCIÓN EN LA PREHISTORIA: EL ARTE MOBILIAR DEL ESTILO FRANCO –
CANTÁBRICO: LA VENUS PALEOLÍTICAS
La Venus de Willendorf - Paleolítico (30.000 a.C.), Abstracción Estilizada.

La abstracción en el Arte americano precolombino de Mesoamérica:
Dios Tláloc
(abstracción
geométrica)
Mascarones
de la
Serpiente
Emplumada
(abstracción
estilizada)
Decoración escultórica del templo de Quetzalcóatl
en Teotihuacán (750 d.C.)
La escultura de la Diosa Chalchiuhtlicue
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
La abstracción en el Arte Islámico (Arte hispano musulmán de la Edad Media):
Patio y fuente de los Leones, Palacio de La Alambra - España. S XIV d.C.

Abstracción geométrica, no figurativa y estilizada
(arabesco) en la decoración de los pórticos.
Leones de la fuente. Abstracción
estilizada y figurativa.
Abstracción geométrica pura, no
figurativa, en la decoración
de los zócalos de azulejos de los muros
del patio (también denominada
arabesco).
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LA ABSTRACCIÓN Y SUS VARIANTES EN EL SIGLO XX
FIGURATIVA
NO FIGURATIVA
GEOMÉTRICA
EXPRESIONISTA
GEOMÉTRICA
EXPRESIONISTA
(Cubismo)
Piccaso
(Constructivismo)
Torres García
(Fauvismo)
H. Matisse
(Nueva figuración)
Francis Bacon
(Neoplasticismo)
Mondrian
(Minimalismo) Judd, Sol Lewit
(Op art) Vassarely
Vasarely
(Pintura Abstracta)
Kandinsky
(Action Painting)
J. Pollock
RACIONALISMO
OBJETIVISMO
VOLUNTAD DE
ORDEN
ESPONTANEIDAD
ESTILIZACIÓN
SUBJETISMO
DEFORMACIÓN
EXPRESIONISTA
RACIONALISMO
OBJETIVISMO
VOLUNTAD DE
ORDEN
IRRACIONALISMO
MANCHA Y LINEA
OBJETUALES
IMPULSO
SUBJETIVISMO
25
II. - INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
1. CONCEPTO DE HISTORIA DEL ARTE
La Historia del Arte es una rama de la Historia; ciencia social que tiene por objetivo el estudio de las
sociedades humanas en el pasado.
Por lo tanto la Historia del Arte utiliza los mismos conceptos que la Historia para estudiar la evolución de
las expresiones artísticas en el pasado.
Estos conceptos son:
- Los vinculados con el tiempo: diacronía (sucesión), sincronía (simultaneidad), período (época, siglos,
milenios, décadas).
- Los vinculados con la organización de las sociedades: organización política, organización económica,
organización social y cultural (que comprende los usos, costumbres, creencias y expresiones artísticas).
- Los vinculados con el trabajo del historiador: fuentes históricas (documentos escritos, tradición oral y los
restos materiales), hechos históricos, causalidad, cambio y continuidad.
CUADRO SINÓPTICO SOBRE LA HISTORIA Y EL TRANBAJO DE LOS HISTORIADORES
26
2 – ESCUELAS Y TENDENCIAS o MÉTODOS DE LA HISTORIA DEL ARTE.
1ra
Denominación
Biografica
Tiempo
Siglo XVI
Autores
Giorgio Vasari
‘’La vida de los
mas excelentes
pintores’’
Hipólito Taine
Jacob Burckhardt
2da Historicismo
Siglo XIX
3ra
Puro visualismo
(escuelas formalistas)
Comienzos del
siglo XX
Wolffin
Riegl
Focillón
4ta
Iconología
Siglo XX
Erwin Panofsky
5ta
Sociología del arte
Siglo XX
Arnold Hauser
6ta
La psicología del arte
Siglo XX
Rudolf Arnheim
Concepción del arte
Arte= Producto del
genio
Arte= Producto de la
Historia (condicionado
por factores sociales,
culturales y
económicos)
Arte= Una expresión
fundamentalmente
formal
Arte= Una integración
de forma y contenido
3 niveles:
*Pre iconográfico
*Iconográfico
*Iconológico
Arte= Producto de las
condiciones sociales
Arte= Fenómeno de
comunicación visual
significativo
condicionado por las
leyes de la
percepción humana.
27
3 – EL ESTILO: CONCEPTO FUNDAMENTAL DE LA HISTORIA DEL ARTE
A.- ¿QUÉ ES EL ESTILO?
La historia del arte es fundamentalmente una historia de los estilos artísticos. El estilo es la forma
