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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 - DICIEMBRE 2009
SUMARIO
La imagen de portada es del desaparecido “Monolito de los Carlistas”
que estaba situado en las proximidades de Casa Ibáñez tras la huerta de
Renales.
DESDE EL ÁRBOL GORDO - REVISTA CULTURAL
Pág. 01 - Portada “Monolito de los Carlistas”
Pág. 03 - Sumario.
CREACIÓN LITERARIA
COORDINACIÓN Y
MONTAJE
Luís Modesto Urda Buitrago
Jesús Fernández Vallejo
Juan Carlos Zamora Muñoz
ESCRIBEN
Rosario Ramírez García
Enrique Montoya Heredia
Paula Martín-Moreno Romero
Ángel González Puga
Leandro Molina Villaseñor
Andrés Carretero Sosa
Francisco J. Serrano López
Daniel Martín-Moreno
Jesús Fernández Vallejo
Javier Díaz-Moreno
Fabián Martínez Redondo
Cirilo Manzanares Barchino
Carlos Villanueva Fernández
Honorio J. Álvarez García
Luis Benítez de Lugo Enrich
Jaime Moraleda Sierra
EDITA
Bogart Cineclub
IMPRIME
Gráficas Villarrubia
COLABORAN
Ayuntamiento de Villarrubia
Cooperativa “El Progreso”
ISSN 1889-0318
Dep. Legal CR-460-2008
“Desde el Árbol Gordo” no
se hace responsable de las
opiniones emitidas libremente
por sus colaboradores.
Nº 4 diciembre de 2009
Villarrubia de los Ojos
(Ciudad Real)
Pág.
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-
“Poesía”.
“Poemas Navideños”.
“Haberlas, haylas”.
“Todo por la banca”.
“Microrrelatos”.
MÚSICA
Pág. 11 - “Influencia del rock and roll en la música y la sociedad”.
CINE
Pág. 15 - “Clint Eastwood y el cine”.
Pág. 19 - “Duke Ellington y el cine”.
HUMOR
Pág. 28 - Caricatura.
ENSAYO
Pág. 29 - “La mujer en la sociedad”.
Pág. 30 - “Realidad y curiosidades que trascienden”.
ACTUALIDAD
Pág. 34 - “Inculcar en el sistema educativo el hábito de la lectura,…”.
Pág. 35 - “De las Tablas de Daimiel o como hacer política de aguas
con un Parque Nacional”.
ARQUEOLOGÍA
Pág. 39 - “La necrópolis visigoda del Santuario de la Virgen de La
Sierra, aportaciones desde la arqueología…”.
FOTOGRAFÍA
Pág. 46 - “Vista de la Hontanilla”.
Aquellas personas que deseen hacernos llegar algún tipo de colaboración o cualquier
sugerencia deben remitirlo a: Bogart Cineclub, Plaza de la Constitución, 20 - Villarrubia
de los Ojos CP 13670 (Ciudad Real) desdeelarbolgordo@hotmail.es
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CREACIÓN LITERARIA - POESÍA
Rosario Ramírez García-Calvillo
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Las acequias se visten de color primavera,
la tierra se engalana con sus mejores mantos,
y la paz no ha menguado la magia de mis cantos
porque me siento libre, de tu amor pionera.
Y quise ser de nuevo primavera,
en los ojos, la boca, la mirada,
y tallar con la voz enamorada
tu nombre con mi nombre en la madera.
Quiero ser de tus ojos el eterno reflejo,
tú, de mis manos quieres, edificar tu casa,
te acercas a mi lado mientras el tiempo pasa,
y el agua cristalina nos sirve como espejo.
Y quise ser el tiempo detenido,
la hoguera, la pasión en la cintura,
y ser cruz y calvario y sepultura
y el beso que se muere consumido.
Quiero pintar la luna con pincel transparente,
hacer un sol enorme con versos de colores,
amanecer soñando, impregnada de olores,
acariciar tu sueño con mi pasión ardiente.
Y quise ser la sangre por las venas,
la herida y el dolor, la eterna noche,
lo que calla la boca y el reproche,
la causa y el consuelo de las penas.
Cuánto amor, sin que sepas, hoy te estoy regalando,
me arrastra la corriente movida por tu ausencia
para adorarte siempre no me falta paciencia,
sentada junto al río te seguiré esperando.
Y quise ser la paz que nunca acude,
el rasgado clamor de la tormenta,
la huella del camino, polvorienta,
y el rostro del amor... Pero no pude.
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Ya levantan las musas el vuelo
en las tardes silentes del día,
soledades ocultas se visten
olvidando tristezas y envidias.
Las caricias temblando en las manos
dejan huellas de sombras heridas
y se elevan con astros brillantes
mientras dejan el alma tendida.
Formas fieles de mudas imágenes
hoy descansan en mentes dormidas
y desean volar y ser fuerza
en tu pluma de estrellas altivas.
Laberinto de duendes y musas
el lugar donde el verso se anida,
mar sereno de playas que claman,
libertad de palabras sentidas.
El amor en tu piel se derrama,
estandarte forjado en la vida,
se ha grabado con fuego en mi cuerpo
y en el alma una rosa amarilla.
Seguirás recorriendo el espacio,
unirás la pasión convertida
en las letras del sueño invisible
de las noches calladas y frías.
Otra vez nacerás de la nada,
tocarás con tus manos la brisa,
se alzará el corazón a los cielos,
mientras sea tu voz poesía.
No hace falta que vuelvas, misteriosa
luna de noches tibias y doradas,
de versos de amapola las miradas
mojaron de silencios a la rosa.
No vengas más. ¿No ves que rencorosa
es la voz del dolor y son espadas
sangrantes las palabras acalladas?
Ya sólo eres vacío, poca cosa.
La pluma que persigues es cobarde,
es cobarde hasta el alma y hoy no puedo
fingir más la verdad, ahora es tarde.
No hace falta que vuelvas. ¿No te has ido?
De nuevo me has dejado con el miedo,
perdida en el murmullo del olvido.
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Parada junto al río me he sentado a escucharte,
se han mezclado incompletos el agua con tu llanto,
y aunque soñar no cuesta, sigo amándote tanto,
que se encoge mi mundo con tan sólo pensarte.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CREACIÓN LITERARIA - POESÍA
POEMAS NAVIDEÑOS
Enrique Montoya Heredia
POEMA GITANO NAVIDEÑO
Color de flor de azucena
tiene el chiquillo al mirarlo,
y sangran las amapolas,
y palidecen los nardos,
y una estrella se detiene
sobre la copa de un árbol.
Corre, gitanillo, corre…
Porque con brillo de grandes fiestas
y un cesto de mimbres blancos
va derramando la Luna
estrellitas por el llano.
¡No corras, churumbelillo,
no corras, que los gitanos
están sedientos de ti
y te traen más regalos!
Un niño las va cogiendo
porque es un niño gitano
mientras su madre sonríe
con risa de guinda y nardo.
Toma mis tres cascabeles,
toma mi pañuelo blanco,
y como no tengo otra cosa
toma el coral de mis labios.
Las estrellas más bonitas
las va el niño separando;
- Toma, Madre, más estrellas
para que bordes tu manto.
Y en el polvo del camino
se perdieron los gitanos,
gitanos de verde luna
llenos de gracia y encanto.
Más tarde, dice la Luna;
Quiero me des de regalo
un lucero de cien puntas
con cien reflejos dorados.
Con su brillo de gran fiesta
y un cesto de mimbre blanco
sigue mirando la Luna
a aquellos niños gitanos,
que van dejando por siempre
su amor eterno y humano.
Y un beso estalla en la noche,
un beso rueda en el llano
y en la flor de una sonrisa
se queda el beso engarzado.
¡Corre, mi niño, que vienen
por el campo los gitanos
porque vienen a traerte como siempre
mil luceros de regalo!
De lejos … se oye una copla
que tiene “duende gitano”;
la está cantando “MONTOYA”
con el corazón vibrando,
porque el niño de la Luna
por siempre le está esperando.
_____________________________________________________________________________________
Éste, descalcito y roto por
el sol y viento curtido,
habla con los ojos bajos
entristecido y mohíno.
-¿Porqué no quieres que juegue
como siempre con tu Niño?,
-Mira, gitanillo guapo,
cuando ayer llegó a mis brazos
trajo sangre en el vestido;
no quiero que te lo lleves,
DIÁLOGO DE LA VIRGEN MARÍA
CON UN NIÑO GITANO
Sierra majestuosa de los Montes de Toledo
mañana de un marzo tibio,
la Virgen se pone seria
contemplando a un gitanillo
que se le acerca a su ermita.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
¡Déjame con mi cariño!
Virgencita, Madre buena,
si ayer llegó destrozado
no fui yo, fueron los chivos
que jugando lo tiraron
sobre una rama de espino.
¡Déjalo que venga y juegue!
¡No quiero, déjame al Niño
que ayer cuando le trajiste
estaba muerto de frío.
Pero, Virgencita,
yo le haré una candelita
con chaparros y tomillos;
Y la Virgen le responde:
¡Déjame que yo caliente
solamente a mi cariño!
Y el niño, con lágrimas
en los ojos le dice:
¡Le gusta al chiquillo tanto
venirse a jugar conmigo…!
Tengo que hacerle una choza
con varetas de un olivo
para que duerma la siesta
si se quedara dormido.
Y la Virgen le entristece diciendo:
yo quiero sólo que duerma
en mis brazos mi cariño.
Sólo quiero, Virgen Madre
enseñarle una jaula
que tengo con cinco grillos;
jugaremos con las cabras,
iremos a coger nidos,
bajaremos a la fuente
que tiene un espejo lindo
y veremos nuestras caras
haciendo muecas y guiños
y perderse y agrandarse
cuando tiremos un chino.
¡Sólo quiero que se mire
en mis ojos mi cariño!
Fíjate, mi Virgen buena,
con palillos de retama
y junqueras del camino
nos iremos junto al agua
y haremos un remolino
para que el agua lo mueva,
¡Verás lo que nos reímos!.
No insistas, ya te he dicho
que no quiero que se vaya mi cariño:
Entonces si Tú no quieres,
dijo con pena el chiquillo:
al menos me dejarás
que me quede aquí contigo.
La ternura de la Virgen
al fin el hielo ha fundido;
la sonrisa se entreabre
y una esperanza florece
sobre el corazón del niño.
La Virgen le da la mano
y con beso de cariño
le dice al Niño gitano:
Que DIOS TE BENDIGA siempre
por tu corazón gitano,
y te dejaré mi Niño
aunque sea sólo un rato
para que juegue contigo
y te dé un gran abrazo.
VILLARRUBIA DE LOS OJOS
NAVIDAD 2009
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CREACIÓN LITERARIA
HABERLAS, HAYLAS
Paula Martín-Moreno Romero
Esmeralda se desperezó esa mañana con la
sensación de que su cuerpo estaba más vivo que
nunca, no sabía la razón, pero notaba cada
nervio y cada músculo que la recorría como
nunca antes los había percibido. Debe ser la
resaca, se dijo, pero enseguida pensó que
normalmente ésta se presenta con el efecto
contrario, por lo que la descartó. Y es que la
noche anterior había celebrado su cumpleaños
con unos amigos en los pocos pubs de su
localidad, un pueblecito de La Coruña, que
contaba con algo más de dos mil habitantes.
Con la excusa de que no se cumplen veinte años
todos los días estuvieron de parranda casi toda
la noche, bebiendo y bailando sin cesar.
Su madre la esperaba para desayunar y
estuvieron hablando un buen rato antes de que
Esmeralda se fuera a trabajar. Era su tienda y
podría permitirse llegar un pelín tarde el día
después del “aniversario de su nacimiento”,
como a su madre le gustaba decir. Ese día no se
fue por donde siempre, algo dentro de ella le
pedía dar un rodeo por el bosque, adentrarse en
la espesura verde de ese trozo de Galicia,
húmedo y lleno de umbría, así que decidió coger
ese camino, sabía que le llevaría más tiempo,
pero no le importó. Todo lo contrario, anduvo
lenta, entreteniéndose, reparando en cosas en las
que nunca se había fijado: la corteza de los
árboles agrietándose para enseñar tímidamente
su interior, el rocío en la hierba abundante
reflejando colores mágicos, las mariposas que
revoloteaban a su alrededor ofreciéndole un
espectáculo de color y armonía… Pertenecía a
esos parajes, tal vez no se había dado cuenta
antes, pero hoy podía notarlo, podía sentir que
nunca podría apartarse de allí, era una sensación
extraña para ella, pero muy intensa, y le gustó.
Cuando llegó a la tienda, había
personas esperándola, que le recriminaron su
tardanza. Esmeralda las miró, sonrió y ellas se
quedaron paralizadas, como si hubieran sido
hipnotizadas por su sonrisa, ya no hacían falta
explicaciones, tampoco excusas. Fueron
entrando poco a poco, y la joven las atendió con
la dulzura y la paciencia que le caracterizaban.
Vendía té, chocolate y otros productos
procedentes de comercio justo.
Y así, entre bolsitas de té y bufandas de lana
virgen tejidas a mano pasó su jornada de
trabajo. Sin embargo, Esmeralda había notado
algo diferente: había sido capaz de escuchar,
pero no escuchar sin más; sino escuchar lo que
pensaban sus clientes, lo que no decían, lo que
se guardaban para ellos y que de verdad
reflejaba sus sentimientos. Cualquier otro día se
hubiera asustado y hubiera corrido a su casa, a
su madre, y le hubiera contado lo que le estaba
ocurriendo, pero hoy no, hoy era distinto; no
sentía miedo ni nerviosismo, ninguna sensación
negativa, sólo paz fluyendo en su interior.
Cuando acabó de trabajar regresó a casa, por el
bosque de nuevo, pisando las hojas dormidas
que crujían bajo sus pies, aspirando el aire
centenario que la envolvía. De repente, le
pareció percibir algo a lo lejos, una figura, tal
vez un hombre que estaba cazando; no, se
trataba de una silueta femenina que corría.
Esmeralda intentó seguirla con sus grandes ojos
verdes y avanzó lo más rápido que pudo tras
ella. ¡Espera!, le gritó. Pero esa mujer no la
esperaba: corría y corría, veloz como el viento.
La carrera terminó en un claro del bosque, en
– Aquí tiene, don Rafael.
-Dele recuerdos a sus hijos, doña Aurora.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
forma de círculo, y en el centro del círculo se
erigía un monolito con una forma difícil de
describir, que Esmeralda no pudo reconocer ni
asociar con nada conocido ni visto antes. Por
desgracia para ella no había rastro de la mujer.
