INDICE ALASDAIR FRASER __________________________________________________ 2 ALBOKA ____________________________________________________________ 3 ALKISTIS PROTOPSALTI _____________________________________________ 3 ANGÉLIQUE KIDJO __________________________________________________ 4 ANTONIO CHAINO ___________________________________________________ 5 BADMARSH & SHRI __________________________________________________ 5 BIDAIA ______________________________________________________________ 6 CESARIA EVORA ____________________________________________________ 6 DULCE PONTES _____________________________________________________ 7 ELEFTHERIA ARVANITAKI____________________________________________ 8 ELIADES OCHOA ____________________________________________________ 9 GONZALO TEJADA _________________________________________________ 10 GWENDAL _________________________________________________________ 10 HAIG YAZDJIAN ____________________________________________________ 11 JOXAN GOIKOETXEA _______________________________________________ 12 JUAN CARLOS PEREZ - ARKADIUS S.Q.______________________________ 13 JUAN MARI BELTRÁN _______________________________________________ 13 LIAM O´FLYNN _____________________________________________________ 14 MADREDEUS_______________________________________________________ 15 MARIZA ____________________________________________________________ 16 MISIA ______________________________________________________________ 17 NOA _______________________________________________________________ 18 OMAR FARUK TEKBILEK ____________________________________________ 20 RODRIGO LEAO ____________________________________________________ 21 SAVINA YANNATOU ________________________________________________ 22 TAPIA ETA LETURIA ________________________________________________ 23 WIM MERTENS _____________________________________________________ 23 ALASDAIR FRASER Alasdair Fraser nació en Clackmannan (Escocia) y empezó a tocar el violín a los 8 años, animado por toda una familia de músicos. En 1973 ganó el concurso de violín del National Mod. Se licención en fisicas por la Universidad de Edimburgo y trabajó como petrofísico hasta 1985, año en el que decidió dedicarse plenamente a la música. Alasdair ha obtenido reconocimiento internacional como principal intérprete, artista discográfico y profesor de la rica tradición violinística de su Escocia natal. Célebre por su toque expresivo, su afable personalidad y su profunda comprensión de la música de Escocia, Alasdair está siempre muy solicitado para actuaciones como solista y conciertos con diversos conjuntos. Ha trabajado con la cantante Jean Redpath y con el guitarrista Tony McManus y ha colaborado con grupos tan variados como la Master Chorale de Los Angeles, los Waterboys o los Chieftains y ha compartido una actuación como solista en el Lincoln Center de Nueva York con el violinista clásico Itzhak Perlman. Ha representado internacionalmentea Escocia en actuaciones patrocinadas por el Consejo Británico. Como artista discográfico, Alasdair Fraser lleva editados bajo su nombre, y con gran éxito de crítica, ocho discos y un vídeo en directo en su propio sello Culburnie Records. También se han incluído composiciones e interpretaciones suyas en recopilatorios celtas y de "new age" de gran venta (Celtic twilight, Celticlullabies, Narada Wilderness collection, Celtic Odissey y The Road North). Su disco Dawn Dance obtuvo en 1996 el premio independiente al mejor álbum celta del año. Puede oírsele tocar en las bandas sonoras de películas como Titanic, El último mohicano, Wyatt Earp y The spitfire grill. Asimismo, ha participado en más de cien programas de radio y televisión en el Reino Unido así como en varios programas estadounidenses de ámbito nacional. Se han utilizado también composiciones suyas en nuevas coreografías del Ballet and Shiftworks Dance Ensemble de Richmond (Virginia). Tras la importante etapa vivida con su sexteto Skyedance, en el que figuraban el intérprete de gaitas irlandesa y escocesa Eric Rigler, Chris Norman a la flauta de madera, el percusionista Peter Maund, especialista en música medieval y renacentista y el bajista Michael McLinden, Alasdair Fraser ha trabajado en un nuevo proyecto, codo con codo con su compañero de siempre, el compositor y pianista Paul Machlis. En su más reciente espectáculo, sin embargo, nos propone algo totalmente nuevo: un exquisito dúo junto a la violonchelista Natalie Haas. ALBOKA En torno a los experimentados Alan Griffin (alboka, gaitas y flautas), Juan Arriola (violin) y Joxan Goikoetxea (acordeón y sintetizadores), ALBOKA, uno de los grupos más sólidos y representativos del folk vasco, reforzó su formación para presentar LORIUS, su tercer trabajo discográfico. Un nuevo y revitalizado álbum que conjuga una cuidadosa y sorprendente selección de canciones tradicionales con temas de nuevo corte. Para ese trabajo ALBOKA contó entre otras con la colaboración estelar de la cantante húngara MARTÁ SEBESTYÉN, que cantó en euskera cinco de los 19 temas que componen el disco. Esta destacada intérprete, figura indiscutible del panorama de la música folk mundial, ha ganado además celebridad desde que participase en la banda sonora de la película de El Paciente Inglés, por la que este filme obtuvo un Oscar. Fruto de su importante proyección, ALBOKA, que se mantiene en la línea de trabajar danzas y melodías tradicionales de Euskal Herria, se ha encontrado en su camino con notables músicos y grupos de variada procedencia, que han aportado un nuevo color a LORIUS. Entre estas colaboraciones podemos destacar las de PETER MAUND (Alasdair Fraser & Skydance, ELISEO PARRA, TINO DI GERALDO, FIACHRA MAC GHABBAN, MOSSIE MARTIN, JUAN MARI BELTRÁN, XABI SAN SEBASTIÁN, DAVID ESCUDERO, JULIO ANDRADE y CHRISTOPHE JUSTE. Después de haber participado en prestigiosos festivales y programaciones tanto dentro de Europa como fuera de ella, ALBOKA, que prepara en estos momentos la grabación de su cuarto álbum, se encuentra en un inmejorable momento de madurez y creatividad, siendo ya considerado uno de los más interesantes grupos de folk dentro