ARTE RENACIMIENTO ITALIANO

TEMA 10. EL RENACIMIENTO ITALIANO
Introducción
El renacimiento surge en Florencia, Italia, en el siglo XV (Quattrocento) y se desarrolla
en toda Europa durante el siglo XVI (Cinquecento).
Surge en una época de grandes cambios en la sociedad que suponen el fin de la Edad
Media y el principio de la Edad Moderna: El teocentrismo que había dominado la época
anterior es sustituido por un pensamiento humanista, a nivel político surgen los
estados, a nivel económico los burgueses se transforman en banqueros y se establece el
capitalismo. Se inventa la imprenta, se desarrolla la ciencia y se producen grandes
descubrimientos.
El arte pierde su finalidad didáctica y recupera su función estética. Los artistas, en su
propósito de crear obras bellas, recurrirán y se inspirarán en el arte de la antigüedad
clásica.
Junto a la Iglesia, que sigue demandando arte religioso, los nobles y los burgueses,
rivalizaron por poseer obras de arte profano para decorar sus casas, palacios y jardines,
convirtiéndose en grandes mecenas (protectores). En Florencia destaca la familia de los
Médici, grandes banqueros que gobernaron la ciudad durante generaciones.
Finalmente, el Renacimiento supone la lucha de los artistas para cambiar su
consideración de meros artesanos a intelectuales. Este logro hará que aumente su
prestigio y valoración y que algunos alcancen la categoría de genios.
10.1. ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA
Características
• Predomino de la horizontalidad y retorno a las proporciones a escala humana,
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frente a la verticalidad y monumentalidad del gótico.
Edificios de planta rectangular o basilical.
Recuperación del muro y las columnas como elementos sustentantes.
Se generaliza el uso del arco de medio punto, las bóvedas de cañón, las cubiertas
adinteladas y las cúpulas.
Se vuelven a utilizar los órdenes clásicos, los entablamentos y los tímpanos.
Tipos de edificios:
- Religiosos: iglesias y capillas
- Civiles: palacios
Elementos decorativos:
- Tondos o medallones
- Pilastras
- Balaustradas
- Motivos a candelieri
Cronología del arte renacentista
• Quattrocento: etapa de iniciación
• Cinquecento:
- Clasicismo: periodo de culminación.
- Manierismo: transición al barroco.
Quattrocento: principales arquitectos y edificios significativos
Filippo Brunelleschi (1377-1446)
Considerado el renovador del nuevo estilo en Florencia. Escultor y platero en su
juventud, cambiará su actividad por la de arquitecto al viajar a Roma y observar
los monumentos clásicos. Descubrió los principios de la perspectiva cónica.
Su obra más emblemática será la Cúpula de la catedral de Florencia. La obra se
levanta sobre el crucero de la catedral gótica cubriendo un diámetro similar al del
Panteón romano (42 metros) pero de un porte más esbelto convirtiéndose en la
primera gran obra del Renacimiento que trataba de emular al arte clásico por lo
que se convirtió en el símbolo de la orgullosa república de Florencia. Se alza sobre
un tambor octogonal, tiene una sección ligeramente apuntada y está rematada
por una linterna.
Pero donde utilizó ya un lenguaje renacentista, prestando gran atención a las
proporciones matemáticas y utilizando elementos clásicos fue en la Iglesia de San
Lorenzo, encargada por Lorenzo de Médici o en la Capilla Pazzi. También
construyó edificios civiles como el Palacio Pitti o el Hospital de los inocentes,
mostrando el mismo interés por la proporción, la armonía y primando la
horizontalidad.
León Bautista Alberti (1404-1472)
Pertenece a la segunda generación de artistas del Quattrocento. Es el segundo
gran innovador de la arquitectura. Era sacerdote y secretario de varios papas,
hombre culto, se formó en Roma y fue un humanista enamorado del arte clásico
antiguo. Interesado constantemente por la búsqueda de reglas, tanto teóricas
como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artista. Es autor de un tratado
de arquitectura “De re aedificatoria”. Proponía una estética basada en los modelos
clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes de los
edificios.