Vaya, pensó, todas estas zancadas no han
servido para nada, ¿dónde se habrá metido? Un
sentimiento de pena la invadió, le hubiera
gustado tanto llegar a ella, mientras la perseguía
había alcanzado a ver su cabello, de color claro
y trenzado hasta la cintura, su cara de facciones
suaves como la de un ángel y sus movimientos
gráciles, similares a los de una gacela. También
había notado que su ropaje era raro, como si se
tratase de una túnica de color verde, que en
momentos se confundía con la vegetación. Sin
duda, si existiesen las hadas podría decir que
acabo de ver una, se dijo Esmeralda,
decepcionada, aunque a la vez alegre por la
oportunidad de haber tenido esa experiencia.
corría, y sin pensárselo dos veces lo cogió, lo
metió en su bolso y echó a andar, decidida a
explicarle a su madre lo que le había pasado y
llevarla a ese lugar del bosque que después de
veinte años recorriéndolo no había llegado a
conocer, como si hubiera salido de la nada.
En casa no había nadie, sólo una nota de su
madre la esperaba y decía que esa noche tendría
que trabajar, sentía mucho no poder
acompañarla y le deseaba que durmiera bien, se
verían por la mañana. Esmeralda agarró el trozo
de tela verde y lo apretó contra su pecho, gesto
que pareció consolar su desilusión. Llegó a la
conclusión de que sería mejor que cenara algo y
se acostara pronto porque mañana debía
madrugar y no podía arrastrar tanto cansancio,
demasiadas emociones para tan pocas horas. Y
así lo hizo.
Sobre las doce de la noche se despertó, agitada
y otra vez con la sensación de estar muy viva,
volvió a coger el trozo de tela, que la tranquilizó
por un momento, se lo ató a la muñeca izquierda
y decidió volver a dormir. Pero la luna llena de
esa noche empezó a invadir la habitación con su
luz y no pudo conciliar el sueño. Se levantó,
contemplando esa luna redonda, completa y
empezó a sentir un deseo irrefrenable de ir a ese
claro del bosque que había visto esa misma
tarde. Una fuerza desconocida la llamaba. Con
su camisón y descalza, empezó a correr hacia
ese lugar, los pies empezaron a dolerle, pero al
poco tiempo notó cómo se elevaba y seguía
avanzando, estaba…flotando. Al principio sintió
frío, y dudó si debía seguir, pero pronto éste se
mitigó conforme se acercaba a ese sitio tan
especial. De él surgía luz, una luz blanca y
cálida que marcaba el camino. Entendió que no
debía oponer resistencia, tan sólo dejarse llevar.
Por fin llegó al monolito, que estaba rodeado
por mujeres parecidas al hada que había visto
por la tarde, todas de la mano, bailando y
cantando en una lengua que no entendía pero le
sonaba familiar. Había estado siempre dentro de
ella. El corro de siluetas danzantes se rompió a
su llegada y surgió de la luz una mujer. Su
madre, claro. Ésta tomó de la mano a Esmeralda
y le dijo en la lengua de los cánticos:
¡Bienvenida hija, te estábamos esperando, eres
la última piedra!
Decidió seguir hacia su casa, pensando si
contarle ó no a su madre las cosas tan curiosas
que le habían sucedido durante el día. Pero no
pudo evitar darse la vuelta, para volver a ver el
monolito con esas extrañas figuras que no
parecían ser humanas. Lo recorrió con sus ojos
verdes, los mismos ojos verdes que hicieron que
su madre le pusiese de nombre Esmeralda, “su
piedra preciosa”. En lo alto del monolito notó
que había un trozo de la túnica de esa mujer que
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CREACIÓN LITERARIA
TODO POR LA BANCA
Ángel González Puga
Son cosas de la recesión, ¿sabes?, pero no te
preocupes, pasará, porque no hay mal que cien
años dure ni perro que lo resista, ¿entiendes?,
además, a veces tenemos que retroceder para
tomar impulso, afirmarnos sobre nuestros
cuartos traseros, otear con atención el horizonte,
husmear en derredor y reorganizarnos para
avanzar y vencer, lo aprendí en el ejército,
Toby, y el ejército es una buena escuela de
supervivencia para los marginados como
nosotros, así que tú tranquilo, mantente ahí,
campeón, vigilante sobre el felpudo de tu cajaestrado, no hay que perder la compostura, eso lo
último, fíjate, hasta yo me he puesto un
limpiabarros a la entrada del chamizo, para que
veas, y es que España nos contempla, Toby, el
primer mundo nos observa, por eso no hay que
bajar la guardia nunca, eso lo último, siempre
ojo avizor y la picha tiesa, Toby, como
Berlusconi en Villa Certosa, faltaría más, con
un par, como corresponde a un perro de pelea
cordobés y a un conductor con carné de primera
especial, y sí, ya sé, ya sé, no hace falte que me
lo recuerdes, Toby, ya sé que no estamos en
Cerdeña ni en el mejor de los mundos, a mí me
lo vas a contar, chaval, claro que no, no
estamos en Cerdeña ni puta falta que nos hace,
mira tú, pero eso a nadie le importa, amigo, qué
más da si estamos a la orilla del Turia o del
Sena, qué más da, somos un grano de arena en
el desierto, quién se va a preocupar de un
camionero en paro y de un can sarnoso, dime, a
ver, ni dios, por eso tú alerta, sin bajar la
guardia, con dos cojones, es la única forma, y
disculpa que me meta ahora en la garita y te
deje aquí plantado defendiendo el contáiner a ti
solo, tengo que descabezar un sueñecito,
camarada, he pasado una noche de perros, con
perdón, y no me sostengo, pero el contáiner es
sagrado, ya lo sabes, como si guardáramos en él
el Santo Grial, porque ahí está encerrada toda
una vida, menos el piso, claro, el piso no nos
cabía, y eso que era pequeñito, de los de
protección social, ni la hipoteca, que esa sí que
era grande y desprotegida, por eso se lo quedó
el banco, que les aproveche y revienten, y por
mí no te preocupes, Toby, nadie me molestará,
verán la pintada: Prohibido el paso (con hache
intercalada y todo, para que vean que la miseria
no es enemiga de la buena ortografía) y me
respetarán, seguro, porque la cultura siempre
impone, ¿a que sí?, ¡ja,ja,ja!, qué vida más
arrastrada, tío, menos mal que te tengo a ti,
Toby, el mejor compañero del hombre, el único
compañero de este hombre, porque ella también
se las piró en estampida, qué iba a hacer la
mujer, lo entiendo, no se lo reprocho, volvió con
sus viejos, qué remedio, yo ya no tenía nada que
ofrecerle, y menos a los niños, ¡pobres!, qué
sabrán ellos de recesiones, ¿verdad?, mejor así,
al menos con los abuelos van tirando, a ti y a mí
nos da igual, Toby, estamos acostumbrados a
dormir en la cabina del tráiler o a pasar la
noche en blanco si se tercia, pero eso sí, como
reyes, todo hay que decirlo, y comiendo en los
mejores restaurantes de carretera de España, ¿te
acuerdas?, y bebiendo en los puticlubs más
guays de la costa...¡qué tiempos!...¿o ya los has
olvidado, so mamón?, buen pelo tenías
entonces, no como el de ahora, ¿verdad?, lo que
va de ayer a hoy, hay que joderse, tirados al
borde de un arroyo, basura, pura basura, quién
nos lo iba a decir, campeón, si Diógenes
levantara la cabeza...
Pero tú duerme, recóbrate de la resaca,
Vicentón, que falta te hace, y que tengas buenos
sueños, que no todo va a ser malo en esta vida,
hombre, aunque no entiendo por qué me has
atado a mí también a tu caseta de chabolista,
amigo, a tu destino de fracasado, de perdedor
que dicen los americanos, ¿acaso no te fías de
mi lealtad perruna?, ¿te piensas que me voy a ir
con el primero que pase, con el primero que me
ofrezca un mendrugo de pan, como hacéis
vosotros, los hombres?, no, tío, yo no soy de esa
clase de perros, no me vendo por un plato de
lentejas al mejor postor, eso queda para
vosotros, los humanos, vaya tipejos, al primero
que podéis se la claváis, y al que le den que se
quite, sois unos bultos sospechosos, de vosotros
no se puede fiar ni dios, no me extraña que me
digas que no me aparte de aquí, sois capaces de
robar hasta a los muertos, cuánto más a un
pobre desgraciado tirado al borde de la nada, a
vosotros sí que había que ataros a un contáiner
para que no fuerais por ahí saqueando el mundo,
no tenéis remedio, y eso que dicen que sois los
seres más evolucionados del planeta, permíteme
que me ría, bueno, alguno hay, como ese tocayo
tuyo que acaba de morir en la India, la
excepción que confirma la regla, claro, y aún así
lo expulsaron al pobre hace unos años por
sospechoso, claro, quién se va a fiar de un
hombre bueno, algo andaría buscando entre la
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
mierda, ¿ayudar a los pobres?, no, hombre, a los
pobres hay que explotarlos como está mandado,
hipotecarlos como es de ley para tenerlos bien
sujetos por los huevos, y sentarlos ante el
televisor para que vean que los ricos también
lloran, corazón, corazón, y que vean fútbol,
mucho fútbol, que eso les relaja, y de vez en
cuando también conviene mostrarles una
fotografía de un perro guardando una caseta y
atado a un contáiner para tenerlos sobre aviso:
porque si la recesión continúa, amigos, esto es
lo que os espera: garita, contáiner y perro
ladrador. Y aunque te cueste entenderlo, porque
siempre has sido un poco duro de mollera, sólo
la Banca puede sacarnos de este atolladero,
Vicentón, ¿te enteras? Así que ¡Todo por la
Banca! A fin de cuentas, tío, a escote nada es
caro…
CREACIÓN LITERARIA - MICRORRELATOS
vieja diligencia atravesando el leve cauce de un
riachuelo. Me acomodé con un fondo musical
de Morricone, y me dejé arrullar con su lento
sonar entre cálidos gemidos. De repente, una
voz enérgica se oyó, y al abrir los ojos
contemplé en la pantalla la figura inconfundible
de Clint imponiendo la ley ejecutora de las
balas.
Tras la agitada noche, el pasillo de la pensión
estaba en un sospechoso silencio... Miré el reloj
y descubrí, con absoluta desolación, que debería
esperar otros dos largos años para otro examen
de oposición. En ese momento, aborrecí de por
vida el maldito western.
LA MORDEDURA
Leandro Molina Villaseñor
CIUDAD REAL
Al abandonar la estación, visité aquella
bulliciosa plaza árabe, exultante de típicos
personajes legendarios. El horizonte exhalaba
vapores y aromas que, penetrantes, alimentaban
mis sentidos. Me detuve a escuchar la elocuente
historia de un cuentacuentos, y enseguida
descubrí que relataba una conocida historia de
abogados para mí ya familiar… ¡Era el mismo
relato ganador de abril en ese famoso Concurso!
Me encaré al fingido narrador y le amenacé de
inmediato con una querella por plagio
intelectual. El aguador, percatándose de la
acusación, ofreció de inmediato su interesado
arbitraje en este litigio. De pronto, una solícita
multitud me rodeó para exigirme su parte
compensatoria de daños, prejuicios y demás
provechos. En ese momento vi peligrar mi
tullida nómina. El ofendido narrador, fuera de
sí, inició una veloz carrera hacia mí. En la
huída, tropecé con la cesta de un encantador de
serpientes, que me agarró al paso y me reclamó
su dañada sierpe…
-¡¡¡Un dirham, por favor, para este pobre
deudor amputaaaado!!!
NANORRELATO
Andrés Carretero Sosa
Frulo corría despavorido por los pasillos
oscuros de la casa. Estaba abandonada, lo sabía,
pero estaba seguro de que le seguían. Bajó las
escaleras y vislumbró la puerta, la salida, el fin
del terror. Afuera estaba el día. El corazón
amenazaba explotarle y los pulmones se le
salían por la boca. Con un esfuerzo
sobrehumano logró salir al exterior. Pasó quince
minutos allí tumbado, descansando, sabiéndose
seguro. Después se levantó, comenzó a caminar
hacia la playa y miró hacia atrás pensando;
"mañana volveré".
Desde aquellas vacaciones, desde aquel crucero
en el que naufrago en aquella isla todos los días
volvía a aquella casa abandonada.
El miedo a los fantasmas era la única forma de
no sentirse solo.
FUERA DE LA LEY
Leandro Molina Villaseñor
CIUDAD REAL
De fondo me acompañaba un rumor estrepitoso
de caballos que me hacía brincar en el sofá en
una intermitente dormivela. Yo resoplaba
indolente, ajeno a toda aquella algarabía. En un
instante, creí oír a lo lejos el chasquido de una
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
MÚSICA
INFLUENCIAS DEL ROCK AND ROLL
EN LA MÚSICA Y LA SOCIEDAD
Francisco J. Serrano López
Si pudiera encontrar un blanco con el sonido y
sentimiento de los negros me haría rico. Estos
eran los clarividentes sueños de Sam Phillips
mediada la década de los 50, después de haber
trabajado como pinchadiscos y productor de
algunas canciones, Sam acababa de poner en
marcha Sun Record, el mítico sello
discográfico, que acogió a la flor y nata del
naciente rock and roll. Un día de 1953 un
muchacho de 18 años llamado Elvis Aaron
Presley decide regalarle a su madre una canción
en el día de su cumpleaños, la gente de los
estudios Sun quedan sorprendidos con su voz y
sus maneras y le hacen firmar un contrato de
opción, para que a la primera oportunidad grabe
una balada para ellos. La breve historia que
sigue aunque ha sido contada centenares de
veces ejemplifica a la perfección los primeros
pasos de la que, con el tiempo, iba a ser la gran
industria mundial del pop-rock. Transcurre 1954
en los estudios Sun Records, radicados en
Memphis (Tennessee). Sam Phillips llama a
Elvis Presley para que grabe la balada que tenía
apalabrada desde meses atrás. Elvis se incorpora
al estudio, arranca a su aire los primeros
compases de “That’s all right mama!”, y aquí
empieza la historia.
Cuando el rock and roll saltó desde su tierra de
origen a Europa, la historia iba a dar otros
importantes saltos cuantitativos y uno
cualitativo, nacía el pop, el cantante solista
dejaba el primer plano para cederlo a los
conjuntos, por otro lado los ídolos de la música
juvenil ya se vendían desde un principio como
una moda global, en la que además de su música
participaba su corte de pelo y la longitud del
mismo, las vestimentas que utilizaban, sus
gestos, sus preferencias en automóviles,
comidas, bebidas, ideologías, religiones y
cachivaches del más diverso orden. Pocos
fenómenos de masa tan universales y
espectaculares como la Beatlemanía, en poco
menos de un año la fama de los Beatles se
extendió por el mundo y llegó a todos los
continentes, cuando estaban a punto de
extinguirse los sesenta, lo que en Europa se
vivió como marea política deseosa de un cambio
radical en la sociedad, en Estados Unidos tiene
su expresión a través de las grandes reuniones
de masas, para disfrutar de las flores, el amor,
las drogas y la música, se vivió la era de los
grandes festivales. La música rock ha ejercido
desde su nacimiento hasta nuestros días una
gran influencia en el mundo occidental, a partir
de su aparición en 1954, cada nueva generación
ha utilizado el rock como el principal medio
para expresar su rebeldía y comunicar sus
inquietudes e inconformismo y es que esta
música siempre está de plena actualidad por su
desbordante fuerza.