y fuera de nuestras fronteras. ALKISTIS PROTOPSALTI La música que hace Alkistis está hecha desde Grecia en clave griega, pero con referencias al este y al oeste. La pasíón que esta cantante siente por la literatura hace que las letras de sus canciones, que tanto impotancia tienen para ella, estén inundadas de la creatividad de los mejores poetas griegos. La carrera de Alkistis incluye 32 discos, de los cuales muchos han sido Discos de Platino, lo que da una idea de su popularidad. Es por ello que esta mujer inquieta y enérgica se encuentra en la plenitud de su carrera con un espectáculo que ha evolucionado y que ha hecho de ella uno de los máximos exponentes de la música griega. ANGÉLIQUE KIDJO Angélique Kidjo no es sólo una de las intérpretes más revolucionarias y eléctricas del momento, sino también una pensadora innovadora y creativa, una artista cuya misión ha sido explorar las realaciones entre diversas culturas musicales. Con una música basada en los ritmos tribales y ritmos pop de su herencia del oeste de Africa, Kidjo, nacida en Benin y afincada a caballo entra París y Brooklyn ha superado límites musicales a base de mezclar estilos muy variados: funk, salsa, jazz, rumba, souk, makossa... En Black Ivory Soul, su debut en Columbia Records y séptimo álbum desde que lanzara su carrera en solitario en 1989, Kidjo explora las afinidades musicales entre Africa y Brazil, más concretamente entre su Benin natal y la ciudad de Bahia. El CD incluye un festivo mix de ritmos africanos y brasileños interpretados por un conjunto de músicos africanos y brasileños de primerísima línea. Dave Matthews también aparece como vocalista invitado en uno de los temas. Es la primera vez que Kidjo ha grabado en vivo en un estudio. Black Ivory Soul destaca también por la colaboración en la composición de los músicos brasileños Carlinhos Brown y Vinicius Cantuaria, entre otros. También hace una versión de un espléndido tema de Gilberto Gil , así como una deliciosa balada escrita por el renombrado compositor francés Serge Gainsbourg. Black Ivory Soul ha sido producido por Bill Laswell, bajista, líder y remezclador, que ha sido productor de numerosos artistas entre los que se incluyen Mick Jagger, Afrika Bambaataa y Herbie Hancock. Respecto al concepto del álbum en sí, Kidjo dice: "Pienso que la música es la única manera de curar el dolor, de unir a la gente. Es un lenguaje por encima del color de la piel, de países o de culturas. Quiero inspirar a la gente para que reflexione más profundamente sobre la pobreza, la libertad y la familia". La génesis de Black Ivory Soul parte de la conexión afro-brasileña en el pueblo natal de Kidjo, Ouidah. "Nací rodeada de niños de Benin y niños brasileños," explica, añadiendo que el enclave era conocido por su mezcla cultural. La genealogía de Kidjo incluye ancestros portugueses e ingleses, que la convierten en una auténtica ciudadana del mundo. "Crecí escuchando la música tradicional que tocan en Benin músicos originarios de Bahía. Se llama bouniyan y tiene un ritmo muy parecido a la samba. De hecho, cuando llegué a Francia en 1983, escuché música de Gilberto Gil y Caetano Veloso y dije 'hey, esta es mi música; viene de donde yo vengo." Kidjo interpreta Black Ivory Soul como la segunda parte de una trilogía de álbums -que comenzó en Oremi- que mezcla música tradicional de Benin con un amplio abanico de música de la diáspora africana, incluyendo una brillante versión de "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix. ... Y para la tercera parte, la musicalmente infatigable Angélique Kidjo tiene grandes planes: grabar un álbum que explore la música de Cuba, Haiti y New Orleans. ANTONIO CHAINO António Chaíno es un talento muy reconocido y apreciado por los conocedores de la música portuguesa. Sus participaciones como guitarrista acompañando a artistas como Carlos do Carmo y Amália Rodrigues son bien conocidas. Además de su importancia a nivel peninsular, cabe también destacar el importante papel que ha jugado en la tarea divulgadora de la guitarra portuguesa ante el público mundial, especialmente a través de espectáculos en países como Japón, Dinamarca, Inglaterra o Estados Unidos. En este último album “A Guitarra e Outras Mulheres”, presenta un trabajo de alto nivel, con un elenco internacional en un contexto innovador para el inconfundible sonido de la guitarra. BADMARSH & SHRI Folklore indio y tecnología actual se encuentran en este original dúo. Las tablas indias y sitares digitales de influencia tradicional se mezclan con ritmos de clara inclinación a las pistas de baile, en las que las bases imprimen potencia y descaro, creando una fusión atractiva y novedosa. Ellos traen el nuevo sonido de la escena breakbeat asiática centrada en Londres. Las experiencias que ambos han ido viviendo y les han unido se aprecian en sus composiciones. En ellas se puede apreciar el drum´n´bass y surcos de funky que respiran desde lo más profundo de la India a lo más profundo del sur de Londres. Auténtica nueva música asiática. BIDAIA Después de haber trabajado como dúo musical durante más de 5 años, Caroline Phillips y Mixel Ducau han creado ahora el grupo Bidaia con Ritxi Salaberria y Jabi Area. Juntos, estos cuatro intérpretes crean música tan vasca como universal, inspirada tanto en melodías y ritmos de danzas como en folklore internacional. El grupo combina instrumentos tradicionales vascos -alboka (un pequeño cuerno), ttun-ttun (instrumento percusivo de cuerda)- con guitarra acústica, piano, hurdy-gurdy, darbouka marroquí y cajón andaluz. CESARIA EVORA Cesaria Evora dice algo que es bien sabido para cualquiera que haya escuchado su voz grave, espesa, indeciblemente triste: "soy una mujer africana". Una mujer, podría agregarse, del Africa Portuguesa. De una pequeña colonia en una isla llamada Mindelo, en un pequeño archipiélago conocido como Cabo Verde y situado frente a la costa de Senegal. O sea, una hermana cultural de los otros africano-portugueses, los descendientes de los esclavos traídos al Brasil. Será por eso que entre sus admiradores incondicionales está Caetano Veloso. O