característica del arte de una época, de una cultura o de un artista. En la apreciación de los estilos los
historiadores del arte reconocen elementos formales y no formales. (Ver cuadro.)
Elementos no Formales
El Estilo
Griego: Columna
Latín: Punzón
Elementos Formales
28
B. ANÁLISIS BIOLÓGICO DE LOS ESTILOS: LAS CATEGORÍAS FORMALES DE FOCILLÓN
- Henry Focillón resume su trabajo fundamentalmente en la obra “ La vida de las formas” que fué
publicado en 1934. Focillón entiende el arte como la unión entre forma y contenido; sin embargo, a pesar
de considerar ese dualismo, da protagonismo absoluto a la forma.
- La forma sería por tanto, lo que define al estilo, pero los estilos evolucionan formalmente siguiendo un
proceso similar al proceso vital.
Fase Clásica
(Clasicismo)
Madurez
Fase Académica
y Manierista
(Clasicismo y
Manierismo)
Crisis
Fase Arcaica
(Arcaísmo)
Juventud
Fase Barroca
(Barroquismo)
Vejez
29
ARCAÍSMO
ESTILO SEVERO
CLASICISMO
EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA
EVOLUCIÓN
DEL ROSTRO
ESTILO SEVERO:
AURIGA DE DELFOS
CABEZA DE
KUROI ARCAICO
2º CLASICISMO: HERMES
HELENISMO: LAOCOONTE
30
FASE
Características Formales
Severidad
ARCAICA
CLÁSICA
sencillez
expresividad simple y franca
Esquematismo
Realismo conceptual
Convencionalismo
Frontalidad
Decorativismo
Antinaturalismo
Equilibrio entre percepción y creación
Naturalismo (imitación de la percepción visual)
Idealismo
Racionalismo
Serenidad
Equilibrio entre emoción y racionalidad
Ejemplos
Grecia
Edad Media
Estilo Arcaico
Estilo
Románico
Siglo VIII-VI
a.c.
Siglo X al XII
Otros
Civilizaciones pre-colombinas
Estilo Clásico
(S. V a.c.)
Mirón
Fidias
Policleto
Estilo Gótico
(S. XIII d.c)
Arte Romano ( I a.c.)
idealismo neo-ático)
Catedrales de
Arte del alto Renacimiento
Chartres,
Neoclásico (XIX)
Amiens, Reims
Arte Italiano del S XVI
llamado: Manierismo Académico
Ruptura de la comunicación del artista con el
mundo exterior.
Inspiración e imitación de obras clásicas.
ACADEMICA Reglas rígidas, preestablecidas, determinan el
trabajo artístico.
Naturalista e idealista
Frialdad, refinamiento, artificiosidad.
Ruptura de la comunicación del artista con el
mundo exterior.
Búsqueda de alternativas a las "soluciones
clásicas"
Naturalista e idealista
MANIERISTA
Artificiosidad
Amaneramiento
Clásico Tardío
(IV a.c.)
Praxíteles
Lisipo
Scopas
Gótico
Flamígero
(XIV)
Gótico
internacional
(XIV)
Arte egipcio del Tell el Amama
Arte Europeo(XVI)
Parmigianino, B.Cellini,
Gianbolonia(It.)
El Greco(España)
Escuela de Fortaine bleu
Gusto por "lo grotesco". Mezcla extraña de
cosas reales, desagradables y extravagantes.
Composiciones basadas en la "línea
serpentina"
Rococó (XVIII)
(Franc.)Fragonard; Broucher;Watte
BARROCA
Restablecimiento de la comunicación del artista
con el mundo exterior.
Naturalista y realismo
Complejidad compositiva
Exceso de elementos decorativos.
Dinamismo
Fantasía
Efectismo
Fuertes contrastes
Riqueza formal
Arte Helenístico
(III y I a.c.)
Gótico Tardío
(XV- XVI)
Relieve histórico
Roma Imperial
Arte europeo del siglo XVII
31
B 1 – Fase Arcaica:
En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su:
* Severidad.
* Sencillez.
* Expresividad simple y franca.
* Esquematismo.
* Realismo conceptual.
* Frontalidad.
* Decorativismo.
* Antinaturalismo.
Ejemplos de Arcaísmo en la Historia del Arte:

Escultura Griega Arcaica (S. VIII al VII a.C.):
Kouros
Koré del Peplos
– Atenas S. V a.C.
La Dama de Auxerre
El Moscóforo
32

Escultura y pintura de la Edad Media de Occidente:
El Estilo Románico (S. X al XII):
El Cristo Pantocrátor de San Clemente de Tahul
Tímpano de la Portada de la Iglesia San Pedro de Moissac
33