Hay otra manera más profunda de interpretar el
nacimiento del rock, durante la segunda guerra
mundial, se produjo un hecho importante para
comprender el nacimiento de una nueva música,
en las tropas norteamericanas, blancos y negros
se hermanaron en una lucha común combatieron
codo con codo en las trincheras de Europa o en
las islas del Pacífico, esto produjo un
acercamiento entre hombres de la misma
nacionalidad pero de distinta raza, que
comenzaron a conocerse un poco mejor, el
medio más expresivo más vital fue la música,
por un lado el negro poseía la tradición de sus
cantos espirituales, la energía del blues, la
brillantez del jazz y el ritmo en la sangre, por
otro lado el blanco cultivaba un rico folk
popular, aportación de las muchas culturas de
las gentes emigradas a Estados Unidos.
Elvis Presley
11
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
Pronto se abrió en la música una nueva
generación, buscaba un lenguaje propio, una
identidad común, se produjo entonces un nuevo
acercamiento entre la música blanca y la negra,
debido a una nueva actitud y también a la
incorporación del ritmo en ambas músicas. Los
negros habían combinado hacia los años 40 el
ritmo con el blues, creando el llamado rhythm
and blues, los blancos combinaron el ritmo con
el folk dando origen al country and western,
estas dos corrientes tendieron a unirse, y con
ello llegó el rock and roll, que marcó la
generación rock vigente hasta hoy. El arranque
de esta música se produjo en 1954. Este año un
músico llamado Bill Haley, editó un disco
titulado “Rock around the clock” (Rock
alrededor del reloj), poco tiempo después un
famoso disc jockey bautizó la nueva música con
el nombre de rock and roll, de alguna manera
había que llamarla.
Durante los años siguientes, el rock and roll
arrasó musicalmente y fue el motor de todas las
innovaciones que se produjeron en el campo de
la música. Junto a Elvis triunfaron negros como
Chuck Berry, Little Richard y blancos como
Carl Perkins y Jerry Lee Lewis, apodado “the
killer”, por su forma de tocar el piano, pero
nadie como Elvis contribuyó a su popularidad y
aceptación. Porque el rock tuvo, sobre todo en
sus comienzos, muchos detractores, esta música
era expresión de inconformismo de la juventud,
muchos puritanos aseguraba que era música del
diablo, obscena e inmoral, y además un invento
comunista para contaminar la “limpia juventud
americana”, pero poco importó que los
puritanos consiguieran que muchos se fueran
del rock, que no emitieran esta música por la
radio o que en un programa de televisión sólo se
permitiera enfocar a Elvis de cintura para arriba,
pues consideraran que sus movimientos eran
obscenos, el rock era imparable. En 1959 ya no
quedaba nada de la rebeldía que había
impregnado la primera generación del rock, el
estilo musical y de vida que habían creado
fueron aniquilados, Elvis que marchó para
cumplir el servicio militar cuando regresó ya no
quedaba nada de su primitivo espíritu y la
música dejo de tener garra y la fuerza de su
origen, aunque desaparecidos los pioneros, los
nuevos ídolos vendieron igualmente millones de
discos, con el rock and roll reconducido,
orientado y manipulado, de 1959 a 1964
aparecieron en Estados Unidos nuevos estilos
bailables, como el Twist, o modas musicales,
como California Sound, eran destellos del viejo
ímpetu pero nada más. A comienzos de los años
60 surgió de forma lenta pero implacable la voz
de los nuevos folk fingers (cantantes populares),
estos tenían una conciencia social, mucho más
identificada con las nuevas realidades,
cultivaron la canción protesta y eran declarados
pacifistas, este movimiento pronto se convirtió
en el pulmón de la evolución musical. Pero
aunque folk fingers como Bob Dylan y Joan
Baez, fueron el acicate del cambio, el auténtico
rompimiento llegó a la dormida América desde
Inglaterra, en este país el rock and roll había ido
dejando su propia huella, sin haber sido
destruida por ninguna “mayoría moral” había
continuado su curso evolutivo lo mismo que una
bola de nieve arrojada desde una montaña, de
Inglaterra saldrían los Beatles, a partir de
entonces ya nada sería igual.
El rock and roll entró en Inglaterra por dos
puntos: Londres y Liverpool. A la capital iban a
actuar las grandes estrellas del rock americano,
a Liverpool llegó la música que no tenía unos
canales propios, los innovadores que no habían
conseguido el estrellato. Un grupo de Liverpool
empezó a tocar una variante blanda del rock a
Bill Haley
Otro factor que influyó en el nacimiento de la
nueva música fue el avanza tecnológico que
permitió el masivo consumo de la música
gracias a la radio y al tocadiscos portátil. Surgió
la alta fidelidad, nació la guitarra eléctrica, y los
viejos discos de 78 revoluciones por minuto
dieron paso a los de 33 y 45 con tres
modalidades: long play (L.P. o elepé), extender
play (E.P.) y single (sencillo).
Los primeros grandes roqueros fueron
esencialmente cantantes negros de rhythm and
blues y cantantes blancos de country and
western, ritmo de blues al oeste del país, pero en
1956 nació un estilo que fundía perfectamente
ambas tendencias, este estilo se difundió gracias
a la fuerza irresistible del “rey” Elvis Presley.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
comienzos de los 60, sin embargo pronto
evolucionó por otros derroteros y comenzó a
reivindicar a los grandes del rock and roll como
Chuck Berry. Este grupo era, claro está, los
Beatles. Formado por cuatro chicos surgidos
prácticamente de la calle, ellos rescataron el
rock del pasado y lanzaron de nuevo a sus
impulsores a la luz pública, al tiempo que
lograban el milagro de unificar al mundo entero
en torno al fenómeno de la música. Este grupo
nacido al tiempo que se producía el auge de la
cultura pop (popular) creó un nuevo orden
sonoro, un nuevo estilo: el beat (golpe), cuyo
nombre se debe al ritmo mantenido en la
estructura de sus canciones. El 5 de octubre de
1962 los Beatles editaron su primer disco, esta
fecha se considera como el nacimiento de la
Década Prodigiosa, los felices años 60, durante
esta década, los medios de comunicación
alcanzaron un gran desarrollo, los Beatles
fueron los primeros músicos que se beneficiaron
de este fenómeno, con ellos la música pop
alcanzó
unas
cotas
de
popularidad
impresionantes. En 1964 conquistaron Estados
Unidos, su actuación televisada batió todos los
records de audiencia, a los pocos días ocho de
sus canciones estaban entre las diez más
vendidas y oídas, nunca había sucedido nada
igual, y nunca ha vuelto a suceder,
curiosamente, unos ingleses triunfaban llevando
el rock a la nación que lo había engendrado y
reivindicando a sus ídolos caídos. Las largas
melenas de los Beatles eran el primer desafío de
la nueva generación, pero pronto surgió un
grupo que interpretaba una música más
agresiva, que partía de rhythm and blues negro,
los Rolling Stones, el peculiar estilo violento y
duro de este grupo rival de los Beatles les
granjeó el sobrenombre de “los enemigos
públicos nos 1”. Tras los Beatles y los Rolling
hubo un alud de nuevos grupos, entre los que
hay que destacar los Who, los Animals, los
Hollies, Manfred Mann, Spencer David Group,
los Moody Blues, Bee Gees, etc. Esta época se
llamó “la era dorada del pop” nunca hubo una
conmoción tan fuerte había sacudido a la
sociedad en todas sus manifestaciones, porque
no solo fue la música la que cambió, fue el arte,
la literatura, la pintura, la forma de pensar, de
vestir, etc. En apenas cuatro años miles de
fantasías se hicieron realidad para los jóvenes,
su forma peculiar de ver la vida culminó en el
Mayo del 68, con la revolución cultural
desencadenada en París, que hizo famosa la
frase: “La imaginación al poder”.
En España y a partir de 1964 comenzó la era
dorada del pop español, proliferaron los grandes
conjuntos como los Brincos, los Bravos, los
Mustang, los Sirex, Lone Star, los Salvajes y
muchos más, que realizaban versiones en
castellano de temas extranjeros pero también
marcaron las pautas de un primer estilo
netamente hispano.
Los años 60 fueron en Estados Unidos un
tiempo de convulsión, cuando los americanos
descubrieron que los soviéticos tenían instalados
en Cuba misiles que apuntaban hacia su país,
estuvo a punto de desatarse una guerra atómica.
En noviembre de 1963 “el presidente de la
esperanza”, John F. Kennedy fue asesinado y a
continuación llegó la guerra de Vietnam, en la
que miles de chicos de 17 a 19 años tuvieron
que combatir, sin saber en muchos casos porque
lo hacían. Junto al rock y el pop surgió con
fuerza la voz de los folk singers, que buscaban
sacudir la opinión pública con sus canciones
protesta a favor de la paz y en contra de las
injusticias y las desigualdades. Pronto ese folk
puro, testimonial y combativo penetró en un
callejón sin salida, con la masiva explosión
desencadenada por los Beatles, Bob Dylan, el
gran defensor de los derechos civiles, con su
aspecto de niño malo, su guitarra, su armónica
colgada del cuello y sus corrosivas canciones,
fue el primero en comprender que la música
acabaría siendo más importante que la letra, el
mensaje subsistiría sólo si la música lograba
captar al público. En 1965 Dylan se presentó en
el festival de Newport con una guitarra
eléctrica, fue el primero en abandonar el folk
puro y acercarse al rock, creando un nuevo
estilo: el folk rock. Durante el verano de 1967,
la música pop alcanzó su punto álgido con la
aparición del que está considerado como el
mejor L.P. de los años 60: “Sgt. Pepper’s
Lonely Hearts Club Band”, de los Beatles. Sgt
Pepper’s no solo representó la cumbre del pop,
también introdujo un nuevo concepto musical.
Hasta ese momento los grupos y cantantes
hacían canciones sueltas que publicaban en
singles, pero con el con Sgt. Pepper’s se
introdujo y comenzó a imponerse el concepto de
álbum. Los grandes creadores empezaron a
componer obras no canciones, por ejemplo los
Who, desarroparon su primera ópera rock
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
Tommy, en 1967. El mundo del rock esos años
iba sufriendo múltiples conmociones que se
sucedieron a una velocidad vertiginosa. Janis
Joplin, la mejor cantante blanca de los sesenta,
murió en 1970 mientras grababa su tercer L.P.
Jimmy Hendrix, el más fantasioso, visceral y
apocalíptico guitarra también murió en 1970, y
en ese mismo año los Beatles se separaron de un
modo definitivo.
FOLK: Música popular en su estado más puro,
nacida de la fusión del folclore de distintos
pueblos emigrados a los Estados Unidos a fines
del siglo XIX y principios del XX, que
engendró una música autóctona y de gran
trascendencia social.
FOLK-ROCK: Folk electrificado, es decir, con
pautas roqueras.
GOSPEL: Música espiritual negra, liberadora de
emociones, surgida de los cantos de los
servicios religiosos.
JAZZ: Música negra del siglo XX con mucho
ritmo y que basa su estructura en la
improvisación. En los años setenta se fusiona
con el rock.
POP: Música popular de los años sesenta y las
siguientes décadas, es un rock elemental y
comercial.
RHYTHM & BLUES: Blues con ritmo, antesala
del rock and roll, y primer estilo comercial de la
música negra, gracias al cual llegó a un amplio
público, aunque sus orígenes sean elitistas y
puristas como los del blues.
ROCK: Término que engloba toda la música
surgida tras el nacimiento de rock and roll en
1954.
ROCK SINFÓNICO: Rock con pautas de
música clásica y grandes desarrollos ejecutado
por músicos de gran nivel, se cultivó
fundamentalmente a principios de los setenta.
ROCKABILLY: Variante del rock and roll
surgida en el sur de Estados Unidos a través de
un mayor ritmo en la música country, está
influido por los ritmos negros, basa su
instrumentación en las guitarras y es sumamente
bailable.
SOUL: En inglés “alma”, música negra que
incorpora instrumentos de viento, marcó el
primer auge de las discotecas en la segunda
mitad de los años sesenta.
TWIST: Básicamente un estilo de baile, aunque
tuvo a comienzos de los sesenta una clara línea
musical partiendo del rock and roll.
DISCO: Música de discotecas, bailable, basada
preferentemente en el ritmo y la repetición.
El más importante “supergrupo” formado en
1968 fue Led Zeppelin, una banda que impuso
el concepto de rock duro a través del personal
estilo de tocar la guitarra de Jimmy Page. Otro
gran mérito de Led Zeppelin fue el cambiar la
estética del espectáculo en vivo. Durante los
años 60 la mayoría de los grupos actuaban muy
brevemente en sus respectivas apariciones en
público los Beatles por ejemplo no solían tocar
más de media hora, y en 1966 se retiraron del
directo. Sin embargo con Led Zeppelin los
espectáculos en directo llegaron a durar tres y
cuatro horas, además estos se masificaron
gracias a su puesta en escena en los grandes
estudios. Fueron en definitiva el primer grupo
en llevar al público la magia de lo que todavía
hoy es un concierto en vivo.
Este artículo en parte no ha sido difícil
desarrollarlo, independientemente de disponer
de una amplia documentación, el que esto
suscribe se ha sentido, revitalizando esas
vivencias musicales y sociales de los años
sesenta y setenta, como pez en el agua, en todos
sus comportamientos e improvisaciones. Sin
que sea un agravio comparativo, la serie de
televisión “Cuéntame como pasó”, y el posterior
programa, “50 años de canciones”, es un fiel
reflejo y demuestra que recordar, ver, oír y leer,
es volver a vivir, por lo tanto y sobre todo hay
que leer mucho, y de esta manera uno nunca
estará sólo.
Principales estilos del rock:
BEAT: en inglés “golpe”, estilo marcado por el
compás de la batería, base de la música entre
1962 y 1967.
BLUES: término que expresa un estilo musical
y también un sentimiento de tristeza,
musicalmente es un ritmo primitivo y lento,
heredado de los esclavos negros llevados a
Norteamérica, tiene varias tendencias como el
blues rural, el blues urbano, el country blues, y
naturalmente el popular rhythm and blues.
COUNTRY & WESTERN: música popular
rural norteamericana, herencia del folk.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CINE
CLINT EASTWOOD Y EL CINE
Daniel Martín-Moreno Romero
“¿Inocente? ¿Inocente de qué?”