será, más bien, por esa extraña cualidad de su música, a mitad de camino entre el fado y cierto hamacarse rítmico con bastante poco de europeo. La música de Cesaria Evora se llama morna. Un género en que las letras, en el portugués mestizo de la región, hablan invariablemente de soledad, amor y distancia (¿de qué otra cosa podría hablarse en una isla?). Pese a que hoy en día es ya una artista aclamada internacionalmente -sólo en Francia su anterior álbum, Café Atlántico, vendió más de 300.000 copias-, Cesaria Evora no olvida sus orígenes, una existencia no exenta de lucha y dificultades. La "diva descalza" ha sabido mantenerse fiel a su identidad, preservando ante todo su enorme ternura y delicadeza. Ahora vuelve a regalarnos los sentidos con su nuevo álbum, São Vicente di Longe, el octavo trabajo de estudio de esta excelente intérprete, grabado en París, La Habana y Rio de Janeiro, en el que la genial artista nos vuelve a acariciar con su sensibilidad y con esa música tan única, tan llena de alma. DULCE PONTES Podía haber sido bailarina, si la escuela de danza no hubiera pensado que a los catorce años ya ere tarde para iniciar una gran carrera. Podía haber sido tan sólo una bonita voz de anuncios si alguien no hubiese descubierto muy pronto que aquella voz servía mejor a la música que a la publicidad. Dulce Pontes, nacida en Montijo (Portugal) en 1969, ganó el Festival Nacional de la Canción de su país en 1991. Ese mismo año representó a Portugal en el Festival de Eurovisión, donde obtuvo un octavo puesto y el premio a la mejor intérprete. Fue la primera vez que Europa oyó la voz de Dulce Pontes. Desde aquel instante su vida da un giro. Parte en busca de una identidad propia. Se sumerge en las raíces de la música portuguesa, incluyendo el tradicional fado, considerado entonces como algo trasnochado. Y consigue reinventar lo que parecía muerto. Como demostrarán los años y los discos posteriores, Dulce hace algo más que repetir algo que ya estaba hecho. Su voz luminosa no cabe en ningún estilo que la limite, no conoce fronteras. Su voz y su forma de interpretar constituyen un género propio. Por eso, tanto da que cante rock, fado o una canción de Angola: su estilo es único e inconfundible. En 1992 publica su álbum "Lusitana" y a partir del año siguiente, con su segundo trabajo, "Lágrimas", se convierte en una ciudadana del mundo. Le siguen "A Brisa do Coraçao" (1995), un doble álbum en directo, "Caminhos" en 1996 y más tarde, tras realizar colaboraciones en discos de Andrea Bocelli o los brasileños Simone y Caetano Veloso, publica "O Primeiro Canto". En ese trabajo, producido por Antonio Pinheiro Da Silva, destacan las colaboraciones del percusionista hindú Trilok Gurtu, el saxofonista Wayne Shorter, las voces de Maria Joao y Waldemar Bastos y la trikitixa de Kepa Junkera. Ahora, en el 2003, nos sorprenderá con su nuevo álbum, en el que no deja de lado el estudio musical, la búsqueda de nuevas experiencias con diferentes sonidos, formas e instrumentos. ELEFTHERIA ARVANITAKI Eleftheria es una auténtica estrella en Grecia, sus conciertos tienen una enorme capacidad de convocatoria y se convierten en una auténtica explosión de entusiasmo. Comienza su carrera en la Opisthodromiki Compania a principios de los años 80. Es la voz más conocida de toda la música rebetica que se desarrolla en la zona de Grecia, y la promotora e impulsora de éste género, desconocido y hasta entonces poco difundido. La música rebética junto con la smyrneika, contienen canciones cuya tradición se remonta al folklore que interpretaban los refugiados procedentes de Asia Menor. Tras dejar al grupo, Eleftheria comienza una carrera en solitario que la lleva a establecerse rápidamente como la voz femenina más prometedora de su país. Los acontecimientos políticos y sociales que tienen lugar en su nación la convierten en la voz que abandera la expresión de los nuevos sentimientos e ideales. Su personalidad, cálida pero fuerte, su voz, su ambición por crear un puente entre la música griega de profundas raíces y la nueva estética surgida de los sones urbanos de los más conocidos y distinguidos compositores, líricos y poetas, la lleva a presentar un trabajo que ya es considerado un clásico en la música griega. Hoy en día, Eleftheria mantiene una colaboración con el músico norteamericano de origen armenio Ara Dinkjan, lo que sin duda se deja notar en los resultados. Y en directo, Eleftheria es simplemente arrolladora: allá donde va, triunfa. Y repite. ELIADES OCHOA Eliades Ochoa y el Cuarteto Patria se encontraron en Santiago de Cuba en 1978, cuando el cabecilla Francisco Pancho Cobas solicitó el liderazgo de Eliades para el grupo, que acababa de perder a Rigoberto Echeverría, Maduro. A partir de entonces andan juntos. Eliades comenzó a tocar la guitarra a los 6 años, debutó en las calles de Santiago a los 11 y antes de convertirse en integrante del Quinteto Oriental y del Septeto Típico, ya había escrito un buen número de páginas en el gran libro de la Trova Cubana, merced a sus descargas en toda bodeguita o recodo que ofreciera la ciudad. Tampoco se debe obviar que si el Cuarteto nació de la substancia misma del sonido del Oriente cubano, desde que se bautizó Patria en 1959; la responsable fue Emilia García, fundadora del grupo, y rebelde que en la clandestinidad revolucionaria había adoptado el pseudónimo de Patria Emilia - constituye una de las fuentes básicas cuando se quiere uno acercar a la misma esencia de la música tradicional santiaguera. En sus últimos trabajos, Eliades Ochoa y el Cuarteto Patria han aposta do por seguir manteniendo vivo su espíritu de siempre, escogiendo canciones antiguas pero nuevas, pura denominación de origen del sonido oriental, repartidas entre los palos más emblemáticos del paisaje tradicional. En estos sones de monte adentro, boleros desgajados y briosas guarachas (súmese un instrumental y hasta un tango) brillan los elementos líricos y sonoros, respectivamente en la seductora voz de Ochoa y en el refinado tañido de su tres-guitarra - o guitarra-tres: un híbrido que permite reproducir a voluntad las