La obra más importante de Alberti es la iglesia de San Andrés de Mantua. La
fachada está constituida por el grandioso arco que encierra la portada, flanqueado
por pilastras corintias, inspirada en los arco de triunfo romanos. La bóveda de
cañón que recubre este vano está decorada con casetones clásicos. La estructura
interior del edificio recuerda a los edificios romanos de la última época, como la
Basílica de Majencio.
En Florencia realizó dos obras importantes: el Palacio Rucellai con una fachada
sometida a un riguroso orden geométrico; la horizontalidad de los tres pisos se
rompe con pilastras verticales que combinan los órdenes clásicos: toscano, jónico
y corintio. En la Fachada de Santa María Novella resuelta con perfecta
proporción matemática, anticipa el prototipo de fachada barroca con dos cuerpos
coronados por un frontón triangular y unidos por grandes volutas o aletones.
Cinquecento: principales arquitectos y edificios significativos
Durante el Cinquecento la capital cultural de Italia se traslada de Florencia a Roma y
los papas se convertirán en los grandes mecenas de los artistas.
El primera mitad del siglo XVI supondrá el triunfo del clasicismo, el domino de la
armonía, una tendencia al purismo que se caracteriza por la ausencia de
ornamentación y la preferencia por los edificios de planta centralizada y cubiertos por
cúpulas.
Donato D´Angelo Bramante (1445-1514)
Primeras obras las realiza en Milán y se caracterizan por el uso abundante de
ornamentación hasta que en 1500 se traslada a Roma y entra en contacto directo
con la arquitectura clásica.
Su primera obra en Roma el templete de San Pietro in Montorio, encargado por
los Reyes Católicos para conmemorar la conquista de Granada (1492). Inspirado en
los tholos clásicos, está considerado uno de los edificios más armoniosos del
Renacimiento, dada su pureza de lineas y austeridad decorativa. Bramante planeó
un patio con columnas que lo rodease pero abandonó el proyecto cuando el papa
Julio II en 1502 le encarga la construcción de la nueva Basílica de San Pedro.
El proyecto de Bramante consistía en un templo de planta de cruz griega con
cuatro ábsides iguales y una gran cúpula central. El proyecto no llegó a verse
concluido por su fallecimiento y será modificado por arquitectos posteriores.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Prototipo del artista del Renacimiento, arquitecto, escultor y pintor. De origen
florentino, despertó la admiración de sus contemporáneos que le consideraban un
genio y le calificaron de divino.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y
Roma, al servicio de sus grandes mecenas, la familia Médici y diferentes papas
romanos.
En Florencia, los Médici le encargan la Fachada de la iglesia de San Lorenzo, obra
que finalmente no se llevará a cabo, la Capilla Funeraria de los Médici, donde se
advierte la influencia de la Capilla Pazzi de Brunelleschi, y la Biblioteca
Laurenciana, en cuyo acceso tuvo que resolver el problema de construir una
entrada majestuosa acorde con el interior del recinto sobre un espacio muy
reducido. Para ello traza una escalera de triple acceso en la que los elementos
desarrollan un papel de dinamismo y efectos visuales (Manierismo y preludio del
Barroco).
En Roma realizó proyectos de urbanismo, como el diseño de la Plaza del Capitolio.
Pero su gran obra fue la terminación de la Basílica de San Pedro. Retornó al plan
centralizado de Bramante convirtiendo la cúpula en el punto central del edificio.
La cúpula de 42 metros de diámetro y 131 de altura está inspirada en la que
Brunelleschi levantara un siglo antes para la catedral de Florencia. Se levanta
sobre un tambor que alterna ventanas y columnas de gran plasticidad y se remata
con una linterna. Servirá de modelo a las cúpulas romanas del Barroco.
Los arquitectos de la segunda mitad del siglo XV, a pesar de basar su arquitectura en la
utilización de elementos clásicos, rechazan las normas a favor de la libertad individual
y la búsqueda de un lenguaje propio y original. Esta tendencia se conoce como
Manierismo y propiciará la aparición del Barroco.