Y es que, si tuviera que definir muchos de los
papeles que Eastwood ha interpretado en sus
películas, a nadie le sonaría raro que los
catalogase como el más malo de los buenos
unas veces, y otras como el más bueno de los
malos. Si bien es cierto que personajes
ambiguos que respondan a estos patrones han
sido la base de un gran número de películas y
libros, es en la filmografía de Eastwood donde
se hace de estas figuras auténticos iconos. Así,
por ejemplo, sólo siendo el más malo de los
buenos el detective Harry Callahan puede
anticiparse a los delincuentes y ganarles siempre
la partida (“Sé lo que estás pensando: ¿he
disparado cinco balas o seis?”), o el personaje
conocido como “El reverendo” en “El Jinete
Pálido” puede calzarse una sotana al mismo
tiempo que reparte ostias, sin h, de las que
duelen, a un salvaje grupo de mercenarios que
están acosando a una población minera. De la
misma manera, siendo el más bueno de los
malos, el arrepentido Will Munny de “Sin
perdón” puede recibir una somanta de palos sin
delatar a sus compinches o hacer oídos sordos,
por el recuerdo de su difunta esposa, a las
insinuaciones de las prostitutas a las que ha
acudido a ayudar; o el ladrón al que encarna en
“Poder absoluto” renunciar a su libertad y
complicarse la vida por desenmascarar a nada
menos que al mismísimo presidente de los
Estados Unidos.
Reflexiones del sheriff Little Bill – Gene
Hackman – al tiempo que le da una soberana
paliza al forajido casi moribundo Will Munny Clint Eastwood – en “Sin perdón”
Buena pregunta, por qué, a estas alturas de la
película, si imaginamos que no va dirigida al
pendenciero pistolero William H. Munny
(asesino de mujeres y niños, dinamitador de
trenes, etc., etc.) sino al conjunto de todos los
personajes encarnados (y creados, también
podríamos decir) por este genial actor y
director… ¿de qué es inocente el bueno y viejo
Clint Eastwood? Sin duda que, si cogiéramos
los diez mandamientos, no habría uno sólo que
no se hubiera saltado alguno de los personajes
de sus films. Así, seguro también que más de un
ficticio departamento de asuntos internos de San
Francisco habría vivido con menos problemas
sin las salidas de tono (y de gatillo) del detective
Harry “El sucio” Callahan, que las feministas se
hubieran sentido más cómodas sin las
bravuconadas machistas del ranger de Texas
Red Garnett de “Un mundo perfecto” y
tampoco cabe ninguna duda que se pueden
buscar instructores de marines y de policías más
políticamente correctos que sus personajes de
“El sargento de Hierro” o “El principiante”. Y
eso, estando del lado bueno de la ley, porque,
estando del otro lado, no podemos decir que el
señor Eastwood haya sido un ladrón tipo Robin
Hood (véase “El botín de medio millón de
dólares”, o “Los violentos de Kelly”). Y…
hablando de lado y lado, ¿Dónde situaríamos al
pistolero conocido como “el hombre sin
nombre” de la gran trilogía de Sergio Leone “El
bueno, el feo y el malo”, “La muerte tenía un
precio” y “Por un puñado de dólares”? Si, ese al
que el pérfido personaje de “el feo” (encarnado
por Eli Wallach) llamaba sencillamente “rubio”.
No, no podemos decir que sea fácil que alguno
de los personajes a los que ha dado vida el señor
Clinton Eastwood Jr, más conocido como Clint
Eastwood, pueda responder que sí, que es
inocente (no importa de qué, claro está) sin
sonrojarse. Y, sin embargo, es destacable la
simpatía que estos personajes despiertan en el
espectador. ¿Qué por qué? No lo sé. Supongo
que la atracción que en la sociedad ejercen los
chicos malos cuando se sabe que no son malos
de verdad, sino que sólo lo parecen. La simpatía
por el demonio, que dirían Los Rolling Stones.
Y bien ¿se han fijado? ¿Por cuántos alias vamos
ya? Hemos mencionado “el bueno”, “el rubio”,
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
“el reverendo”, “el sucio”, pero, y ¿qué decir del
personaje al que durante todo el musical “La
leyenda de la ciudad sin nombre” todos conocen
como “el socio”? Para aquellos que no lo hayan
visto seguro que no se imaginan al duro Clint
interpretando
a
un
humilde
granjero
reconvertido en enamoradizo buscador de oro
cantándole sus desdichas ¡a los árboles!. Y por
si no me creen, en el original : “I talk to the
trees, but they don’t listen to me”.
¡Harry el sucio cantándole a los árboles! Hay
que ver.... Pero no me desvío más, porque a
medida que voy escribiendo este artículo me va
resultando cada vez más difícil centrarme en lo
que realmente pretendía, que no es otra cosa que
presentar la biografía y filmografía de este gran
autor y centrarme en la última etapa de ésta, en
que se ha consagrado como director,
equiparándose para muchos a auténticos
clásicos de la misma talla que John Ford, Orson
Welles, etc.
pantallas de todo el país con la serie sobre el
oeste Rawhide (Látigo), que se emite desde
1959 a 1966. Las últimas temporadas de la serie
las compagina con el rodaje de las tres películas
que rueda a las ordenes de Sergio Leone en
Almería: “Por un puñado de dólares” (1964),
“La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno,
el feo y el malo” (1966).
Decidido ya a dejar la pequeña pantalla y
dedicarse de lleno al cine inicia el rodaje en
1967 de “Cometieron dos errores”, con su
amigo Ted Post. Comienza de esta manera la
etapa en la que encarna a diversos tipos duros
sin escrúpulos, como en “La jungla humana”
(1968), su primera colaboración con el director
Don Siegel, o “Dos mulas y una mujer” (1969)
también de Don Siegel.
En 1971 dirige (y protagoniza) su primera
película: “Escalofrío en la noche”, que recibe
elogiosas críticas, y ese mismo año se pone de
nuevo a las ordenes de Siegel metiéndose por
primera vez en el papel de Harry Callahan en
“Harry el sucio”.
A lo largo de las décadas siguientes va
compaginando sus trabajos como actor para
otros directores, como en las películas de la saga
de Harry el sucio; y sus trabajos como director,
que se van dotando de cada vez más y más
calidad. Destacan de esta época producciones
como “El fuera de la ley” (1976) o “El jinete
pálido” (1985).
Y así, entre película y película, llegamos en
1992 a “Sin perdón”, su consagración como
cineasta. Y la que se puede decir que inicia un
ciclo que, sin despreciar las películas anteriores
de Eastwood, podríamos catalogar como dorado
o clásico.
Pero antes de presentar las principales películas
de este periodo, y para terminar de pincelar la
biografía del señor Clinton Eastwood Jr., pues
sólo decir que para la época en que rodó “Sin
Perdón” ya se había casado cuatro veces, una de
ellas con una actriz a la que dirigió en varias de
sus películas: Sondra Locke. Con ella inició un
idilio que puso fin a un matrimonio de treinta y
cinco años con su primera esposa. Con el
tiempo, también se divorció de Sondra Locke, y
tras otro matrimonio fallido está casado
actualmente con la periodista hispana Dina
Ruiz. Entre tanto, y desde 1986 a 1988 fue
alcalde de la localidad de Carmel, en California,
por el partido republicano, renunciando en 1988
al cargo alegando falta de tiempo para sus
compromisos profesionales. Como regidor, tuvo
tiempo al menos, eso sí, de iniciar una política
de apoyo al medio ambiente y al pequeño
comercio de la localidad.
Una vez dibujado a grandes rasgos el perfil de
Eastwood, y centrándonos en su última etapa
como director, a ella pertenecen, sólo por citar
Pues bien, Clinton Eastwood Jr nació en San
Francisco en 1930. En plena época de la
depresión americana, su familia tuvo que
recorrer diversas ciudades del oeste de Estados
Unidos siempre en busca de trabajo para el
padre. No destacó en sus estudios, aunque sí
tenía otras aficiones que ha conservado hasta la
actualidad, como el deporte y la música. Cuando
terminó el servicio militar obligatorio se ganó la
vida en diversos trabajos como albañil,
bombero, pianista, etc. antes de comenzar su
carrera como actor, animado por algunos actores
amigos suyos, participando en típicas
producciones de serie B de los años 50 (como
“La venganza del monstruo de la laguna
Negra”, de Jack Arnold, rodada en 1955). De
ahí salta a la televisión y se hace popular en las
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
algunos, los siguientes films, que seguro irán
sonando a cada vez más lectores a medida que
avancemos en el tiempo:
Dollar Baby” en su palmarés) fue su película
más aclamada y laureada. Un drama con la
mafia irlandesa como telón de fondo en un
barrio marginal de Boston, con un soberbio
elenco de actores: Kevin Bacon, Lauren
Fishburne, Sean Penn, Laura Linney, Tim
Robbins, Marcia Gay Harden, etc., etc.
Million Dollar Baby (2004). Laureada película
de Eastwood, en la que vuelve a coincidir con
Morgan Freeman en este drama sobre la
ascensión y caída de una joven púgil
interpretada por Hillary Swank, que es
entrenada por los personajes interpretados por
estos dos veteranos actores.
Gran
Torino
(2008).
Con
actores
semiprofesionales, Eastwood rueda la historia, y
se mete en la piel, de Walt Kowalski, un
jubilado que, tras perder a su esposa, redescubre
la amistad y las ganas de vivir de la mano de
unos vecinos inmigrantes a los que antes había
despreciado. El final de la película es
antológico. También a destacar de esta película
que, en su faceta de músico, además de crear la
banda sonora del film, Eastwood se reserva la
de intérprete de la canción con la que termina la
película.
Un mundo perfecto (1993). Con Kevin
Costner, figura en alza en aquel momento,
después de rodar “Bailando con lobos”,
interpretando a un fugitivo de la cárcel que es
perseguido a lo largo de varios condados del
sureño Texas por un conservador ranger
interpretado por el propio Eastwood.
Los puentes de Madison (1995). Con Meryl
Streep. Parecía que tocaba después de las
violentas “Sin perdón” y “Un mundo perfecto”
un canto al amor como el que vemos en esta
película, en la que el director se reserva aquí el
papel de un fotógrafo de visita en una población
para rodar un reportaje fotográfico y se acaba
enamorando de un ama de casa local.
Poder absoluto (1997). Donde se vuelve a
encontrar con Gene Hackman, tras “Sin
perdón”, y cuenta por primera vez con Laura
Linney, que hace de su hija, la hija de un ladrón
de guante blanco que presencia un asesinato a
manos del presidente de los Estados Unidos
(interpretado por Hackman) y en lugar de huir
con el botín lo sacrifica todo para
desenmascarar al asesino.
Medianoche en el jardín del bien y del mal
(1997). Poco antes de protagonizar “American
Beauty”, Kevin Spacey se ponía a las ordenes
de Clint Eastwood para interpretar a un sibarita
aristócrata envuelto en un oscuro crimen que un
periodista interpretado por John Cusack está
dispuesto a esclarecer. Como anécdota,
comentar que en la película John Cusack se
enamora de su vecina, una joven interpretada
por la hija de Eastwood, Allison Eastwood.
Ejecución inminente (1999). Ahora el director
se reserva el papel de periodista en una trama en
la que éste lucha contrarreloj y contra su jefe
para evitar la injusta ejecución de un reo
condenado a la silla eléctrica por un crimen que
no cometió. Como rival, Denis Leary (el
bombero de la serie “Rescue me”) interpreta al
editor del periódico para el que trabaja el
protagonista, empeñado en que haga su trabajo
y se deje de altruistas investigaciones (y, ya de
paso, de acostarse con su mujer).
Deuda de sangre (2002). Basado en la novela
de Michael Connelly, Eastwood se mete aquí en
la piel del detective Terry MCcaleb en la
investigación de un asesinato de cuya víctima ha
recibido el corazón en donación, gracias a lo
cual ha podido salvar la vida. Algo no le cuadra
al viejo detective, y le ayudará a averiguarlo su
estrafalario vecino, un muy cambiado Jeff
Daniels.
Mystic river (2003). Después de Sin perdón
(que sería igualada posteriormente por “Million
No está nada mal su evolución desde aquel
oscuro pistolero de la trilogía de Sergio Leone,
¿verdad?
Ahora bien, antes de terminar el artículo, decir
que si bien lo he centrado en los roles de
Eastwood como actor y director no hay que
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
dejar de lado otras dos importantes facetas
suyas, las de músico y productor.
Así, como músico, ha compuesto la banda
sonora de muchas de sus películas, sobre todo
de las últimas, y ha editado varios discos. A él
le debemos, por ejemplo, el inolvidable tema de
guitarra “Claudia’s theme” de Sin perdón (en
colaboración con el compositor habitual de sus
films, Lenni Niehaus). Y podemos mencionar
también que fue nominado al globo de oro en el
2007 en el capítulo de mejor canción original
para la película “La vida sin Grace”, de James
C. Strouse. Además, se ha acercado también a la
música en sus películas “Bird”, sobre el
malogrado saxofonista Charlie Parker; y “Piano
blues”, de la serie de documentales sobre el
blues en la que también colaboraron entre otros
Martin Scorsese o Mike Figgis.
Como productor, por otra parte, creó en 1967 la
compañía Malpaso productions, que ha
producido o co-producido casi todos sus films
desde “Cometieron dos errores”, la primera
película que rodó después de la trilogía de
Almería.
Películas mencionadas.
Como actor y director:
2008: Gran Torino.
2004: Million Dollar Baby
2002: Deuda de sangre.
1999: Ejecución inminente.
1997: Poder absoluto.
1995: Los puentes de Madison.
1993: Un mundo perfecto.
1992: Sin perdón.
1990: El principiante.
1986: El sargento de hierro.
1985: El jinete pálido.
1976: El fuera de la ley.
1971: Escalofrío en la noche.
Como director:
2003: Mystic river.
1997: Medianoche en el jardín del bien y del
mal.
1988: Bird.
Como actor:
1974: Un botín de 500.000 dólares, de Michael
Cimino
1970: Los violentos de Kelly, de Brian G.
Hutton
1969: Dos mulas y una mujer, de Don Siegel.
1969: La leyenda de la ciudad sin nombre, de
Joshua Logan.
1968: La jungla humana, de Don Siegel.
1967: Cometieron dos errores, de Ted Post.
1966: El bueno, el feo y el malo, de Sergio
Leone.
1965: La muerte tenía un precio, de Sergio
Leone.
1964: Por un puñado de dólares, de Sergio
Leone.
1959: Rawhide (Látigo) (serie de televisión).
1955: La venganza del monstruo de la laguna
Negra, de Jack Arnold.