naturalezas de ambos instrumentos-. Que nadie lo dude. Si el disco colectivo "Buena Vista Social Club" fue un hito en el mercado de las músicas del mundo o de raíz, no se pueden perder de vista los riquísimos sones, guarachas y boleros de "Sublime ilusión" y, ahora, de "Estoy como nunca". No en vano Eliades Ochoa fue uno de los protagonistas clave de aquéllas históricas grabaciones en los viejos estudios de la EGREM, en La Habana, que valieron a ese colectivo de músicos la adjudicación de un premio Grammy y el reconocimiento mundial de su arte. do ello Virgin Records se enorgullece en presentar esta grabación que, mágicamente, envuelve a quien la escucha en el sonido primigenio que hoy deslumbra al mundo. Hablamos, sin duda, del más tradicional y auténtico sonido de Cuba. GONZALO TEJADA El contrabajista Gonzalo Tejada, influenciado por el llamado “Jazz Europeo” y la “música contemporánea” viene desarrollando , desde hace algunos años, una intensa labor como compositor para formaciones “clásicas” complementaria a sus composiciones para formaciones de “jazz”. En su último trabajo discográfico, “En Tránsito” (editado por NO-CD Rekords), un homenaje a Scott LaFaro, ha fusionado la música de jazz con la música contenporánea orquestal y los instrumentos habituales del jazz (contrabajo, piano, guitarra...) con la orquesta de cuerdas clásica (violines, violas, violonchellos y contrabajos). El contrabajista ha contado en este proyecto con Daniel Pérez en la guitarra, Iñaki Salvador en el piano y la Orquesta de Cámara Et Incarnatus, dirigida por Miguel Ceberio. Gonzalo Tejada ha acompañado a los más importantes músicos nacionales de “Jazz” y colaborado en dos ocasiones con la “Orquesta Sinfónica de Euskadi” bajo la dirección de Lalo Schifrin, además de participar en numerosos Festivales de Jazz nacionales e internacionales. GWENDAL Desde 1972, año en que GWENDAL inició su carrera, su estilo musical ha evolucionado tomando un camino cada vez más sofisticado y original. Debido a la emoción que transmiten con sus canciones, han conseguido un gran número de seguidores, tanto en su país natal, Francia, como en el extranjero. En seguida decidieron apartarse de la música Celta en su carácter más conocido y corriente, y establecer su propia marca en sus composiciones y en los arreglos de éstas, mezclando con exito las modas y tendencias tradicionales. Así nació el sonido Gwendal. Esta contínua búsqueda por la autenticidad musical queda perfectamente reflejada a través de su discografía. Durante todos estos años, Gwendal ha actuado en los mejores escenarios Europeos (Alemania, Gran Bretaña, Dinamarca, Bélgica, Francia, España, Holanda, Irlanda, Italia, Suiza, Portugal, etc...), reuniendo a un público fiel que comparte con ellos un intenso placer, su música. HAIG YAZDJIAN Nacido en Siria y de padres armenios, lleva más de veinte años trabajando y viviendo en Grecia. Precisamente fue allí donde descubrió los encantadores elementos de la música del Este. Comenzó a tocar muy joven y es con sus instrumentos como mejor expresa su sensibilidad. Domina varios instrumentos como el nay, cümbüs, nashatkar o percusiones, pero es con el oud con el instrumento que mejor expresa los frutos de su permanente búsqueda musical. Búsqueda que, por cierto, transciende más allá del tiempo o fronteras geográficas. Haig Yazdjian se convirtió pronto en uno de los más populares intérpretes del oud y uno de los más característicos vocalistas. La publicación de su primer álbum TALAR, editado 1996 en el sello LIBRA MUSIC, aceleró su popularidad, pero más allá de eso, le lanzó como una de las promesas de su generación en la composición. Ya desde este primer trabajo discográfico comenzó a considerar la tradición como una fuerza y creativa. Dos años más tarde, en 1998, la publicación de su último trabajo en solitario, GARIN, también en LIBRA MUSIC, y el cd single GIFT, fue aclamado por parte del público y la crítica. Además de este doble éxito, Yazdjian ha conocido el respeto y reconocimiento de algunas de las más importantes figuras griegas de renombre internacional con las cuales ha colaborado. En verano del 2000, Haig publicó BEAST ON THE MOON, un álbum que trajo consigo un nuevo giro en su búsqueda musical. En toda su trayectoria ha combinado la música tradicional y actual del Este llegando incluso a la música contemporánea del extremo opuesto. Esta mezcla de frescura y audacia en su música hace de sus actuaciones todo un acontecimiento para un público que busca las raíces de la música tracional con aires actuales. En los conciertos, Haig toca y canta canciones tradicionales armenias extraídas de sus cuatro discos (TALAR, GARIN, THE BEAST ON THE MOON y YERAZ), dejando siempre margen a momentos de improvisación. Se trata de momentos únicos, puesto que se acompaña en directo de algunos de los mejores músicos de la escena emergente de la música griega, muchos de los cuales son originarios de Países del Este. JOXAN GOIKOETXEA La hiperactividad y la multiplicidad marcan la trayectoria de este ecléctico e innovador músico vasco. El canto y la danza vasca conducen sus inicios, al txistu en un principio y al acordeón un poco más tarde. Ámbitos que complementa con sus estudios en el Conservatorio Superior de Donostia-Sn.Sn. y que le llevan al campo del acordeón contemporáneo y la música de vanguardia. Premio fin de carrera, acude a varios certámenes en Europa y amplía estudios en Le Thor (Francia). Influenciado claramente por el acordeonista francés Richard Galliano, graba sus dos primeros discos LEHENENGO GELTOKIAN (88) y KOLLAGE (91) en el ámbito del acordeón-Jazz. Crea el "HAT" (Hernaniko Akordeoi Taldea) (1987-1991), con el que trabaja la música de cámara desde un repertorio clásico y graba LIBERTANGO (1991) como homenaje a Astor Piazzolla. Desde 1985 es profesor en la Hernaniko Musika Eskola compaginándolo con numerosas y diversas colaboraciones con cantantes y grupos del ámbito vasco y estatal (Javier Alvarez, Suso Saiz, Jorge Drexler, Txomin Artola, Amaia Zubiria, Oskorri, Kepa Junkera, Joseba Tapia, Xabier Lete, Imanol, Paco Ibañez, Anje Duhalde, Diego Vasallo, L.E.Aute, Alberto Iglesias, Dulce Pontes, Alasdair Fraser & Skyedance, Bingen Mendizabal, Joan Valent, Antton Valverde, Xabier Euzkitze, Andoni Egaña, etc...). A su vez crea música para varias obras de teatro y TV. En el terreno de la música tradicional su trayectoria se bifurca en dos proyectos paralelos: ALBOKA, con tres grabaciones discográficas - ALBOKA (94), BI BESO LUR (98) y LORIUS (2000)- en el terreno del folk tradicional en directo, y sus trabajos con Juan Mari Beltrán - EGURRAREN ORPOTIK DATOR...