Giacomo Vignola (1507-1573) y Giacomo della Porta (1540-1602)
Vignola fue discípulo de Miguel Ángel y el encargado de acabar la Basílica de San
Pedro y terminar la construcción de la cúpula tras su muerte.
Su obra más importante es la Iglesia del Gesú en Roma, encargada por los jesuitas,
inspirada en San Andrés de Mantua.
La fachada de la Iglesia es obra de Giacomo de la Porta, colaborador de Miguel
ángel y discípulo de Vignola. El diseño se inspira en Santa María Novella de
Alberti y marca la pauta de las portadas barrocas posteriores con dos cuerpo
unidos por aletones y rematada por un frontón.
Andrea Palladio (1508-1580)
Trabajó en el norte de Italia: Venecia y sus alrededores. Se le considera uno de los
principales arquitectos del Manierismo. Sus villas y palacios campestres influirán
de manera importante en el Neoclasicismo.
Entre sus obras destacan la Iglesia de San Giorgio Maggiore y, sobre todo, Villa
Capra, también conocida como “La Rotonda”
10.2. ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA
Características
• Se valora la perfección de las formas y el cuidado de las proporciones en la
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representación del cuerpo humano, así como el estudio de la anatomía y el
movimiento.
Materiales: el mármol y el bronce, por influencia de los modelos clásicos.
Temas: siguen predominando los temas religiosos, pero empiezan a desarrollarse
también los profanos: mitológicos, históricos y alegóricos.
Se recuperan las tipologías del el arte clásico: el desnudo, el retrato o la estatua
ecuestre.
El relieve renacentista muestra preocupación por captar el espacio y la
profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la perspectiva:
Relieve pictórico (SCHIACCIATO).
Quattrocento: principales escultores y obras significativas
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Comenzó su actividad artística como orfebre. En 1401 ganó el concurso para
decorar las Segundas puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. El
trabajo duró más de veinte años y consistió en veintiocho escenas sobre la vida de
Cristo y otros temas religiosos. La magnitud de la obra requirió la creación de un
taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante
medio siglo.
En 1425 recibe el encargo de las Terceras puertas del Baptisterio. Está decorada
con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo
Testamento para las que desarrolla una técnica completamente distinta que
podemos definir como relieve pictórico. La admiración de estas puertas será tan
grande durante el Renacimiento que Miguel Ángel llegó a calificarlas como las
Puertas del Paraíso, nombre con el que se las sigue conociendo.
Donatello (1386-1466)
Es el más importante y fecundo escultor del Quattrocento. Aprendió el oficio en el
taller de Lorenzo Ghiberti. Su obra combina elementos góticos como el gusto por
la expresividad y la planeación de emociones con otros propios ya del lenguaje
clásico: uso del contraposto, desnudos, retrato ecuestre.
Es uno de los creadores del estilo renacentista junto con Brunelleschi, Alberti y
Masaccio.
Su obra más importante es El David, realizado para la familia Médici. Representa
al héroe bíblico, rey de los judíos, después de vencer al gigante Goliat, cuya cabeza
aparece a sus pies. El joven aparece desnudo (uno de los primeros desnudos del
Renacimiento). Su figura guarda el equilibrio clásico, al estar en contraposto.
Simboliza al joven héroe virtuoso, que es capaz de vencer al tirano no por la
fuerza sino por la astucia y la inteligencia. La serenidad del personaje y la
ausencia de dramatismo también son propios de un lenguaje clásico.
Otra de sus obras destacadas es el retrato del Condotiero Gattamelata. Escultura
de bulto redondo realizada en bronce, una de las primeras y más importantes
estatuas ecuestres de todo el Renacimiento. Inspirada en el retrato ecuestre de
Marco Aurelio. Su representación de María Magdalena penitente, realizada en
madera, es el mejor ejemplo del arte expresivo típico de la última etapa del artista.