Y bien, querido lector de este artículo, sé lo que
estás pensando. ¿He mencionado todas las
películas de Clint Eastwood? ¿O me he dejado
alguna? La verdad es que con tanto darle a la
tecla yo también he perdido la cuenta, pero
tratándose de Clint Eastwood, posiblemente el
cineasta de renombre más completo existente en
la actualidad, ¿no crees que merece la pena
echarle otro vistazo al artículo, encontrar alguna
película de las que se mencionan que no hayas
visto (o que te apetezca volver a ver), hacerte
con ella y pasar un buen rato con el bueno y
viejo Clint?
18
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
CINE
DUKE ELLINGTON Y EL CINE
Jesús Fernández Vallejo
La música es un cedro, un árbol perenne de madera fragante y duradera.
DUKE ELLINGTON (“¿Qué es la música?”)
Para MARTA. Por llamarnos a veces a través de la música. Por su encanto.
1. El cine, un arte global.
su poética del arte musical. Recordamos ahora
con especial emoción, y simplemente a modo de
ilustración, dos títulos muy significativos en las
relaciones entre jazz y cine: El trompetista /
Young Man with a Horn (1950), de Michael
Curtiz, y Bird (1988) de Clint Eastwood. En el
primer filme, uno de los músicos más
carismáticos en el cine de mediados de los años
20, Hoagy Carmichael, narra –en su papel de
William “Smoke” Willoughby- la carrera
artística del músico Rick Martin (Kirk Douglas),
quien, a su vez, representa al mítico trompetista
de jazz Bix Beirbecke. El segundo filme, Bird
(1988), dirigido por Clint Eastwood, uno de los
cineastas más apasionados por el jazz, dentro y
fuera de sus películas, desarrolla con brillantez
y emoción la trágica vida del saxofonista
Charlie Parker, en la que ocupa un lugar muy
importante su relación con el músico Dizzy
Gillespie.
Desde sus inicios, a finales del siglo XIX, el
cine ha mantenido unas relaciones muy
estrechas y muy fructíferas con las artes
plásticas y las musicales. Los responsables del
llamado “séptimo arte” no ha dudado en recurrir
a especialistas de la música, del diseño artístico,
de la arquitectura y de la pintura, sobre todo,
para afianzar una puesta en escena, o en algún
caso un estilo personal (el cine de autor), que
mostrara a través de la imagen mundos e
historias muy concretos. Y es que el cine es el
arte de la confluencia, a pesar de la importancia
que se ha venido dando, sobre todo desde la
revista francesa Cahiers de Cinema, la
publicación de cine por antonomasia, a la figura
del director. No habría películas sin el concurso,
a veces no suficientemente reconocido, de
músicos, de diseñadores, de especialistas en
vestuario y en maquillaje, por no hablar de los
miembros del equipo técnico.
2. Cine y jazz.
No es el momento de presentar los principales
aportes de la música al cine, o, dicho de otro
modo, de señalar cómo y de qué manera el cine
ha utilizado la música con fines estrictamente
narrativos o funcionales. (De ello ya se trató de
manera muy clara y concisa en un artículo
recogido en el primer número de esta revista.)
Sí queremos afirmar, no obstante, que de todos
los estilos musicales, el jazz es sin duda alguna,
quizás por el hecho de ser coetáneo, uno de los
que ha estado más presente en el cine. Todas las
filmografías, especialmente la estadounidense,
han recurrido una y otra vez a las melodías
jazzísticas
para
ambientar
historias
especialmente de carácter melodramático. No
han faltado tampoco algunas muestras muy
interesantes de biografías (biopics) de músicos
de jazz ilustres, en las que, sobre todo,
directores y guionistas buscaban más el lado
morboso de la vida (casi siempre difícil y con
un final trágico) del músico, y atendían menos a
Fotograma de “Bird”
En cualquier caso, el estudio en profundidad del
mundo musical de una figura de jazz, desde
Louis Armstrong hasta Miles Davis, o desde
Dizzy Gillespie hasta John Coltrane o Bill
Evans, por citar sólo a mis músicos preferidos,
sólo se puede llevar a cabo a través de un
género como el documental (o el llamado “falso
documental”), que apunta a otras expectativas
de crítica y de público. A este respecto, no
podemos dejar de citar la maravillosa serie
cinematográfica producida por Martin Scorsese
que responde al título de “MARTIN
SCORSESE Presents THE BLUES”: en ella
varios directores de reconocido prestigio se
19
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
ocupan de figuras emblemáticas en la historia
del blues.
Como aficionado, a partes iguales, al cine y al
jazz, uno desearía encontrar algún día algo
parecido a la serie producida por Scorsese, esto
es, un acercamiento del mundo del jazz, con un
análisis pormenorizado de estilos, de escuelas y
de músicos, realizado por productores,
directores y guionistas que estén, por supuesto,
muy identificados con la música de John
Coltrane, Miles Davis, Bill Evans, Dizzy
Gillespie y compañía.
de músicos en los que se apoyó “Duke”, con los
que colaboró hasta convertirse en uno de los
grandes de la historia del jazz. Este “viaje” (el
texto tiene algo de “road movie”) nos lleva a
conocer sus orígenes en Washington, con una
presentación y comentario de los miembros
familiares, sus primeros conciertos en los
locales de Harlem (Nueva York), y luego sus
actuaciones en Chicago. En los lugares más
remotos de la tierra la banda de Ellington
ofreció conciertos emblemáticos con motivos
muy diferentes (Asia, Latinoamérica, pero sobre
todo Europa, a donde la banda del Duke llega
por primera vez en 1933). La narración de estos
hechos (pero sobre todo el panegírico de sus
acompañantes) ocupa prácticamente la totalidad
del libro.
Lo cierto es que en muy escasas ocasiones Duke
Ellington se detiene a valorar su trabajo en el
medio cinematográfico. El compositor –
digámoslo claramente: un tipo muy humilde,
muy sencillo y muy generoso- deja claro que
componer para el cine no es su especialidad ni
su cometido especial en su quehacer musical.
En el “Epílogo” de La música es mi amante, una
especie de acopio de ideas sobre temas muy
diversos, planteado en forma de entrevista
ficticia, “Duke” considera que, aunque un
compositor por lo general tiene sus propias
ideas, éstas se pueden alterar por las intenciones
del director de la película. Las piezas musicales
–continúa el músico- deben servir de fondo de
la historia, y no deben interferir en la acción o
en los diálogos. En el siguiente apartado
comprobaremos cómo, efectivamente, estas
afirmaciones se cumplen en sentido estricto en
las diferentes aportaciones de Duke Ellington al
cine: no sólo en lo referente a la composición de
piezas musicales destinadas a servir de “fondo”,
sobre todo en secuencias musicales, sino
también en sus escasas apariciones en la
pantalla, casi siempre en escenas en las que
actúa en el papel de pianista de una banda de
jazz.
Al parecer sus primeros contactos con el cine se
remontan a principios de los años cuarenta,
cuando el músico viaja con su banda a la costa
oeste (sobre todo en Los Ángeles) para dar
algunos conciertos que resultaron ser todo un
éxito. Allí empieza a relacionarse con algunos
guionistas de Hollywood, cuyas simpatías
concordaban con las suyas y también con sus
intereses. Y en este contexto, en 1941, surge
Jump for Joy: un intento de combatir el racismo
en Estados Unidos por medio del espectáculo
musical. El respaldo financiero procedía de
personas del mundo del cine, como Joe
Pasternak, John Garfield, William S. Burnett,
entre otros.
3. Duke Ellington y el cine.
Este artículo pretende ofrecer un panorama
general de la aportación del legendario músico y
compositor de jazz Duke Ellington al cine de su
época a partir de su propia valoración, cifrada
en testimonios breves que han quedado
recogidos en su libro de memorias. No es por
tanto un análisis minucioso ya que, si nos
atenemos a lo dicho por el propio músico, sus
aportes fueron muchos y muy dispares. No es
tampoco un análisis para expertos en
musicología, sino más bien un acercamiento
descriptivo de las películas en las que en mayor
o menor medida participo “Duke”.
Duke Ellington
El voluminoso texto memorístico, publicado en
1973 bajo el título de Music Is My Mistress (La
música es mi amante), se ocupa sobre todo de
historiar cronológicamente la evolución de las
diferentes agrupaciones de Duke Ellington. Más
aún, al lector el texto le parece un auténtico
recuento de agradecimientos dirigidos a decenas
20
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
La música es mi amante no presenta de manera
exhaustiva la aportación de Ellington al cine. En
varios momentos del libro el músico menciona
algunas películas en las que trabajó (Un día en
las carreras, Black and Tan Fantasy, Check and
Double Check y Change of Mind), sin entrar, en
absoluto, en detalles del guión ni de la
realización del filme. Lamentablemente no
hemos podido ver tres de estas películas: Black
and Tan (1929), un corto musical escrito y
dirigido por Dudley Murphy, en el que, al
parecer, Duke Ellington y su orquesta
intervienen con cuatro piezas musicales; Check
and Double Check (1930), una comedia de la
RKO dirigida por Melville W. Brown, en la que
intervienen Amos y Andy, una pareja de
humoristas de la radio muy famosos por
entonces, y Duke Ellington y la Cotton Club
Orchestra, una de sus formaciones más
conocidas y prestigiosas; Change of Mind
(1969, Robert Stevens), un filme de ciencia
ficción, con un reparto poco conocido, en el que
Duke Ellington aparece acreditado como
responsable de la música.
Un día en la carreras / A Day at the Races
(1937), un filme cómico dirigido por Sam
Wood, el séptimo de los hermanos Marx, se
desarrolla en dos espacios: primero, en un
hospital dirigido por un falso doctor, en realidad
un veterinario (Groucho), y, segundo, en un
hipódromo, donde dos tipos extravagantes
(Chico y Harpo) ejercitan sus apuestas para
mantener a toda costa, y con todo tipo de
argucias, el centro hospitalario. En el desarrollo
de la película se insertan varios números
musicales, en los que intervienen los propios
protagonistas: Chico toca un piano de cola,
luego Harpo ocupa su lugar, pero termina
destrozándolo, lo destripa, y extrae de él las
cuerdas e interpreta con ellas un solo de arpa.
Son escenas añadidas que aportan bien poco al
desarrollo de la trama. Y que sólo buscan la
lucidez de los personajes. Destacaríamos ahora,
por el tema que nos ocupa, una escena coral,
maravillosa e inolvidable, también estrictamente
musical, en la que Harpo moviliza con su flauta
a una comunidad negra que canta y baila una
pieza de góspel a ritmo de swing. En fin, una
pieza maestra de algo más de siete minutos –en
la que alternan el uso del travelling y de planos
fijos, pero, sobre todo de primeros planos de la
solista de jazz- que dignificaría hoy en día un
montaje musical de contenido jazzístico.
Pues bien, observamos que en los títulos de
crédito no se menciona a Duke Ellington y su
orquesta entre los responsables de la música
(algo, por otra parte, que sí veremos en filmes
posteriores en los que interviene el músico). El
director musical es Franz Waxman, la música
es de Bronislav Kaper y de Walter Jurman, las
canciones de Gus Kahn y los arreglos musicales
de Roger Edens. Pero descubrimos, ya en la
parte final del reparto de personajes, el nombre
de una voz clave del jazz asociada a la
trayectoria de Duke Ellington: Ivie Anderson.
En sus memorias el músico le dedica palabras
muy elogiosas a esta vocalista que “se convirtió
en una de las estrellas y uno de los pilares del
grupo, y [que] realizó algunas interpretaciones
inolvidables”.
Pero ahora, sobre todo, queremos llamar la
atención sobre el hecho de que Duke Ellington
en su libro de memorias soslaya –no sabemos
por qué motivo- otros títulos, a nuestro juicio
muy interesantes, en los que aparece, en una
determinada escena, el músico acompañado de
su orquesta. No se trata, en cualquier caso, de
una actuación estelar: antes, al contrario, Duke
siempre interviene de manera muy breve,
interpretando el piano muy alegremente y sin
abrir la boca. Vamos, no dice una palabra. Son,
en concreto, tres títulos de indefinición
genérica, o quizás más bien se trata de películas
híbridas en las que alternan elementos del cine
negro, del melodrama y del cine social, y que
siguen ciertos parámetros, eso sí, del género
musical.
Veamos, pues, cuáles son estas películas en las
que está acreditada la Duke Ellington’s
Orchestra, y analicemos brevemente estas
escenas musicales en las que aparece.
El primer filme, Murder at the Vanities (1934,
Mitchell Leisen), está basado en un musical de
la época estrenado en Broadway –Earl Carroll’s
21
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
Vanities- y desarrolla una trama policiaca muy
interesante, en la que alternan a partes iguales el
misterio y el drama romántico-familiar, con un
montaje alterno absolutamente prodigioso, de
escenas que se desarrollan íntegramente en un
teatro, y que por momentos nos ha recordado al
cine del maestro Alfred Hitchcock y al Francis
F. Coppola de El Padrino. La actuación de
Duke Ellington y su orquesta (“and His Band”)
se integra en la parte central de una larga
secuencia musical titulada “THE RAPE OF
THE RHAPSODY”. Nos gusta especialmente el
montaje irreverente de esta secuencia musical:
tras los prodigiosos cantos de los solistas, en el
más puro estilo operístico, irrumpen los sonidos
de una banda de jazz que sorprenden a propios y
a extraños. De pronto todo es júbilo y
desconcierto: Duke Ellington toca sin parar,
mira a un punto fijo, en pleno éxtasis
interpretativo, dirigiendo al mismo tiempo a la
banda. Y lo que parecía una ópera se convierte
en un musical negro con mucho swing. Y las
trompetas, y los trombones, y los saxofones, y el
contrabajo… toman el poder de la escena
teatral. No habíamos visto nunca una
confluencia de música clásica y de música
moderna tan peculiar y tan convincente.
este caso, del subgénero de las películas de
boxeo). De este filme sólo comentaremos los
números en los que intervienen al unísono Mae
West y la Duke Ellington’s Orchestra, que están
–y no exageramos-, en líneas generales, entre
los homenajes más hermosos y honestos
realizados desde el cine al jazz. De nuevo un
espacio musical es la pieza clave del relato, el
enclave en el que se plantea y se resuelve la
trama. En el escenario del teatro-residencia “La
Sensación”, regentado por un tipo mafioso y sin
escrúpulos,
Mae
West
interpreta
maravillosamente varios blues del delta del
Mississippi provocando la emoción de los
asistentes al espectáculo. (Y, por supuesto, del
que redacta este artículo en una mañana otoñal
de niebla y de frío.) A Mae West –nos gusta su
voz a lo Billie Holiday, no su contoneo- le piden
que cante su canción preferida; ella duda
durante unos segundos, pero lo tiene ya
decidido: Duke Ellington –primero de espaldasy su banda arrancan, ella los sigue de inmediato
con este blues: “Aquel antiguo amor. Aunque he
olvidado su nombre, es curioso como a veces
me vuelve al pensamiento aquel antiguo amor.