(93) y BETI TTUN- TTUN (98) -. En el campo de la experimentación y el reciclaje musical trabaja en el estudio de la mano del guitarrista y productor Suso Saiz, que constituye otro de sus puntos vitales de referencia. Con él grabará QUARTET (97) en directo y ELEKTRO PSYCHODELIC FILM MUSIC REMIX (2000). Después de LIBERTANGO, vendrán AMETSAREN BIDEA (94) , METROPOLIS (95) y SUPERNOVA (2000) que continúan ese sendero de trabajos en los que Joxan planea sobre el triángulo música-imagen-texto y que confluirán en GOAZEN LAGUN (96), primer trabajo multimedia de Joxan en formato CD-Rom y primer trabajo de estas características en Euskal Herria. Este nuevo concepto creativo le anima a crear y dirigir AZTARNA, sello dedicado a artistas vascos en este formato. JUAN CARLOS PEREZ - ARKADIUS S.Q. Juan Carlos Perez, uno de los pilares de la historia musical de nuestro país, abrió, con Quator (editado por NO-CD Rekords), un nuevo camino artístico en su carrera. Tras cubrir con Itoiz las páginas más brillantes del pop vasco, con este disco se convirtió en uno de los compositores más interesantes de este país con una obra específica para un cuarteto de cuerda. El Arcadius String Quartet, conocido cuarteto polaco afincado en la capital vizcaína por su trabajo con la Orquesta Sinfónica de Bilbao ( con la que Juan Carlos ya había colaborado en sus discos de pop), interpreta ahora su primera obra de música contemporánea: “Quatuor”. Es por ello un proyecto ambicioso, de inmenso mérito y con vocación universal, que transmite una imagen diferente de los creadores jóvenes de Euskal Herria. JUAN MARI BELTRÁN Por su trayectoria podemos considerarle amante, investigador, promotor y una de las figuras más importantes de la música popular vasca. Desde joven se vio inmerso en la música, primero tocando el clarinete y el txistu y pronto haciéndose responsable de recoger el testigo de la anterior generación de músicos populares. Como txalapartari formó parte junto a su hermano Bixente y los hermanos Artze de la escuela vasca de arte creada por Jorge Oteiza en los años 60, dando inicio a la nueva era de la txalaparta, basada en la txalaparta tradicional. Ha tomado parte en colectivos como el Grupo de Música Contemporánea, que fundó el pintor Rafael Ruiz Balerdi y creado los grupos Sustraiak, Azala y Txanbela. También ha formado pareja artística con Joxan Goikoetxea. Fruto de todo este trabajo, se han editado diversos discos. Ha publicado numerosos trabajos en el campo de la investigación de instrumentos y músicas populares, así como el disco y la película Euskal Herriko Soinu Tresnak, considerados como uno de los más importantes documentos de la organografía popular vasca. Imparte clases de txistu, alboka, dulzaina y txapalarta en el Conservatorio de Música de Hernani desde 1985, lugar en el que ha creado y dirige la Txalaparta Eskola (Escuela de Txalaparta). A lo largo de los últimos años ha impartido además conferencias y cursos en diferentes foros. Recientemente ha hecho realidad también un proyecto en el que lleva trabajando muchos años: la apertura al público de Herri Musikaren Txokoa (Rincón de la Música Popular) en Oiartzun, museo en el que se recoge el material que ha ido recopilando durante todo este tiempo: instrumentos, biblioteca, fonoteca, y archivos de imágenes, fotografías y películas. Ahora, Juan Mari Beltran presenta ARDITURRI, su último trabajo discográfico y primero que realiza en solitario, aunque se presente en formación de sexteto. El disco ha sido producido por Suso Sáiz y en él han colaborado Maddi Oihenart (voz), Joseba Tapia (trikitixa), Miriam Atxaerandio (violín), Oihana Irastortza (pandereta) y Joxan Goikoetxea (acordeones). En ARDITURRI, Juan Mari Beltran nos propone un completo recorrido por los senderos de la música tradicional vasca. Los excelentes músicos Iñigo Monreal, Felipe Ugarte, Iñigo Lurgain y Aitor Gabilondo le acompañan en este viaje, en el que logran conjugar lo antiguo y lo moderno con una creatividad y viveza nunca escuchadas hasta el momento. LIAM O´FLYNN Liam O´Flynn es el reflejo vivo de una gloriosa tradición de gaiteros que se remonta a trescientos años atrás. Se le ha aclamado como músico muy notable no sólo en su país, Irlanda, sino en un ámbito musical mucho más amplio. En Irlanda está considerado como el sucesor del gran Séamus Ennis, quien llegó a regalar a Liam su propio instrumento. Su fama llegó a ser internacional como miembro fundador del grupo Planxty. Con esta formación, cuya influencia y originalidad aún no han sido superadas, llegó a grabar seis álbumes. Su extraordinaria aportación al acampo de la música tradicional se vio premiada en 1985 con un destacado premio internacional que, a partir de aquel año, se otorga en Irlanda a las personalidades más destacadas del mundo del espectáculo. Además de componer, ha colaborado musicalmente con artistas de renombre internacional y ha participado en las bandas sonoras de diversas películas. Liam O´Flynn no ha dejado nunca de búscar áreas nuevas e imaginativas en la que incorporar el sonido de su gaita. MADREDEUS “A pesar de que siempre los he vivido intensamente, desde que comencé a cantar en Madredeus mi amor por el canto y la música se convirtieron en mi pasión más grande, porque la música de Madredeus no es fado, no es música popular, no responde a una definición que la reduzca. Es una pasión muy grande, es una música que está muy cerca de las emociones verdaderas, del pensamiento de las personas". Son palabras de la voz de Madredeus, de Teresa Salgueiro que resumen uno de las razones del resultado que