Andrea del Verrocchio (1435 -1488)
Influyente escultor, orfebre y pintor del Renacimiento italiano. Trabajó en la corte
de Lorenzo de Médici en Florencia.
En su taller se formaron grandes artistas del Renacimiento como Leonardo da
Vinci, Ghirlandaio o Botticelli. Su obra se caracteriza por un afán permanente de
expresividad, demostrada con las acciones y los gestos de los personajes .
Sus obras más famosas denotan la influencia de Donatello como el David o el
Condotiero Colleoni.
El David es un encargo de Lorenzo y Juliano de Médici. Es menor de edad, y está
vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello, altivo
en su victoria. La belleza algo gótica, idealista, de los rasgos está más cercana en
espíritu al Gótico que al innovador Donatello.
El Condotiero Colleoni es una estatua ecuestre fundida en bronce, llena de
dinamismo y expresividad.
Cinquecento: principales escultores y obras significativas
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Prototipo del artista del Renacimiento, arquitecto, escultor y pintor. De origen
florentino, despertó la admiración de sus contemporáneos que le consideraban un
genio y le calificaron de divino.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y
Roma, al servicio de sus grandes mecenas, la familia Médici y diferentes papas
romanos.
Todas sus esculturas están realizadas en mármol y revelan un perfecto
conocimiento de la anatomía, lo que le permite representar fielmente todos los
detalles del cuerpo humano: másculos, venas, tendones… Encierran un
movimiento en potencia, presentan un aspecto grandioso y monumental y en
algunas de ellas se puede apreciar una expresión llena de vigor que se denominó
terribilitá.
De su amplia producción escultórica destacaremos algunas obras:
La Piedad del Vaticano, realizada con apenas veinte años, destaca por su
serenidad y su composición equilibrada.
El David representa al héroe bíblico desnudo justo en el momento previo a lanzar
la piedra contra el gigante Goliat. Se trata de una obra de más de cuatro metros de
altura con la que logró sorprender a todos sus contemporáneos.
La Tumba de Julio II se proyectó como un monumento de tres pisos con más de
cuarenta esculturas pero la muerte del papa y el encargo de nuevos proyectos
hizo que la obra se fuera posponiendo y cambiando. Del proyecto original, solo
llegó a realizar la estatua sedante de El Moisés, una de sus obras más
importantes , y Los Esclavos que actualmente se encuentran en el Museo del
Louvre y que evidencian la influencia que la escultura del Laocoonte provocó en
el escultor.
Las tumbas de los Médici, encargadas por el papa Clemente VII, se trata de dos
monumentos funerarios en los cuales aparecen los retratos de Juliano y Lorenzo
de Médici sentados flanqueados por dos figuras alegóricas que hacen referencia al
paso del tiempo y que reposan sobre los sarcófagos funerarios.
La Piedad Florentina es una obra de su última época, destinada para ser colocada
sobre su tumba y en la que el mismo Miguel Ángel se autorretrato en la figura de
Nicodemo. La serenidad de su primera piedad se ha convertido aquí en
inestabilidad por la postura serpenteante de Cristo que anuncia el manierismo.
Benvenuto Cellini (1500-1571)
Escultor y uno de los orfebres más demandados del Renacimiento. Entre sus
obras destaca Perseo degollando a la Medusa que refleja el nuevo lenguaje
manierista.
Juan de Bolonia (1529-1608)
Es otro de los máximos representantes del manierismo. Uno de los intereses de su
escultura es la representación del movimiento que anuncia la llegada del Barroco
y que es evidente en obras como El rapto de la sabias o El Mercurio.
10.3. PINTURA RENACENTISTA ITALIANA
Características
• El objetivo de la nueva pintura será reproducir el mundo real tal como lo perciben
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nuestros ojos, superando la “mirada interior” propia del arte medieval.
Representación realista de la figura humana, los espacios y los objetos.
Utilización del perspectiva lineal para simular el espacio tridimensional y la
profundidad.
Uso de la luz para representar el volumen.