Aquel antiguo amor. Mis nuevos amores me
parecen tan sosos. No ha habido otro hombre
más apuesto y más elegante que aquel antiguo
amor. He conocido a muchos hombres
fascinantes, de mirada fascinante, que me han
subido la moral, pero amando, no eran más que
una mala imitación de aquel antiguo amor. He
olvidado su nombre, pero no volveré a ser la
misma, hasta averiguar qué fue de aquel
antiguo amor.” (Duke Ellington en sus memorias
apunta que el blues más que tristezas “expresa
el fracaso en el amor”.) En el siguiente número
musical ya sí, por fin, vemos claramente a Duke
Ellington, una vez más pletórico, juguetón con
los miembros de su banda, y de nuevo a Mae
West interpretando una pieza que habla de cómo
se unió a una banda “estupenda” de un tal
Handy que venía de Memphis (“aquellos
morenos eran pura armonía”) y de cómo se
quedó prendada de la canción “Memphis
Blues”. El resto de la pieza musical es un
homenaje a cada miembro de la banda, y que
concluye –cómo no- con la alusión al pianista:
el director nos ofrece en un leve picado, en
plano general, a un Duke Ellington, sonriente
por las elogiosas palabras de la solista. Otra vez
más, Duke sólo habla a través del piano.
Por último, hablemos de Cabin in the Sky / Una
cabaña en el cielo (1943, Vincente Minnelli),
otro filme basado en una pieza musical de
Broadway, en la que también intervienen
brevemente Duke Ellington y su banda. Del
filme, una muy peculiar versión del mito de
Fausto, destacamos de manera especial el elenco
de personajes de raza negra, y, asimismo, su
naturaleza de película coral o de personaje
La segunda película, Belles of the Nineties / No
es pecado (1934, Leo McCarey), es un musical
escrito y protagonizado por Mae West (en el
papel de Ruby Carter, “The most talked about
woman in America”), con elementos
procedentes del melodrama y del cine negro (en
22
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
colectivo. (Es magistral la secuencia inicial en
la que una cámara en un plano grúa –no es
realmente un plano secuencia- pasea a través de
la iglesia, y pasa, y salta, de un personaje a otro
mientras se interpreta una pieza religiosa.
)“Tonight Only Duke Ellington and his
Orchestra” reza el cartel de la sala de fiestas: la
cámara sigue a los jóvenes desde la calle, se
adentra en la sala y el maestro de jazz arranca –
primero en un solo- la pieza “Going Up”; luego
le sigue otro solo magistral del trombonista de
la banda con un Ellington puesto en pie. De las
tres películas analizadas es, sin duda alguna, la
más original y curiosa, la que más nos ha
sorprendido tanto por el planteamiento temático
como por una puesta en escena dinámica –la
cámara no para de moverse- y, sobre todo,
porque no es habitual en el cine americano de
principios de los cuarenta encontrar una película
con predominio de actores afroamericanos.
Toda una sorpresa de obligada “revisitación”.
4.1. Anatomy of a Murder / Anatomía de un
asesinato.
El filme Anatomía de un asesinato (1959) se
ubica en la segunda etapa de la filmografía de
Otto Preminger: poseedor de un estilo depurado
y personal, basado en una puesta en escena de
planos largos y suntuosos, un cine coral, donde
el texto literario (y por tanto el actor) cobra
especial importancia (era –dicen- un director
durísimo, a veces muy cruel con los actores). El
director vienés se convierte con el tiempo en un
productor independiente de muy reconocido
prestigio.
En este momento, por el tema que nos ocupa,
queremos detenernos en algunos momentos
especialmente significativos del filme.
(Despacho del abogado interpretado por
James Stewart. Música de jazz con mucho
swing procedente de un gramófono.)
LAURA: Es usted un abogado muy raro, por la
música, ¿sabe?
PAUL: ¿A los abogados no les gusta la
música?
LAURA: No este tipo de música.
PAUL: Entonces tiene razón, soy un abogado
muy raro.
James Stewart, en el papel de un antiguo fiscal
de un apacible pueblo de Michigan, es un
amante apasionado de la música jazz. Junto a
los mamotretos de leyes y de juicios históricos
de la historia de Estados Unidos, que pueblan
sus estanterías, el personaje atesora en su
apartamento una colección de discos de este
estilo musical y, además, un piano que toca en
sus momentos más íntimos, tomando una copa
de whisky al lado de un viejo amigo. Stewart
tiene fama de raro entre sus amigos, ya que no
es habitual este tipo de gustos musicales entre
gente de su profesión. Pero a él le apasiona el
jazz. (En un momento de la película, tras
hacerse cargo del caso, lo vemos en un garito
tocando alegremente el piano junto al propio
Duke Ellington.)
Si analizamos la utilización de los aportes
jazzísticos de Duke, Anatomía de un asesinato
presenta dos partes claramente diferenciadas:
antes del juicio y durante el proceso judicial.
Pues bien, es sobre todo en la primera parte, que
sirve para presentar a los personajes, y los
respectivos espacios o lugares en los que se
desenvuelven diariamente, y el tipo de relación
existente entre ellos, donde encontramos una
mayor presencia de la música y un uso más
específico. Lo cierto es que la segunda parte,
que quizás se haga algo larga y pesada, abarca
un amplio metraje en el que apenas aparece la
Fotograma de “Una cabaña en el cielo”
4. Music by Duke Ellington.
En su libro de memorias Duke Ellington sólo se
detiene a valorar sus aportaciones como
responsable de la música en tres filmes
americanos (Anatomía de un asesinato [1959],
Paris Blues [1961] y Asalto al Queen Mary
[1966]), además de comentar con entusiasmo su
estrecha colaboración con un jovencísimo, pero
ya famoso Orson Welles, en un documental
inacabado titulado It’s All True. Pero estos
comentarios lo hace siempre desde su condición
de aficionado, o inexperto, en el mundo del
cine, sin entrar en disquisiciones de tipo técnico.
En las siguientes procederemos a comentar
algunos aspectos del contenido y de la forma de
estas tres películas, e incidiremos en las
principales aportaciones de Duke Ellington.
23
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
música. Sólo al final con la resolución del
juicio.
Preminger y no duda en calificar esta
experiencia de agradable y muy provechosa.
4.2. Paris Blues / Un día volveré.
El director Martin Ritt (1920-1990) es uno de
los principales representantes de la llamada
“Generación de la Televisión” del cine
americano. A principios de los años cincuenta,
surge un grupo de jóvenes directores que más
tarde se convierten –en palabras de Aguilera
[2000]- “en una clase de enfants terribles de la
industria cinematográfica norteamericana, que
debutaron en la segunda mitad de los años
cincuenta y a principios de los sesenta”. Más
concretamente, Ritt pertenece a la primera
promoción en la que encontramos, además, a
directores como Sidney Lumet, Robert
Mulligan, Delbert Mann, John Frankenheimer y
Fielder Cook. Todos ellos debutan en el cine en
el año 1957. (Realmente Mann lo hace dos años
antes con Marty.) A partir de mediados de los
años 50 las compañías productoras se
encuentran en manos de actores, de directores y
de productores independientes, lo que permite,
entre otros aspectos, abordar en los filmes
temáticas hasta entonces poco tratadas por los
grandes estudios. Destacamos, de una larga
lista, la Jodelle Productions de Paul Newman y
Martin Ritt.
Fotograma de “Anatomía de un asesinato”
Ilustremos, pues, cómo se presentan los temas
de Duke en el filme. Para ello analizaremos la
secuencia inicial. La película arranca con
acordes de trompeta al que se añaden de
inmediato los sonidos de otros instrumentos
(piano, saxofón, pero sobre todo de batería) para
configurar una pieza musical que sugiere algo
así como el inicio de un relato de misterio, de
suspense. La misma música continúa in
crescendo en la secuencia primera del filme,
que nos ofrece un retrato cotidiano del abogado,
antiguo fiscal, James Stewart: éste llega en
coche a su casa con una botella de whisky para
compartirla con su mejor amigo, al que llama
“consejero”. La pieza musical, cuya parte final
corresponde a la interpretación del piano por el
propio
Duke
Ellington,
absolutamente
maravillosa, se interrumpe en el preciso
momento en el que Stewart habla por teléfono.
Así ocurrirá en sucesivas secuencias: esto es, la
música sirve de prólogo a la historia y se
difumina con la presencia del texto verbal, del
diálogo: la secuencia segunda presenta a la
secretaria del abogado (además, de consejera
personal); la tercera, con acordes que sugieren
cierto sentido erótico, relata el primer encuentro
de Stewart con una sensual y arrebatadora
mujer, Lee Remick (Laura); juntos visitan al
marido de ésta, Ben Gazzara (teniente Manion),
que está en la cárcel acusado de asesinar al
dueño de un bar tras violar a su esposa. Después
vendrá la parte del largo y brillante juicio en el
que James Stewart se enfrenta al fiscal,
interpretado por George C. Scott, y consigue la
absolución de su cliente. Pero ésta ya es otra
película. (Por cierto, no todas las escenas de la
primera parte tienen apoyatura musical. Véase,
a este respecto, la secuencia magistral en la que
el abogado y su “consejero” discuten sobre las
dificultades de este caso, y mientras tanto se
comen unos huevos cocidos de manera
parsimoniosa.)
Duke Ellington se extiende en sus memorias a la
hora de valorar su aportación al filme de
La película Paris blues [1961] está localizada
en la primera etapa de la larga e irregular
filmografía del director neoyorquino, “un
cineasta –dice Aguilera- con vocación de
sindicalista”. De su biografía destacamos, en
primer lugar, su labor como docente en el
Actors Studios, de Elia Kazan, Cheryl Lawford
y Lee Strasberg. Una vez superados sus
problemas con el Comité de Actividades
Antinorteamericanas –el director aparece en una
lista no oficial que comprende unos doscientos
nombres-, Ritt debuta en 1957 como director de
cine con el drama psicológico Donde la ciudad
termina; a continuación, entre 1958 y 1964,
colabora estrechamente con el actor Paul
Newman en una serie películas de corte muy
realista (algo, por otra parte, que no abandonaría
del todo a lo largo de su carrera llena de títulos
comprometidos): The Long Hot Summer / El
largo y cálido verano (1958), Paris Blues / un
día volveré (1961), Hemingway’s Adventure of
a Young Man / Cuando se tienen veinte años
(1962), Hud / Hud, el más salvaje entre mil
(1963) The Outrage / Cuatro confesiones (1964)
y Hombre / Un hombre (1967).
En 1960 Duke Ellington se establece en París
para componer la música de Paris Blues. El
contrato con la productora MGM le obligaba a
estar doce semanas en la capital francesa, pero
24
DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
Creemos que el filme está lleno de homenajes
más o menos explícitos al mundo del jazz. Para
el tema de la labor ardua y no siempre
satisfactoria del compositor musical, Ritt y su
guionista quizás estuvieran pensando en el
propio Duke Ellington, responsable desde sus
inicios de la mayor parte del repertorio de sus
numerosas bandas de jazz. Más aún, sería un
homenaje a la pareja Duke Ellington - Billy
Strayhorn. Por otra parte, está el homenaje a una
de las grandes figuras de la historia del jazz,
Louis Armstrong, que interpreta a un exitoso
trompetista llamado Wild Man Mooer que llega
a Paris para dar unos conciertos. En realidad,
sólo tiene dos escenas en todo el filme, y no
destaca precisamente por su interpretación; la
segunda escena desarrolla una jam sesión
memorable en la que Armstrong reta primero a
Poitier (saxo), luego al Gitano (un guitarrista en
clarísimo homenaje, otro más, a Django
Reinhardt, pero también a tantos genios del jazz
que lamentablemente estuvieron enganchados a
la heroína, como Charlie Parker, John Coltrane
o Miles Davis y tantos otros), y, por último, a
Newman (trombón). A propósito de la relación
entre el Gitano y Sam, que desarrolla el filme en
términos de solidaridad, amistad y complicidad
profesional, recordamos ahora unas palabras de
Ellington harto elocuentes: “Entre los que
Billy Strayhorn, su más fiel y estrecho
colaborador desde 1939, le representó durante
las cuatro primeras semanas de rodaje: “Para él,
encontrarse en París con un encargo así era
comparable al champán y el caviar, o a la tarta y
el helado, si lo preferís.”
Paris Blues es, ante todo, una película
metamusical, esto es, un filme en el que se narra
la vida cotidiana de un sexteto de jazz
(contrabajo, piano, saxo, guitarra, batería,
trombón) y que, además, y de manera
simultánea, como trataremos de explicar,
reflexiona sobre el arte de la composición
musical. El primer aspecto está presente ya en el
mismo prólogo del filme: asistimos a una escena
de comunicación absoluta entre público y
músicos, una felicidad generalizada (con una
puesta en escena basada sobre todo en primeros
planos) gracias a la interpretación de una pieza
musical con mucho swing del repertorio musical
ellingtoniano. De inmediato, finalizados los
títulos de crédito, nos encontramos con la
primera de las numerosísimas disquisiciones
sobre la composición musical. La secuencia
primera nos recuerda muchísimo a algunos
filmes de Alfred Hitchcock que se abrían con
una panorámica general de la ciudad (en este
caso ofrece los tejados de París con la Torre
Eiffel al fondo), un plano largo descriptivo con
un ritmo muy ralentizado, y un plano grúa que
desciende hasta la entrada del club de jazz en el
que ya de mañana, sin haber dormido nada, Sam
compone música (Paul Newman), y su
compañero de grupo Edi (Sidney Poitier)
comenta y arregla la melodía. Sam representa al
músico de jazz insatisfecho, un creador en busca
del sonido perfecto, de la pieza que sublime su
conocimiento de la música. Veamos, a este
respecto, un diálogo muy significativo entre los
dos personajes:
vienen a mi mente como ciudadanos de París se
encuentra Django Reinhardt, que fue un amigo
mío muy querido y al que considero como uno
de los pocos artistas inimitables de nuestra
música. Django me acompañó en una gira de
conciertos en 1946, de forma que pude disfrutar
más que nunca de su compañía.” (pág. 172)
SAM: ¿Qué te parece?
EDI: Sabes cómo voy a instrumentar esta
parte, para Owen. Repítelo otra vez.
SAM: Pero qué opinas.
EDI: Que aligerará la melodía y producirá
efecto.
SAM: Bueno, di algo.
EDI: Es buena. (Con tono resignado y muy
serio.)
SAM: Solo buena.
EDI: Es mejor que mala.
SAM: Pero no crees que valga la pena, ¿eh?
EDI: No he dicho eso.