El Arte Egipcio
La Máscara funeraria de Tutankamón
Anubis Abriendo la Boca del Faraón
Escenas de Caza en los Pantanos – Tumba de Nakht
Escriba Sentado
Estatua Sedente del Faraón Kefrén
34

Arte Mesopotámico (III al I milenio a.C.)
Cabeza de Bronce del Rey Sargón el Antiguo

La Estela del rey Hammurabi
Relieves de guerra y caza Asirios:
Relieve del Rey Asurbanipal
Relieve Asirio de Caza
35
EL ARCAISMO EN EL ARTE PREHISPÁNICO DE LOS ANDES ENTRALES (PERÚ ANTIGUO)
• ARTE CHAVIN:
- Chavín es una civilización preincaica que se desarrolló durante el Horizonte Temprano y tuvo su centro
de desarrollo en Chavín de Huántar que está ubicado entre los ríos Mosna y Huachecsa, en el
actual departamento de Ancash en el Perú.
- El desarrollo histórico de Chavín esta considerado como un “Horizonte Cultural” debido a sus
influencias artísticas y religiosas presentes en otras culturas contemporáneas a ella.
- Chavín tiene un origen amazónico debido a las múltiples representaciones de la iconografía selvática en
sus manifestaciones artísticas especialmente en la cerámica. En su máximo apogeo Chavín de Huántar,
centro principal chavín, actual Patrimonio Cultural de la Humanidad, fue un importante centro ceremonial
y centro de irradiación cultural cuya influencia se extendió por gran parte de la costa y sierra de los andes
peruanos.
- La cultura chavín tiene como expresión artística propia el desarrollo de una serie de manifestaciones
arquitectura, escultura y cerámica, de otro lado, los pobladores de Chavín también trabajaron algunos
metales como el oro la plata y el cobre, la piedra, la madera, el hueso y las piedras preciosas. La piedra
fue empleada en la construcción de viviendas, esculturas y la fabricación de utensilios como vasijas,
batanes y morteros. Usaban la madera y el hueso en la fabricación de lanzas, espátulas, puñales y
armas arrojadizas. Y con las piedras preciosas como el cuarzo, el lapislázuli y el azabache, hacían
espejos y multitud de objetos de adorno.
La Estela Raimondi (Dios de los Báculos)
Recipiente de
estribo-pico con el
ornamento de
desplazamiento
La cerámica chavín
tiene una forma
globular con asa
estribo y base plana.
El oro de Chongoyape
Los chavines practicaron
la orfebrería, trabajando
en diversos metales como
el oro y la plata.
36
ARTE DE TIAHUANACO:
- La cultura Tiahuanaco es la que corresponde a una nación preincaica que durante su período de
mayor expansión se distribuía en parte de lo que ahora son Bolivia, Chile y Perú. Comprendía casi todo
el altiplano denominado meseta del Collao hasta la costa del océano Pacífico por el oeste y
el chapare por el este. Su capital y principal centro religioso fue la ciudad de Tiahuanaco, ubicada en las
riberas del río homónimo en el actual departamento de La Paz en Bolivia.
- Sus artes variaron en perfección y estilos de acuerdo a las eras cronológicas y su cercanía con la
capital. La arquitectura monumental tiahuanaquense engloba características megalíticas. En el año 2006,
fueron descubriertas más de una centena de piezas cerámicas escultóricas de gran perfección y colorido,
por lo que todavía se discuten algunos aspectos sobre la periodización del arte cerámico de la cultura
Tiahuanaco. También destacaron en el arte textil con predominio del uso de fibras de los camélidos
andinos.
Monolito Ponce en Tiwanaku
Puerta del Sol
Templo semisubterraneo de Kalasasaya
(dentro del complejo arqueológico de Tiwanaku)
37
ARTE MOCHICA:
- La cultura Moche, también llamada cultura mochica, es una cultura arqueológica del antiguo Perú que
se desarrolló entre el 200 y el 700 d. C. en el valle del río Moche (actual provincia de Trujillo, La
Libertad). Esta cultura se extendió hacia los valles de la costa norte del actual Perú.
- La cerámica fue el medio de expresión más común del arte mochica. Los artesanos fabricaron objetos
de uso doméstico y ceremonial. Las vasijas ceremoniales se ofrecían a los muertos y a los dioses para
rendirles culto, por eso se elaboraban con la arcilla más fina y tenían un acabado más delicado. Las
formas más utilizadas fueron las botellas con asa estribo, mientras que los colores predominantes fueron
el ocre y el crema. La iconografía mochica se caracteriza por la recurrencia de escenas complejas y se
destacan las de la vida cotidiana, las agrícolas, las religiosas (ritos de iniciación), las militares (captura y