Madredeus ofrece. Aunque parece ya algo demasiado habitual referirse indiscriminadamente a cualquier expresión artística portuguesa como manifestación de la ineludible saudade, lo cierto es que el arte de Madredeus es una inmejorable muestra de ese sentimiento de añoranza, nostalgia y desesperanza. La saudade es según Pedro Ayres, compositor y alma del grupo, "un estado en el que una persona se permite experimentar sentimientos contradictorios o cultivar pensamientos poco ortodoxos acerca del amor, de la vida y del tiempo. La saudade es la clave y la razón por la que hacemos música." Madredeus ha publicado numerosos trabajos discográficos. Uno de los más recientes ha sido "Movimiento", disco que vio la luz en abril del 2001, un trabajo repleto de canciones que nos conducen por nuevos paisajes, creados artesanalmente y a medida para la cristalina voz de Teresa Salgueiro. Nuevas melodías sobre el espíritu y el corazón, que mantienen el compromiso de Madredeus de continuar su viaje a los más diversos lugares para compartir con el mundo su música, hermosa y única. Posteriormente nos han vuelto a sorprender gratamente con dos nuevos trabajos, uno de remezclas de algunos de sus temás más conocidos y otro de la mano de la Flemish Radio Orchestra, que también recoge los temas originales de "Movimiento". MARIZA Su imagen afro-portuguesa de cabellos blanqueados nos habla de una artista poco convencional. En efecto: Mariza reinventa el fado aunque interprete el fado más clásico. Llegada a la escena de la mano de la nueva savia de voces portuguesas, ya despunta como nadie. Y si su primer trabajo, Fado en Mim, la muestra como una vocalista poderosa, escucharla en directo es la única manera de entender por qué está causando sensación: "necesito percibir la participación del público, el intercambio de energía entre ellos y yo. El viejo mito del fado estático es un concepto superado". No es frecuente poder decir con razón que "ha nacido una estrella". Sin embargo, su reciente ascensión al éxito justifica la utilización del cliché. Sobre el escenario emana encanto y carisma a partes iguales. Con su gusto impecable por la alta costura, cabello inmaculadamente esculpido y su gran voz, fuerte pero sensual, reúne todos los requisitos para una carrera realmente estelar. La publicación de Fado en Mim ha merecido alabanza universal y numerosos greconocimientos internacionales como el Premio a la Mejor Artista Europea 2003 otrogado por la BBC británica. Algo que también ha servido para atraer la atención del mundo hacia un amplio renacimiento de las raíces portuguesas Pese a que nació en Mozambique, pasó la mayor parte de su infancia en el barrio lisboeta de Mouraria, que algunos describen como lugar de nacimiento del fado. Desde muy joven tenía claro que quería convertirse en cantante, y el restaurante de sus padres era el lugar ideal para comenzar a cantar fado. Durante su adolescencia y primeros años de juventud, sin embargo, desertó del estilo en favor del soul y del funk. Pero cuando el productor y músico Jorge Fernando la escuchó cantar fados una noche, de forma ocasional, se quedó tan impresionado que le sugirió que grabase todo un disco de este género. Al principio dudó, pero finalmente aceptó, con un resultado tan popular entre el público portugués que Mariza fue inmediatamentecomparada con la gran fadista Amalia Rodrigues. "Es un gran cumplido", explica Mariza, "pero somos muy diferentes, porque ella tenía una manera de sentir, y yo tengo mi manera de sentir mi música y mi forma de ver el mundo". Desde luego, a partir de Mariza el fado nunca volverá a ser lo mismo... MISIA MISIA nació en Oporto, ciudad en la que vivió hasta el final de su adolescencia. Hija de una familia de marcados contrastes socioculturales, es la tercera generación de artistas por línea materna. De su madre y de su abuela hereda la fascinación por el mundo del espectáculo. Motivos familiares la obligan a interrumpir sus estudios e instalarse en Barcelona, donde toma contacto con nuevas expresiones artísticas. Al mismo tiempo la distancia y la saudade empiezan a consolidar una mirada propia sobre sus raíces culturales. Siempre reaparece de esta manera la memoria del fado (y de sus primeras experiencias en las "casas de fado" portuenses), perfilándose como una fuerza inspiradora y, más tarde, una vocación. En sordina inicia un viaje al interior lejos de Portugal. Mientras tanto, MISIA actúa en varios programas de televisión, canta en diversos estilos, en diferentes idiomas, en distintos locales de la "movida" madrileña. Prueba un poco de todo, encartando aún la profesión como un excitante modus vivendi familiar. De esos años, ricos en anónimas experiencias artísticas, vivencias bohemias y dificultades económicas, MISIA guarda memoria y un útil aprendizaje de escenario, sin olvidar un especial cariño por las pensiones y los trenes… En 1990, el viaje al interior tiene como destino final el fado y el retorno a Portugal, donde vive hasta hoy. Decidida a valorar este género de música urbana, temporalmente caído en desgracia cultural y comercial tras la Revolución de los Claveles (1974), MISIA empieza a trabajar en Lisboa con músicos, compositores, letristas y poetas. MISIA nos presenta ahora su último disco RITUAL, su sexto trabajo en estudio, en el que mima como nunca el fado más tradicional (guitarra portuguesa, viola de fado y bajo acústico). Con textos en su mayoría escritos por letristas y grabado en "takes enteros", como se hacía hace cincuenta años, Ritual cuenta además con dos trabajos inéditos de Carlos Gonçalves, el gran compositor y acompañante de Amalia Rodrigues. Es este trabajo el más físico de los que ha realizado hasta hoy; en él, toda la fuerza orgánica de la voz está al servicio del ritual eterno de los sentimientos. Cantado con la piel, su interpretación es una entrega total, sin artificios técnicos o gratuitas acrobacias vocales. NOA Conocida en Israel por su nombre propio, Achinoam Nini, Noa es la más destacada artista israelí, tanto por sus conciertos como por sus grabaciones discográficas. Nacida en Tel- Aviv en 1969, Noa