SAM: Has dicho que la melodía es pesada.
EDI: Tampoco he dicho eso… Está bien,
vamos a dejarlo, estamos demasiado
cansados.
SAM: Si no te gusta, por qué no lo confiesas.
EDI: Me gusta tu música, me gusta
muchísimo.
Fotograma de “Paris Blues”.
Pero, además de la música, en el filme que nos
ocupa se trata con profundidad el problema
racial en la sociedad americana y la necesidad
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de una “lucha social” y de un compromiso
desde dentro y por la propia población
afroamericana. Ritt, que según Aguilera,
“siempre fue un luchador en contra de las
desigualdades sociales y raciales”, desarrolla
estos contenidos en varias secuencias
protagonizadas por los amantes afroamericanos:
la turista americana representa el compromiso,
mientras que el saxofonista simboliza el exilio
del artista descreído y falto de ilusiones. Un
ejemplo claro de lo que los críticos llaman
perspectivismo narrativo. (Lamentablemente,
Christian Aguilera deja fuera de su amplio
análisis de la filmografía de Martin Ritt la
película Paris Blues.)
Pero, para nosotros, la secuencia clave del
filme, en lo que se refiere a los aportes
musicales de Ellington y a su funcionalidad en
el desarrollo de la historia planteada por los
guionistas, es sin lugar a dudas la tercera. En un
primer momento, antes de que comience el
concierto, asistimos a un ensayo de la sección
rítmica del sexteto de Sam. El guitarrista del
grupo tiene problemas para conseguir sus dosis
de droga y Sam acude a su auxilio. (En adelante
se convertirá en su ángel de la guarda, en su
protector y en su conciencia.) Pues bien, para
estos momentos más intimistas del filme, los
conciertos en los que los músicos interpretan
jazz para un público selecto, muy reducido,
Ellington ha recurrido a sus piezas más famosas
(las llamaremos “de cámara”), como por
ejemplo “Mood Indigo”. Y los guionistas y el
director se prodigan en el empleo del travelling
y de los primeros planos, en uno y otro caso
para mostrar caras radiantes de felicidad y de
éxtasis por la música que escuchan. (No nos
hemos recuperado aún del primer plano de
Joanne Woodward, mujer de Paul Newman en
la vida real, que en el filme de Ritt interpreta a
una turista americana que acude su primera
noche en París al club de jazz donde toca Sam y
se enamora de éste de manera inmediata. ¡Qué
siete segundos de placer!)
Finalizado el concierto de jazz, en una escena
nocturna memorable, Edi y Sam pasean por las
calles de París en compañía de las dos hermosas
turistas americanas, con las que por cierto
terminaran intimando. Para estos momentos
Ellington ha elegido como fondo musical unas
melodías más orquestales, concebidas para ser
interpretadas por una big band y no tanto por un
grupo pequeño. Un sonido con mucho swing
que recuerda al jazz de Chicago o al de Kansas
City. Más adelante, en otra secuencia
antológica, Newman y Woodward pasean por la
ribera del Sena, con este fondo jazzístico, entre
arrumacos y muestras de amor.
Newman y Woodward despiertan después de
una noche muy especial. (Ella lo considera un
amante muy “especial” por ese magnetismo que
irradia a su alrededor.) Sam da muestras aún de
su carácter introvertido y difícil, casi huraño, y
no muestra especial interés por hablarle a su
amante americana de su pieza “Paris Blues” en
la que últimamente está trabajando. Sobresalen
en esta escena las palabras en las que Sam
manifiesta su pasión por la música. Por cierto,
este mismo amor y este respeto por la música en
general, y por el jazz en particular, es el leit
motiv central de las memorias de Ellington.
No queremos concluir el comentario y reseña de
este filme sin antes destacar la labor del
responsable del diseño artístico por haber sabido
ambientar de manera tan convincente el club de
jazz en el que cada noche actúa el quinteto de
Sam (Paul Newman). Mientras los músicos
tocan, la cámara de Martin Ritt, en frecuentes
travellings y planos largos, muestra cada rincón
del garito parisino, y se detiene para mostrar las
caras felices de los amantes del jazz.
4.3. Assault on a Queen Mary / Asalto al
“Quen Mary”.
Lo decimos sin tapujos: Asalto al Queen Mary
(1966) no es un filme interesante, no percibimos
la labor del director, un tal Jack Donohue, de
quien poco o nada sabemos, la interpretación de
los actores aburre en demasía (incluso el propio
Frank Sinatra), y, en fin, el uso de la música en
la película responde a criterios muy manidos,
muy convencionales. Básicamente, con ella se
pretenden
subrayar
ciertos
momentos
importantes de esta historia de “piratas”
modernos, un grupo de aventureros que primero
quieren rescatar de las profundidades del océano
un submarino alemán, y, después, utilizarlo para
secuestrar y robar el trasatlántico QUEEN
MARY. Así, por ejemplo, los acordes de jazz –
muchas
veces
sorprendentemente
imperceptibles- surgen cuando Sinatra, que
interpreta a un ex militar, teniente buceador,
sumergido en el mar no termina de lograr su
objetivo de reflotar el submarino. La música in
crescendo crea el suspense que no consigue por
sí misma la historia.
Además, el filme desarrolla una historia de
amor entre el teniente (Sinatra) y una atractiva y
seductora italiana (Virna Lisi), cuyo dinero sirve
para sufragar esta increíble aventura. El empleo
de la música en este caso –concretamente, en
tres secuencias- responde a tópicos muy
evidentes: un jazz dulce, muy melódico,
ambienta las escenas románticas en las que los
amantes, tras contarse recíprocamente sus
respectivas vidas, tras analizar las ventajas y las
dificultades de esta aventura marítima, se
funden en un abrazo (el beso se nos niega). En
un hermoso poema titulado “¿Qué es la
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música?” el propio Duke Ellington ha señalado:
se hubiera implicado lo suficiente ante una
historia tan inverosímil y previsible.
La música puede dictar estados de ánimo,/
puede inquietar o serenar,/ subyugar, fatigar,
anonadar el corazón.
5. The End.
En su conjunto la música preparada por
Ellington para este anodino e irregular filme de
Jack Donohue es orquestal. No hay aquí, a
diferencia de Paris Blues, temas interpretados
por una sección rítmica o por un quinteto o
sexteto. Es el típico jazz concebido para una big
band.
En esta época de culto al ego, en donde
proliferan los premios y el arribismo asoma por
doquier, nos llama poderosamente la atención la
humildad y la generosidad de uno de los
mejores músicos de jazz, Edward Kennedy
Ellington, ante todo, como reconoce él en sus
memorias, un profesional que trabajó toda su
vida por y para la música. A Duke Ellington le
honra el hecho de asumir su condición de
artesano en el cine, un arte que, como
afirmábamos al principio, es simplemente
“global”: en él confluyen los aportes de
personas de diferentes oficios e intereses muy
diversos.
En los párrafos de este artículo está implícito mi
más sincero aprecio por la aportación del pueblo
norteamericano a la cultura contemporánea a
través del cine y del jazz. Un país, Estados
Unidos, en otros aspectos muy tradicional,
excesivamente ensimismado en sus ideales y en
valores cuestionables, que ha crecido y que se
ha afianzado, a mi juicio, con individuos muy
grandes, como por ejemplo el compositor y
pianista Duke Ellington. Sinceramente, no
entiendo la vida sin el cine de John Ford o el de
Orson Welles, sin la música de John Coltrane o
la de Bill Evans. Soy feliz porque una mañana
cualquiera, al levantarme, me esté esperando
una novela de Philip Roth o de Paul Auster. Soy
dichoso porque muy cerca puedo tener siempre
a mi amigo Jack Daniel’s, si es posible
escuchando con mis amigos “Money Jungle” de
Duke Ellington, Charlie Mingus y Max Roach.
Duke Ellington se extiende en sus memorias en
el momento de explicar el proceso creativo de la
banda sonora de Asalto al Queen Mary. Cuando
le hicieron el encargo, el rodaje ya había
concluido. Es Frank Sinatra quien lo llama a Las
Vegas para indicarle qué música quiere y con
qué fines: “En el momento en que abrimos la
BIBLIOGRAFÍA
AGUILERA, Christian: La Generación de la
Televisión. La conciencia liberal del cine
americano, Editorial 2001, 2000.
caja fuerte que hay en el barco, quiero que la
música suene A TOPE”. Ellington se siente muy
ELLINGTON, Edward: Duke Ellington. La
música es mi amante [1973], traducción de
Antonio Padilla, Barcelona, Global Rhythm,
2009.
orgulloso del trabajo de sus músicos –por
ejemplo, nos ilustra cómo ambientó una escena
de persecución con música de clarinete-, de
haber sido capaz de aumentar el grupo con unos
catorce músicos de Hollywood, gente como Bud
Shank y Buddy Colette. “El resultado- afirma
GINER, Juan, SARDÀ, Joan y VÁZQUEZ,
Enric: Guía universal del jazz moderno,
Barcelona, Ma Non Troppo, 2006.
Duke- fue tremendo”.
Lamentamos discrepar de la opinión del
maestro. Nos queda, más bien, la sensación de
que los productores no han aprovechado la
genialidad de Ellington para crear una auténtica
banda sonora, o que, simplemente, “Duke” no
Villarrubia de los Ojos – Ciudad Real,
julio – diciembre, 2009.
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HUMOR
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ENSAYO
LA MUJER EN LA SOCIEDAD
Fabián Martínez Redondo
Siempre se ha mencionado el comportamiento
del hombre, en su conjunto, como nombre
genérico de la sociedad, sin que aparezca el papel
que la mujer ejerce en nuestra civilización como
elemento fundamental de la misma, por lo que
hago ahora una pequeña referencia, de la vida
que llevaba hasta las décadas centrales del siglo
XX.
A lo largo de la historia, a la mujer se la ha
considerado como un personaje útil en la casa,
con unos derechos y deberes exclusivamente con
fines maternales al servicio de la conservación y
propagación del linaje humano, como
salvaguarda de una descendencia. Además debía
ser buena esposa, buen ama de casa y trabajadora
infatigable en las tareas del hogar.
La mujer, como madre, daba a luz en casa, y el
parto era un acontecimiento muy peligroso,
debido a que cualquier complicación era tratada
con remedios caseros, que remediaban muy
poco. Una pequeña infección en el parto podía
tener complicaciones y consecuencias fatales.
La parturienta que necesitaba una cesárea casi
siempre moría sin remedio. Las complicaciones
post-parto se llevaban por delante a un buen
número de mujeres. La fiebre puerperal era
muchas veces mortal, y se consideraba que su
vida estaba en peligro hasta que no pasaba la
cuarentena.
La vida de la mujer, incluso de la señora
burguesa, resultaba muy dura. Su principal
función parece que era parir, darle al marido un
gran número de hijos con peligro de su vida,
como ya he dicho.
La fisiología femenina era prácticamente
desconocida para la medicina de la época. La
propia menstruación era un fenómeno mal
conocido, y a nivel popular el desconocimiento
adquiría proporciones monstruosas, y no era
extraño que en un alarde de especulación
fisiológico-moral, se relacionara con desórdenes
de conducta, deseos pecaminosos, etc. Las
jovencitas, por su puesto, no recibían ninguna
información sobre el asunto.
Los muchos hijos y las largas lactancias la
envejecían rápidamente. En la mujer los 30 años
marcaban el final de la juventud y el comienzo
de la madurez. La edad crítica se situaba entre
los 35 y 40 años. A partir de los 45 años se tenía
conciencia de vieja. Naturalmente había muchas
diferencias según las clases sociales, pero en
líneas generales la segunda mitad de los
cuarenta se consideraba más período de
decadencia que época de plenitud o madurez
vital.
La mujer como madre, ha venido transmitiendo a
sus hijas, de generación en generación, las tareas
propias del hogar; como la de lavar, barrer y
limpiar, planchar la ropa y coser, y, además de
enseñarles a cocinar, les ha enseñado a hacer sus
prendas de vestir.
La habían educado en la sumisión y en la
pasividad, y su formación estaba encauzada en
la recta moral y en la religión. La chica decente
tenía como objetivo que le saliera un novio, que
constituía su aspiración fundamental. En este
aspecto, como en tantos otros, debe dejarse
aconsejar por su madre, pues, el amor de madre
es eterno, no conoce límites, y ella es la que
primero debía ver si conviene o no el
pretendiente de su hija. La posición social y su
posible aportación al matrimonio resultaba
determinante.
A este respecto, en la clase media alta y
burguesa, para sus hijas, mentalmente
circulaban las condiciones que debía reunir tal
pretendiente, pues cuando tenían de 15 a 20
años se decía: el que venga que tenga y que
convenga, si no que no venga; de 20 a 25 años
se decía: que venga, que tenga y que convenga;
de 25 a 30 años, se decía: que venga aunque no
tenga ni convenga, pero que venga. Esto último
era por el temor a quedarse solteras cuando
pasaban de los 30.
El tiempo de ocio que tenían lo dedicaban a hacer
tareas de costura, jerséis de lana o puntillas, que
en los días soleados de primavera y otoño por las
tardes salían a realizarlas a las puertas de las
casas o en las esquinas, donde daba el sol, donde
se reunían familiarmente varias vecinas;
reuniones que les servían para charlar de los
acontecimientos cotidianos surgidos en el entorno
más inmediato, para alabar o criticar el
comportamiento de alguien. Costumbre que ya se
ha perdido, por lo que ya no existe aquella
familiaridad.
Quisiera resaltar aquí una frase, de autor
anónimo, que dice: "El hogar no se construye
sobre el suelo, sino sobre la mujer". Creo que esta
frase, por sí sola, dice todo sobre el papel
preponderante de la mujer en la sociedad.
Además la mujer es fuente de vida, nos ha traído
al mundo, son signo de admiración; a nuestras
madres le debemos nuestra existencia.
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ENSAYO
REALIDAD Y CURIOSIDADES QUE TRASCIENDEN
Francisco J. Serrano López
A lo largo de la vida ¿cuántas vivencias,
realidades anécdotas y curiosidades han
trascendido en las personas, enriqueciéndolas en
todas sus facetas? Sí han sabido coger de ellas
su lado positivo aunque como es sabido han
existido y existen intelectuales que aprovechan
su estatus humillante hacia los demás, a gentes
de mediana y baja cultura, pero con una superior
escala de valores que es lo que verdaderamente
prima en el ser humano. Cada uno con su
aplicada sabiduría o manera de conocer,
aprender y exponer las cosas.
Lo que en este espacio se escribe no trata sobre
un artículo determinado, crónica o editorial,
sino una serie de historias extraídas de los libros
y posteriormente argumentadas. Porque
absolutamente todo está en ellos, sólo se trata de
ser un modesto e incansable lector sobre todo de
la historia, que es una novela que existió en
realidad.