Temática: Pinturas religiosas (en iglesias y capillas) y, cada vez más, los pintores
reciben encargos de la temática mitológica, los retratos y las representaciones de
temática histórica encargadas por nobles y burgueses para sus villas y palacios.
Técnica: domina la pintura mural al fresco, pero también existe pintura sobre tabla
primero al temple y luego al óleo por influencia flamenca.
Quattrocento: principales pintores y obras significativas
En la primera parte del siglo XV conviven dos tendencias: una arcaizante de influencia
gótica, representada por Fra Angélico y otra de carácter innovador, iniciada por
Masaccio, que explora los nuevos campos de la perspectiva lineal descubierta por
Brunelleschi. Fra Angélico (1387-1455)
Fraile dominico florentino. Sus obras, plenas de espiritualidad, estarían
vinculadas por con la tradición gótica por el uso de fondos dorados o la
estilización de las figuras, así como cierta tendencia al decorativismo. Un buen
ejemplo de su estilo sería la Anunciación del Museo del Prado, pintada al temple
sobre tabla, en la que sin embargo también muestra interés por la perspectiva y la
profundidad.
Masaccio (1401-1428)
Renuncia al gótico, convirtiéndose en el gran innovador de la pintura. Concentra
su atención en dotar de volumen a las figuras siguiendo los pasos del Giotto, pero
fundiéndolas mejor en los escenarios y valiéndose del uso de la luz y de los
descubrimientos de Brunelleschi sobre la perspectiva lineal para crear obras de
carácter realista y escultórico.
Sus pinturas más importantes son los frescos de la Capilla Brancacci de la iglesia
de Santa María del Carmine de Florencia. En el fresco de la Trinidad de la iglesia
de Santa María la Novella de Florencia introduce una nueva forma de
representación espacial, situando la escena en una arquitectura pintada.
En la segunda mitad del siglo XV se opta por una pintura un tanto más alegre y
anecdótica así como se empieza a notar el empleo del óleo por influencia flamenca, en
alternancia con el hasta entonces casi exclusivo uso del temple. Entre los artistas de
esta época podríamos citar a Fra Filippo Lippi o Dominico Ghirlandaio. Pero el más
original de los artistas florentinos de este periodo será Sandro Botticelli. Fuera del
círculo florentino destaca Andrea Mantegna
Sandro Botticelli (1444-1510).
Artista florentino se formó con Fray Filippo Lippi y frecuentaba el taller de
Andrea Verrocchio donde trabajó junto a Leonardo da Vinci.
Desarrollo un estilo muy personal basado en el dinamismo de las líneas que
confieren a su pintura un tono elegante y decorativo muy del gusto de su
principales mecenas: los Médici para los que Botticelli será su pintor favorito.
Es un pintor culto, de exquisita sensibilidad, obsesionado por una belleza etérea,
delicada, plagada de mensajes filosóficos. .
Sus obras de temática clásica y mitológica tendrán gran aceptación entre sus
contemporáneos e inaugurarán una tendencia con gran desarrollo en la pintura
posterior.
Gran dibujante, en sus cuadros, predomina la línea sobre el color en un dibujo de
línea ondulantes que forman arabescos. con las que realiza especialmente figuras
femeninas idealizadas cargadas de melancolía.
Al contrario que los pintores de la etapa anterior, muestra poco interés por la
representación de la perspectiva.
Entre sus obras destacan el Nacimiento de Venus o La Consagración de la
Primavera, ambas pintadas para los Médici y en la actualidad en la Galería de los
Uffizi.
Andrea Mantegna (1431-1506)
Principal representante de la escuela de Padua. Su pintura, de excelente dibujo, se
caracteriza por la monumentalidad, el sentido escultórico y el dominio de la
perspectiva, a la que contribuyen los violentos escorzos que imprime a sus figuras.
Entre sus obras debemos destacar el Cristo muerto de Milán y El Tránsito de la
Virgen del Museo de El Prado.