vivió en Nueva York desde los dos años hasta que regresó a Israel a los 17. Noa estudió música en el Rimon School, donde conoció a su compañero y colaborador Gil Dor. Juntos han escrito y realizado cuatro álbums de enorme éxito en Israel, y otros cuatro álbums internacionales, "Noa", "Calling", "Blue Touches Blue" y "Now". Las mayores influencias de Noa vienen de cantautores de los años 60 como Paul Simon, Joni Mitchell o Leonard Cohen. Estas sensibilidades musicales y líricas, combinadas con las raíces yemeníes de Noa y los antecedentes musicales de Gil Dor en el jazz, en música clásica y en el mundo del rock, han hecho que el sonido de Noa y Gil sea único. Desde que comenzaran a trabajar juntos en 1990 han ofrecido cientos de conciertos por todo el mundo con gran éxito de crítica. Entre los escenarios que han visitado se cuentan el Carnegie Hall y el Avery Fisher Hall en Nueva York, el Olympia en París, el Zellerbach Auditorium en San Francisco, el Festival Ravinia en Chicago, el Festival de Jazz de Montreaux y el Paleo Music en Suiza, WOMAD en España, el Festival de Jazz North Sea en Holanda y el Water Festival en Estocolomo. Defensora en todo momento del diálogo en favor de la paz, Noa fue la primera artista israelí oficialmente invitada a actuar en Marruecos. Actuó en vivo ante 100.000 personas en el acto con el que culminaba el año dedicado a la familia 1994 en el Vaticano, en presencia del Papa Juan Pablo II. El 4 de noviembre de 1995 cantó ante 50.000 personas en un rally musical a favor de la paz en Tel Aviv, sólo minutos antes de que Yitchak Rabin fuera asesinado. En 1990 fue galardonada con el "Crystal Award" por el "World Economic Forum" en Davos, Suiza, donde ha actuado en diversas ocasiones junto a artistas palestinos, y donde ha participado en numerosos encuentros relacionados con la paz en Oriente Medio y con el papel del arte y de los artistas en su favor. También fue invitada a cantar en Oslo con motivo del aniversario del acuerdo de paz firmado en aquella ciudad, en una actuación que contaba con la presencia entre el público del presidente Clinton, Ehud Barak, Yasser Arafat y el Rey de Noruega. Noa y Gil han actuado en numerosas ocasiones con la Orquesta Filarmónica de Israel. En enero de 1998 ofrecieron un concierto para 20.000 personas en Phildelphias' Corestates Arena con la Filarmónica de Israel y la Filarmónica de Philadelphia juntas bajo la dirección de Zubin Mehta. Ha realizado además giras junto a Sting, ha interpretado su tema "Child of man" con Stevie Wonder y ha compartido también escenario y micrófono con otros muchos grandes artistas. 2001 fue posiblemente el año más importante para Noa, ya que fue testigo del nacimiento de su primer hijo, Ayehli. Después, dedicó el primer año de vida del niño a completar su cuarto álbum internacional, NOW (Universal Music), junto a Gil Dor y el productor-programador Yoad Nevo. Un espléndido nuevo trabajo que estamos teniendo ocasión de disfrutar en directo en el 2003, en un espectáculo completamente renovado en el que se presenta acompañada de una fantástica formación de músicos. OMAR FARUK TEKBILEK Oriente Medio, África y Europa se reúnen en torno al Mediterráneo, que significa literalmente "la tierra de en medio". En ese marco, Turquía, tierra natal de Omar Faruk Tekbilek, representa una encrucijada geográfica y cultural. Por eso, resulta adecuado que un músico como él Faruk fusione en su música Oriente y Occidente, combine su dominio de múltiples instrumentos árabes con instrumentaciones occidentales, demostrando que es posible anteponer la expresión artística y la emoción a la diferencia. Pero la historia comienza antes. Omar Faruk nace en un pequeño pueblo turco llamado Adanali, donde sigue el camino de su gurú particular, su propio hermano Hadji. Es época de aprendizaje, de asimilar los momentos de cada instrumento (la flauta, la baglama) y adentrarse en las escalas complejas de la música turca. Desde la temprana edad de 15 años, cuando abandona los estudios para convertirse en músico profesional, su aprendizaje es continuo tanto en el terrero musical como en el religioso: se adentra en los aires del sufismo, la faceta mística del Islam de la que se hace devoto. Desde la adolescencia, sus trabajos y las giras por todo el mundo, con especial incidencia en los Estados Unidos, permiten descubrir la actualización de las raíces de la música turca viéndola desde los constructivos ojos de Omar, que sabe renovar los particulares sonidos mediterráneos de su tierra sin dejar de lado la tradición. En su trabajo prima el trabajo con Brian Keane, donde Omar aporta los sonidos de flauta y percusión originarias a las bases electrónicas y sintetizadores del productor y guitarrista de jazz norteamericano. Después de varios álbumes de gran éxito presenta ahora su último disco, Alif, producido por Steve Shehan. Se trata de la prueba de la mundialidad del talento musical de Tekbilek. Alif es la primera letra del alfabeto árabe y letra inicial de Alá, el Hacedor, la realización divina del amor. Y es el título del primer tema del álbum, una obra maestra sufí de amor devoto, del amor en todas sus formas (amor divino, amor a la vida y amor romántico). Omar Faruk, afincado desde hace años en Nueva York, se acompaña de un maravilloso grupo de músicos de fama internacional que hacen de sus conciertos una experiencia de sensibilidad, virtuosismo y ritmo absolutamente irresistibles. RODRIGO LEAO Hay poquísimos casos como el de Rodrigo Leao en Portugal: un compositor de talento tan grande, de una visión artística tan amplia que merezca el calificativo de maestro. Leão se encuentra en el punto más álgido de su carrera. Su trayectoria comenzó en los años 80 como miembro fundador de proyectos musicales como Madredeus y Sétima Legião, pero tenía tanto que aportar que decidió dedicarse en exclusiva a su proyecto individual. Y acertó: tras tres álbumes de gran éxito Ave Mundi Luminar, Theatrum y Alma Mater- su publicación más reciente es Pasión, un disco recopilatorio grabado en directo, éxito rotundo en ventas, criticas y premios, que presenta ahora aquí en