sacrificio de prisioneros), las de pesca (matanza de lobos marinos), las de ganadería (cacería de
venados) y otras de danzas, de talleres de arte textil y de homenaje a jefes. Paralelamente, la sociedad
Moche creó un arte naturalista en el que destacan los huacos-retrato.
- Las pinturas murales: en muchas de las paredes de los grandes centros ceremoniales se han
encontrado pinturas murales de sentido eminentemente religioso, pues representan a personajes divinos.
Especialmente importantes son los murales de la Huaca de la Luna y del complejo El Brujo. El mural más
famoso de la Huaca de la Luna representa a un personaje antropomorfo conocido como el «Demonio de
las Cejas Prominentes». En El Brujo hay un gran mural que representa una procesión de prisioneros
desnudos y unidos por una soga que caminan hacia su destino final: la muerte que les dará el
«Decapitador».
- La orfebrería y la metalurgia: Los mochicas fueron espléndidos orfebres. Utilizaron el oro, la plata, el
cobre y sus distintas aleaciones; la aleación más empleada fue la tumbaga (mezcla de oro y cobre). Para
fundir el metal usaban hornos; luego, esperaban que el metal estuviese frío y lo golpeaban hasta
convertirlo en una lámina. Después, lo cortaban o doblaban. Por último, lo decoraban con punzones
usando la técnica del repujado. Los orfebres Moche fabricaron objetos utilitarios como agujas y anzuelos,
así como objetos suntuarios destinados a los miembros de la elite, como narigueras, pectorales, orejeras
y sonajas.
Huaco erótico
Huaco retrato: Varón con tocado
Dios moche Ai Apaec
(representado en un muro de la huaca de la luna)
Cuchillo de oro
38
ARTE CHIMÚ:
- Chimú o Chimor es una cultura del antiguo Perú surgida en la costa norte tras el decaimiento
del imperio Wari entre los años 1000 y 1200 dC. Ocuparon los territorios que antes habitaron
los mochicas, llegando a expandir sus dominios, en su etapa de mayor desarrollo, por toda una extensa
franja del norte del Perú, desde Tumbes hasta el valle de Huarmey.
- Los chimúes se destacaron en el plano urbanístico gracias a sus formidables construcciones. Muestra
de ello son edificaciones como la ciudadela de Chan Chan, la muralla chimú, la fortaleza de Paramonga,
entre otras. Así también se destacaron por sus adornos y objetos fabricados, en los que utilizaron una
diversidad de técnicas y metales para su elaboración.
- Cerámicas: Los cerámicos chimúes cumplieron dos funciones, como recipientes para uso diario o
doméstico y los cerámicos de uso ceremonial o para ofrendas de los entierros; los primeros fueron
elaborados sin mayor acabado mientras los funerarios muestran bastante dedicación. Las principales
características de las vasijas chimúes son una pequeña escultura en la unión del gollete con el arco, su
fabricación moldeada para la cerámica ceremonial y modelada para uso diario, su coloración
generalmente negro metálico con algunas variantes, su brillo característico se obtenía humeando la
vasija que previamente había sido pulida.
- Artesanías: Los artesanos chimúes trabajaron los metales en talleres divididos en secciones para cada
caso del tratamiento especializado de los metales; trabajaron el enchapado, el dorado, el estampado, el
vaciado a la cera perdida, el perlado, la filigrana, el repujado sobre moldes de madera, etc. Con todas
estas técnicas elaboraron gran cantidad de objetos como vasos, cuchillos, recipientes, figuras de
animales sólidas o vacías, brazaletes, alfileres, coronas, etc. Para realizar las aleaciones recurrieron a
combinaciones de ácidos que se encontraban naturalmente.
-- Arquitectura: La arquitectura ha permitido definir que los gobernantes vivieron en los palacios y recintos
monumentales, mientras el pueblo residió en viviendas de quincha con habitaciones pequeñas y fuera de
la arquitectura monumental. La decoración de las paredes es en base a frisos modelados en relieve, y en
algunos casos, pintada. Los diseños son de figuras zoomorfas, como peces y aves, así como de figuras
geométricas. Era de forma policroma.
Muros de la ciudadela de Chan Chan
Vaso Ceremonial Chimu de Oro
con Incrustaciones de Esmeraldas
Tumi Chimu
39
B2 – Fase Clásica:
En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su:
* Equilibrio entre percepción y creación.
* Naturalismo.
* Idealismo.
* Racionalismo.
* Serenidad.
* Equilibrio entre lo racional y la emoción.
Ejemplos:

Estilo Griego Clásico
Decoración escultórica del Partenón
El friso de las panateneas (Jónico)
40
El friso dórico (centauromaquía, amazonomaquía, gigantomaquia, escenas de la
Guerra de Troya) – Obra del taller Fidias.
El Discóbolo – Mirón
La Colección Elgin – Fidias
El Doríforo - Policleto
41

Estilo Gótico Clásico (S. XIII d.C.)
Catedral de Amiens
Le Beau Dieu
Catedral de Chartres
Catedral de Reims
El Ángel Sonriente
42
La Anunciación

La Visitación
Arte Romano de la época Imperial (S. I a.C. al III d.C.)
El Idealismo Neo-ático:
Augusto de Prima Porta
Friso del Altar de la Paz
43

Arte del Alto Renacimiento (comienzos del S. XVI)
- Miguel Ángel:
La Creación de Adán
David
La Piedad
Moisés
El tondo Doni (La Sagrada Familia)
- Leonardo Da Vinci:
Santa Ana, la Virgen y el Niño
La Gioconda
44
La Última Cena
- Rafael:
La Fornarina
La Donna Velatta
La Virgen del Jilguero
La Escuela de Atenas
45

Estilo Neoclásico (fines del S. XVIII):
-
J. D. Ingres: La apoteosis de Homero
- Jaques Louis David
Juramento de los Horacios
El Asesinato de Marat
46
B3 – Fase Académica:
En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su:
* Inspiración e imitación de obras clásicas.
* Reglas rígidas, pre-establecidas, determinan el trabajo artístico.
* Naturalista e idealista.
* Frialdad, refinamiento, artificiosidad.
* La creación artística manifiesta una ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior.
Ejemplos:

Arte Italiano del S. XVI llamado Manierismo Académico.
El Martirio de San Lorenzo – Agnolo Bronzino
 La pintura académica francesa del S. XIX
El academicismo es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo
XIX y que responde a las instrucciones de la academia. Algunos de pintores académicos fueron
Borgerau, Chaplin, Grosz, Gerome.
47
B4 – Fase Manierista:
En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su:
* Ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior.
* Búsqueda de alternativas a la “solución clásica”.
* Naturalismo e idealismo.
* Artificiosidad.
* Composiciones en la línea serpentina,
* Gusto por “lo grotesco”.
* Mezcla extraña de cosas desagradables y extravagantes.
Ejemplos:

Arte Griego Clásico Tardío (S. IV a.C.)
El Apoxiomenos – Lisipo
- Praxíteles:
Apolo Sauróctono
Praxíteles
Hermes y Dionisos Niño
48
El Manierismo en la Edad Media:
 Arte Gótico Internacional (S. XIV)
Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry – Limbourg

Arte Gótico Flamígero (S. XIV)
Saint Maclou
49

Arte Egipcio de Tall El Amarna (S. XIV a.C.)
Cabeza de Princesa Real
Relieve hundido de Akenatón y su familia
Reina Nefertiti, Esposa de Amenofis IV (S. XIV a.C.)
El trono de oro del Faraón Tutankamón (respaldo)
 Arte Europeo S. XVI llamado Manierismo Libre.
- Italia
La Virgen del Cuello Largo – Parmigianino
Rapto de las Sabinas - Gianbologna
50
- Bembenuto Cellini:
Perseo Sosteniendo la Cabeza de Medusa
Salero de Francisco I de Francia
Entierro del Conde de Orgaz – El Greco
51

Estilo Rococó. Francia (S. XVIII)
El Columpio – Fragonard
El Indiferente - Watteau
Retrato de Mademoiselle Louise O’Murphy – Boucher
52
B5 – Fase Barroca:
En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su:
* Naturalismo y realismo.
* Complejidad compositiva.
* Dinamismo.
* Efectismo. Teatralidad.
* Fuertes contrastes.
* Riqueza formal.
* Es el resultado del restablecimiento de la comunicación del artista con el mundo exterior.
Ejemplos:

Arte Griego Helenístico (S. III – I a.C.)
El Laocoonte – Escuela de Rodas
Niké de Samotracia
Galo Moribundo
Venus de Milo
Galo Suicida
53
l Arte Europeo del S. XVII. El estilo Barroco.
La Vocación de San Mateo – Caravaggio (Barroco Italiano)
Las Meninas - Diego Velázquez (Barroco Español)
La Ronda Nocturna de Rembrandt (Barroco Holandés)
FIN DE LA UNIDAD I
54