Cinquecento: principales pintores y obras significativas
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Nació en Florencia y se formó en el taller de Verrocchio. Prototipo de hombre
universal, interesado por el arte, las humanidades y la ciencia.
Sus aportaciones más importantes a la pintura fueron la perspectiva aérea y el
sfumato, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y
precisos.
Entre sus obras pictóricas podemos destacar:
La Virgen de las rocas que describe el encuentro de la Virgen y el niño Jesús con
San Juan Bautista dentro de una gruta durante la huída a Egipto. Existen dos
versiones del cuadro, una en el Louvre y otra en la National Gallery.
La Última Cena es una pintura mural pintada para el refectorio del covento de
Santa María de las Gracias de Milán. Leonardo realiza profundas innovaciones en
un tema tradicional, eligiendo el momento en que Cristo anuncia a los Apóstoles
la inminente traición, produciendo una gran inquietud entre los personajes
maravillosamente representada.
La Mona Lisa o Gioconda es una de sus obras más conocidas. Se trata de un
retrato femenino de tres cuartos entre idealizado y realista del que el pintor
nunca se desprendió y en el que trabajo en varias épocas de su vida.
La pintura solo fue uno de sus campos de interés. Su curiosidad le llevó a estudiar
medicina, óptica, anatomía, geología, cartografía… Fruto de todos estos estudios
son sus cuadernos con miles de dibujos.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Prototipo del artista del Renacimiento, arquitecto, escultor y pintor. De origen
florentino, despertó la admiración de sus contemporáneos que le consideraban un
genio y le calificaron de divino.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y
Roma, al servicio de sus grandes mecenas, la familia Médici y diferentes papas
romanos.
Su pintura se caracteriza por el estudio del cuerpo humano: su anatomía y su
movimiento que le lleva a prescindir de todo lo anecdótico y a no mostrar interés
por la perspectiva ni el paisaje en sus fondos.
Su obra más importante es la decoración de la Capilla Sixtina que realizó en dos
épocas distintas:
Bóveda de la Capilla Sixtina, realizada entre 1508 y 1512. El tema principal es la
historia de la creación y escenas de la vida de Noé. Junto a estas escenas aparecen
profetas y sibilas y una gran cantidad de personajes masculinos desnudos que
enmarcan las escenas.
El juicio final, pintado ya en su madurez, veinte años después que la bóveda, con
un lenguaje que puede considerarse ya manierismo por su dramatismo, la
anatomía deforme de algunas sus figuras y los escorzos y complicadas posiciones
que adquieren los personajes.
Rafael Sanzio (1483-1530)
Es el más joven de los tres grandes maestros del clasicismo. Sus obras representan
el mejor ejemplo del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno, basado
en el perfecto uso de de la luz, la composición y la perspectiva.
Comenzó a pintar con Il Perugino, con quien colaboró en la realización de
importantes obras. Más tarde se trasladó a Florencia, donde recibió la influencia
del estilo de Leonardo y Miguel Ángel.
El papa Julio II lo llamó a Roma para trabajar como arquitecto y pintor. Murió el
día en que cumplía treinta y siete años.
Su obra más importante será la decoración de las Estancias Vaticanas que dejó
inacabada a causa de su muerte prematura. El encargo era muy extenso lo que
obligó a Rafael a ir contratando cada vez más discípulos y ayudantes, de modo
que hoy no es fácil distinguir de que mano proceden las obras. La más importante
de estas pinturas al fresco es La Escuela de Atenas que decora la Estancia de la
Signatura. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una
reunión de los filósofos y sabios clásicos. El edificio donde se celebra la reunión
recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Es
significativo el hecho de que Rafael aproveche los personajes del fresco para
retratar a los grandes maestros del arte del Cinquecento, así podemos identificar a
Leonardo, a Miguel Ángel, a Bramante o al propio Rafael, entre otros.
Además de un gran pintor al fresco , fue un gran retratista. Sus retratos suelen ser
de medio cuerpo y la posición en que coloca a los retratados es en un leve escorzo
lo que ayuda a crear profundidad. Entre sus retratos podemos destacar El
Cardenal que se exhibe actualmente en el Museo del Prado.