forma de concierto. El artista no cae en el error de juzgar Pasión como simple continuación de la celebridad de sus trabajos anteriores. Es mucho más: nuevos arreglos escritos expresamente para los conciertos, recuperaciones musicales sorprendentes, felices complicidades entre los músicos que hacen que el recital se convierta en un retrato con varios paisajes posibles. Es un trabajo accesible, melodioso, sugerente, que deslumbra por la belleza y la teatralidad de su música y una cuidadísima puesta en escena. Neoclasicismo, pop, tangos, valses... todo un mundo de referencias que hacen posible que Rodrigo Leão sea considerado, sin lugar a dudas, como uno de los más grandes compositores portugueses de su generación. SAVINA YANNATOU Nacida en Atenas (Grecia), Savina Yannatou estudió canto con G.Georilopoulou en el Conservatorio Nacional de Atenas, y más tarde con Spiros Sakkas en el Seminario de Arte Vocal de la misma ciudad. Realizó además estudios de postgrado (interpretación y comunicación) en la Guildhall School of Music and Drama (Londres), que fueron premiados por la Mousigetis Foundation. Su carrera profesional como cantante comenzó cuando aún estudiaba, a partir de su primera participación, cantando en directo, en el renombrado y altamente respetado programa radiofónico «Lillipoupoli» , en la Radio Nacional Griega 3, bajo la dirección del famoso compositor Manos Hadjidakis. Savina Yannatou ha recorrido muy diversos géneros musicales. Primero «entechno» («artful»), canciones griegas, en colaboración con compositores griegos muy conocidos, además de ópera y música contemporánea. Más adelante se centró en música medieval, renacentista y barroca, y a comienzos de los 90 descubrió el amor por la improvisación vocal. Paralelamente, comenzó su colaboración con un grupo de músicos basados en Tesalónica, que en aquel momento fundaron el grupo «Primavera en Salonico». Junto a ellos ha grabado "Primavera en Salonico"-Sephardic Folk Songs from Salonica-, "Songs from the Mediterranean" the "Virgin Maries of the World" y en el 2001 "Terra Nostra", un álbum en vivo. Savina Yannatou también compone su propia música y canciones (como "Rosa das Rosas", editado en el 2000 por Musurgia Graeca), así como música para teatro (la última que a realizado has sido Medea, para el Teatro Nacional Griego), video-arte y danza. Todos estos trabajos se traducen en su participación en más de 25 LPs y CDs. Su carrera profesional como cantante desde 1979 y como compositoracantante-vocalista desde 1986 la ha llevado a realizar innumerables actuaciones, conciertos, festivales, producción de teatro y tv, grabaciones, etc... en numerosos países. TAPIA ETA LETURIA Desde 1984, en que tocaron juntos por primera vez, Tapia eta Leturia han interpretado música para trikitixa en todos los escenarios posibles, desde campeonatos, fiestas y romerías hasta salas de conciertos y festivales de rock y de folk. Joseba Tapia y Xabier Berazaluze son algo más que un acordeonista y un panderetero; se han convertido todo un símbolo de autenticidad en el mundo de la triki contemporánea. Saben adaptarse a los más diversos contextos, siempre desde el conocimiento de la dinámica interna de la tradición. Sólo así se puede romper con ella cuando es necesario, sin que el producto resulte artificial o pretencioso. Tapia eta Leturia han trabajado tanto en la recuperación y disfrute de la trikitixa clásica como en la creación de piezas propias, del folklore más ortodoxo a pioneros y a veces provocativos acercamientos al rock, al hardcore, al rap y a otros muchos estilos. Ahora han creado una nueva formación de cuarteto junto al violinista Arkaitz Miner y al pianista Txus Aranburu. Un formato de gran riqueza armónica que sin embargo no renuncia a la diversión, al ritmo del corazón de la música de Euskal Herria: la trikitixa. WIM MERTENS El compositor belga Wim Mertens, nacido en 1953, es un artista internacional que ha ofrecido multitud de conciertos tanto como solista como acompañado de su grupo por toda Europa, América y Japón. Wim Mertens toca el piano y la guitarra clásica. A veces canta en una característica tonalidad aguda, utilizando un lenguaje personal e imaginario. Desde 1980 ha compuesto muchas obras en diferentes formatos, desde canciones cortas y accesibles a ciclos complejos de tres y cuatro partes, y desde diferentes formaciones de cámara a solos de piano. Wim Mertens compone también para obras de teatro y películas. Desde su grabación debut en 1980, Wim Mertens ha editado más de 25 álbumes (todos ellos dentro del sello belga "Les Disques du Crépuscule"). Entre los primeros álbumes que grabó se encuentra uno de los que hoy en día sigue siendo un clásico, "Close cover". "Maximizing the audience", grabado en 1985, marca la introducción de elementos vocales en la obra de Wim Mertens. A través de los años, el compositor ha incrementado la inspiración vocal de su música en álbumes tales como "A man of no fortune, and with a name to come" (1986), "After virtue" (1988) y "Stretégie de la rupture" (1991), todos ellos con una combinación de piano y voz en la que ésta última adquiere un gran protagonismo. En el año 2000, después de que en el anterior se marcara un hito importante con la publicación de la triología "Integer Valor-Intégrale", que reunía lo que Wim Mertens había compuesto en los últimos 5 años, se publicaron dos nuevos trabajos, uno de los cuales, "If I Can", que vio la luz en febrero, reunía composiciones anteriores, publicadas esta vez de forma nueva y original. En 2001 vieron la luz una nueva edición de "At home, not a t home" y su proyecto "Arens Lezen", en el que reúne 13 Cds en formato de 4 cajas, y en el que recoge su música más pura, canciones recogidas en su viaje hacia la esencia de la música. Y ese mismo año salió a la venta "Der Heisse Brei", álbum con composiciones sólo para piano y voz, trabajo y formación que presentará en su próxima gira. Un trabajo melodioso, de gran belleza, en el que la voz es más que nunca un instrumento emocional. Siempre delicada y respetuosa, la música de Mertens fluye aquí de forma natural, casi orgánica.