La Pintura Veneciana del siglo XV
En la rica y cosmopolita república de Venecia, a medio camino entre oriente y
occidente, tendrá lugar el florecimiento de una importante escuela de pintura con
personalidad propia.
Características:
• El predomino absoluto del color sobre el dibujo.
• El protagonismo de los paisajes en el cuadro que se llena de luces y es tratado con
gran minuciosidad.
• Pintura refinada, elegante y cortesana, que exalta la riqueza por medio de la
representación de ambientes palaciegos, telas, joyas... todo ello de una gran
proyección posterior. Giorgione (1477-1510)
Fundador de la escuela, introduce en su pintura la pincelada suelta sin dibujo
previo y da gran importancia a los paisajes que sirven de fondo a sus figuras.
Entre sus obras destacan La Venus dormida y La tempestad.
Giorgione murió prematuramente de peste, siendo su amigo y colega Tiziano
quien continuó su experiencia sobre la luz, el color y la atmósfera.
Tiziano (1488-1576)
Es el más importante y completo de los maestros venecianos, a su perfecto
dominio del color se une sus portentosas facultades para el retrato de corte
(refinado, elegante, altivo y aristocrático) que creará escuela en Europa
convirtiéndose en retratista cortesano de fama internacional.
Su carácter polifacético le lleva a pintar además de infinidad de retratos, obras
religiosas y numerosas obras mitológicas.
Obras:
Sus composiciones mitológicas destacan por la sensualidad de sus desnudos
femeninos, los lujosos interiores y el uso de los paisajes como se puede apreciar en
El concierto campestre, La Bacanal, Venus y la música, Danae recibiendo la
lluvia de oro o la Venus de Urbino.
Como retratista, Tiziano alcanzó fama ya en su juventud. Este género pictórico, al
que dedicó la mayor parte de su producción, fue el que le abrió las puertas de la
aristocracia europea. Sus retratos emanan una gran elegancia compositiva y
denotan un estudio psicológico del personaje. Sus clientes más importantes fue
Carlos V para el que realizaría el Retrato ecuestre del Emperador en la Batalla de
Mühlberg. Esta obra se pintó para conmemorar la victoria en Mühlberg de las
tropas imperiales sobre las protestantes. La aparente sencillez de la composición
esconde una compleja simbología que muestra al Monarca en su doble condición
de caballero cristiano y heredero de la tradición imperial romana.
Veronés (1528-1588)
Se le considera creador, junto con Tiziano, de un gusto suntuoso y colorista, que
en Venecia se prolongó hasta el siglo XVIII. Es el pintor del lujo y el refinamiento.
Sus cuadros son auténticas crónicas sociales de la Venecia de su tiempo,
ambientadas en fondos arquitectónicos muy sugerentes.
Su obra más significativa es Las bodas de Caná.
Su estilo influyó en pintores posteriores, como Rubens, Tiepolo y otros pintores
del Barroco.
Tintoretto (1518-1594)
Es el más colorista y complejo de los pintores venecianos. Rompió con la
característica serenidad de la pintura veneciana usando violentos escorzos y
acusados contrastes de luz que le convierten en un pintor manierista.
Entre sus obras podemos citar El lavatorio de los pies o La traslación del cuerpo
de San Marcos.
El Manierismo
El Manierismo es un movimiento artístico que surge en Italia hacia 1530 como
reacción al clasicismo, a su belleza ideal y a su serenidad. Su aparición propiciará
la aparición del Barroco.
La pintura manierista se caracteriza por el uso de figuras de proporciones
extrañas, retratadas en posturas complicadas y artificiales, usando gamas de
colores llamativos. Parece que el objetivo es estos artistas es crear un arte
transgresor.
Entre los artistas más destacados de este movimiento podemos citar a
Parmigianino con su obra La Virgen del cuello largo, a Bronzino con su Alegoría
del triunfo de Venus o a Pontorno y su Descendimiento.