Carlos Fisas, un infatigable estudioso de la
historia, conferenciante de singulares dotes en
universidades y centros culturales de toda
Europa y colaborador durante varias décadas,
con el número uno de la radio, Luis del Olmo,
contaba entre sus miles de anécdotas:
Terminaba un día mi intervención en Radio
Nacional de España, cuando del auditorio (las
emisiones eran públicas) se levantó un señor
que vino a mi encuentro – quería saludarle – me
dijo, - porque encuentro maravillosas sus
intervenciones. Son extraordinarias, pero me
gustaría saber algo ¿De dónde saca usted esas
cosas? – De los libros – respondí, y él,
desilusionado, contestó – así cualquiera -. Y
tenía razón el buen hombre, así cualquiera,
cualquiera que tenga el vicio como yo de leer,
está al alcance de todo el mundo. Lo difícil para
mí sería no poder leer, pasar un día sin lectura,
leer y releer es mi mayor distracción, mi mayor
afición, por ello lo que hago, digo y escribo. No
tiene más valor que el de haber escogido, y así
lo deseo, algo que interese al oyente primero y
ahora a ti lector y amigo.
Y basándonos en esta filosofía de contar cosas,
penetramos con el examen o análisis de un
asunto de apellido Fleming. Era un pobre
granjero escocés. Un día oyó un grito que venía
de una ciénaga, corrió allí aterrorizado, atascado
en el fango hasta la cintura. Estaba un niño
tratando de liberarse. El granjero lo salvó de una
terrible muerte. Al día siguiente un vistoso
carruaje se acercó al solitario lugar del escocés.
Un hombre elegante y de aristocrático aspecto
salió de él y se presentó como el padre del niño
salvado. Quiero pagarle por haber salvado a mi
hijo – No puedo aceptar un pago por lo que hice
– dijo el granjero en el momento que llegaba su
hijo a la puerta de su pobre casita. Te hago un
trato – continuó el noble – déjame que yo me
ocupe de tu hijo, que tenga la misma educación
que tendrá el mío. Si el chico es como su padre
no hay duda de que será un hombre del que
ambos estaremos orgullosos -. Así se hizo, el
hijo del granjero estudió medicina en Londres y
llegó a ser conocido en el mundo entero como
Sir Alexander Fleming, el inventor de la
penicilina. El chico salvado sería con el tiempo
Sir Winston Churchill.
Alexander Fleming
Con la llegada de las primeras heladas,
diciembre era el mes idóneo para desarrollar las
familiares y festivas matanzas del animal mejor
aprovechado que existe sobre la tierra.
Costumbre ya en extinción, del cual existe un
famoso dicho que dice “del cerdo gustan hasta
los andares”. Dichos andares son la
consecuencia del flaquear de los brazuelos por
lo que no pueden asentar las manos con
igualdad. También es conocido gracias a la
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
riqueza del castellano, por otros sinónimos
como cochino, marrano, gorrino, puerco,
guarro… toda una contradicción ante tanto
insulto y su posterior utilidad gastronómica,
aunque a los porcinos les puede quedar el
consuelo que en el ser humano existen en gran
porcentaje de seres desaliñados, sucios y
groseros sin cortesía ni crianza. Solía ser en fin
de semana, cuando desde las primeras horas de
la madrugada el gruñido de los cerdos se
convertía en un orquestal lamento de muerte.
Existe una fábula del asno y del cochino creada
por el cronista Félix María de Samaniego, que
relata la siguiente historia: Envidiando la suerte
del cochino, un asno maldecía su destino – yo
trabajo – decía – y como paja, él come harina y
berza y no trabaja. A mí me dan de palos cada
día, a él le rascan y halagan a porfía. – Pero
luego que advierte que a la pocilga, alguna
gente avanza armada de cuchillo y de caldero y
que con maña fiera dan al gordo cochino fin
sangriento, dijo entre sí el jumento – Si en esto
acaba el ocio y los regalos, al trabajo me atengo
y a los palos -.
El creciente abandono en los estudios de los
jóvenes nacionales ha disparado el fracaso
escolar. La comunidad escolar se pregunta si
aumentar la permanencia a los 18 años
resolvería de veras o sólo estadísticamente. El
fracaso en la ESO y el abandono educativo
rondan el 25-30%. Las pellas o novillos están a
la orden del día. Existen en poblaciones
importantes patrulla exclusivas de policía local
para controlar e informar a las familias de las
andanzas de sus hijos. Aquella madre despertó a
su hijo a las 7 de la mañana – no quiero ir al
colegio – pero hijo mío – le dice la madre muy
comprensiva – ¡tienes que ir! – ¡no, no y no, no
voy a ir al colegio! ¡Me da mucho miedo ir!
mamá, no quiero ir! – Pero hijo mío, nunca
quieres ir al colegio, ¡todos los días estamos con
lo mismo! ¿Qué está pasando? ¿Por qué no
quieres ir al colegio? – Porque los niños me
tiran tizas, me roban cosas de mi mesa, se meten
conmigo y me insultan – solloza – ¡y se burlan
de mí, los maestros también me maltratan! ¡No
quiero ir mamá! – Mira hijo – se pone firme la
madre – ¡esto no puede continuar así! Tienes
que ir al colegio por cuatro razones. La primera
precisamente para enfrentarte a ese miedo que te
acosa y superarlo. La segunda porque es tu
responsabilidad y lo exige tu autoestima. La
tercera porque ya tienes cuarenta y cinco años y
la cuarta porque ¡tú eres el director!
Hay palabras, locuciones o signos externos que
cuando las expresamos conllevan un significado
originario y que nos gustaría conocerlo. “¡Estar
en Babia!”: Esta expresión hace referencia a
aquella persona que está distraída o que parece
ausente cuando se le requiere concentración.
Babia es una comarca de la provincia de León
que los antiguos reyes de León eligieron como
punto de reposo, particularmente para alejarse
de los problemas de la corte, siempre
complicada con las intrigas palaciegas de los
nobles. Los reyes aprovechaban las bondades
del lugar para “desentenderse de su ardua
tarea”. Estas ausencias del rey motivaban la
inquietud de los súbditos, a quienes, cuando
preguntaban por él se les respondía
Una de las escenas características y a la vez
macabras, puesto que se participaba de lo feo y
repulsivo de la muerte, era la de invitarlo a
morir mediante el engaño. En la puerta de la
gorrinera con el cubo de cebada como reclamo y
el material al lado con el gancho a punto de
clavarlo en la papada. De aquí nace una de las
expresiones características del villarrubiero “¡no
me encebes!”, rechazando engaño o camelo de
todo tipo. A cada cerdo le llega su San Martín,
este dicho popular que se aplica a cochinos y a
humanos, anuncia la fecha del 11 de enero como
límite de las matanzas. El cerdo fue la despensa
de las zonas rurales. Del cerdo se aprovecha
todo y durante mucho tiempo fue reserva de
proteínas. Los orígenes de la matanza, parecen
remontarse al siglo XV y son los moriscos
quienes potencian esos festejos. Tal vez para
confirmar su conversión al cristianismo. El
pimentón, polvo que se obtiene moliendo
pimientos encarnados o secos, tamizado el
polvo se usa principalmente como condimento
para confeccionar adobos y como elemento
conservador en la fabricación de embuchados.
Precisamente
porque
el
pimentón
es
fundamental en la matanza, se cree que esta
práctica es posterior al descubrimiento de
América. De allí trajimos esta especie. Si usted
ha conocido lo que es una matanza casera
querrá volver cada San Martín, los cochinos no.
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evasivamente que el rey “estaba en Babia”. La
expresión se hizo coloquial y pasó al lenguaje
común para significar toda disposición de ánimo
desentendida.
También puede ser equiparable a “Estar en el
limbo”. Se dice que es el lugar donde las almas
de los justos del antiguo testamento. Esperaban
redención del género humano, o el lugar donde
van las almas de los que antes del uso de razón
mueren sin bautismo. De manera más vulgar se
puede definir como que el Limbo es la estancia
situada entre el cielo y el infierno, existente
desde la época de San Agustín 354-430. El
Limbo era el sitio donde iban a parar los justos
y los niños sin bautizar. Un lugar neutro para
descansar toda la eternidad, ni brutal como el
infierno, ni gozoso como el cielo. Una cavidad
entre dos luces, sin frío ni calor, sin pena ni
gloria.
“Darla con queso”. El origen de esta popular
expresión es muy antiguo. Ya desde la Edad
Media los bodegueros manchegos eran famosos
por vender vino de gran calidad. Taberneros de
toda España se desplazaban a esa región para
comparar vinos. Antes de pagar tenían la
costumbre de probar el género. Para disimular el
posible sabor a vino picado, los bodegueros
ofrecían al comprador queso en aceite. El fuerte
y delicioso sabor del queso manchego hacía más
difícil poder distinguir un vino malo de uno
bueno.
“Muchos humos”. Usamos esta expresión para
describir la actitud arrogante y presuntuosa de
una persona que se da mucha importancia.
Parece que viene nada menos que del tiempo de
los romanos. Entre ellos existía la costumbre de
adornar el atrio de las viviendas con bustos y
retratos de toda ascendencia, con el objeto de
demostrar la longitud y la importancia de su
linaje. Ante estos objetos a veces se encendían
fuegos o se quemaba incienso y por ello, por
efecto del humo y del paso del tiempo adquirían
una coloración oscura de las que los habitantes
de la casa solían estar orgullosos. Tal suciedad
se convertía en señal de rancio abolengo, así que
a más humos más estatuas tiznadas. Pero los
“humos” no son cosa de aquellos tiempos, hoy
en día algunas personas también tienen muchos,
sobre todo los salidos del mundo del ladrillo,
sobrados de prepotencia y arrogancia.
Damos paso a un poco de humor, puesto que
hay disposición de ánimo para ello, bien con
anécdotas reales o a través del relato falso,
ficción en que se encumbre una verdad, como
puede ser la contada fábula en este artículo del
asno y el cerdo. Una llamativa rubia entró en
aquel banco de Nueva York y preguntó por el
departamento de créditos, explicó que se iba a
Europa para dos semanas y que necesitaba un
crédito de 5000 dólares. Le pidieron algún aval
o señal para la operación. La rubia puso sobre la
mesa las llaves de un Rolls Royce nuevecito que
estaba aparcado a la puerta del banco. Todo
estaba en regla y el banco aceptó la garantía. Un
empleado condujo el Rolls al parking
subterráneo del edificio, mientras los bancarios
se reían de la rubia que había usado un Rolls de
250000 dólares como garantía de un crédito de
5000. Dos semanas más tarde volvió la rubia,
devolvió la cantidad de 5000 dólares y pagó los
intereses que ascendían a 15 dólares con 50
céntimos. – ¿Puedo preguntarle una cosa? – Le
dijo el gestor de los créditos – estamos un poco
sorprendidos. Hemos sabido que usted es
multimillonaria y lo que no entendemos es
como es que usted se ha molestado en pedir un
crédito de 5000 dólares… - ¿Y en qué otro sitio
del centro de Nueva York puedo aparcar durante
dos semanas por sólo 15’50 dólares y encontrar
el coche en su sitio a mi vuelta?
El general Juan Vicente Gómez fue famoso en
América Central. El jefe civil de un pueblecito
del interior se le fue a quejar de que le había
nombrado un secretario que no sabía leer. - Y
usted ¿sabe leer? – Preguntó el general – yo sí,
mi general. – Pues entonces – dictaminó Gómez
en tono salomónico – póngalo a él de jefe civil y
usted se pone de secretario.
Emilio Arrieta, el insigne autor de la obra
musical Marina, falleció en febrero de 1894. La
noche antes de morir bromeaba con los amigos
y discípulos que sabedores de la gravedad en
que el ilustre músico se encontraba rodeaban su
lecho. – Maestro ¿Cómo se encuentra? –
preguntó pesaroso un recién llegado – Muy mal,
muchacho, muy mal – dijo el músico – Tan mal
me encuentro que si al amanecer me dicen que
he muerto no me chocará nada.
Emilio Arrieta
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El gran torero cordobés Guerrita tenía fama de
valentísimo y lleno de seriedad cordobesa.
Guerrita se hizo rico en los toros, pero era casi
analfabeto, lo que se le notaba cuando hablaba y
más cuando escribía. En cierta ocasión alguien
le preguntó: - Maestro ¿Qué hay que tener para
ser un gran torero? – a lo que Guerrita contestó
secamente – Echarle al toro las tres “bes” – ¿y
qué quiere decir con las tres “bes” maestro? –
Pues muy sencillo – contestó – “Boluntad”,
“balor” y “buebos”.
Se encuentran volando en un avión el profesor
de aviación y el alumno que quiere aprender a
pilotar – supongamos – pregunta el profesor que estás pilotando el avión y se produce una
tormenta que con su fuerza arranca un motor al
aparato. ¿Qué harías? – Sigo pilotando el avión
con el otro motor – responde el alumno. – Muy
bien, pero, si otra tormenta arranca el otro
motor, ¿que harías? – Seguiría con el tercer
motor – contesta impertérrito el alumno – Muy
bien, pero llega otra tormenta y te arranca el
tercer y cuarto motor – el profesor se impacienta
- ¿Qué harías? – Seguiría con el quinto – Pero
¿de dónde sacas tú tantos motores? – A lo que
responde el alumno – ¿Y de dónde sacas tú
tantas tormentas?
Se cuenta que en un lugar, un grupo de gente se
divertía con el tonto del pueblo, un pobre infeliz
de poca inteligencia que vivía de pequeñas
chapuzas y de limosnas. Diariamente llamaban
al idiota al bar donde se reunían y le ofrecían
escoger entre el billete de 20 euros y una
moneda de dos, y él siempre escogía la moneda
menos valiosa, pero más bonita y brillante. Lo
que era motivo de risas para todos. Cierto día,
uno de los miembros del grupo le llamó y le
preguntó si todavía no se había dado cuenta de
que la moneda valía menos, bastante menos que
el billete de papel. – Lo sé – respondió – no soy
tan bobo. La moneda vale bastante menos pero
el día que escoja el billete el jueguito acaba y ya
no voy a ganar más una moneda. Se pueden
sacar varias conclusiones de esta pequeña
historia: 1) Quien parece idiota, no siempre lo
es. 2) ¿Cuáles son los verdaderos idiotas de la
historia? 3) Si tú fueses ambicioso ¿acabarías
cortando tu fuente de ingresos? El mayor placer
de una persona inteligente es aparentar ser
idiota, delante de un idiota que aparenta ser
inteligente.
Terminamos con algo simpático, con algo
parecido a un decálogo, sobre las diferentes
maneras de ver las cosas, enjuiciadas por
distintas clases sociales, sobre todo de tiempos
ancestrales. Los ricos van a la peluquería, los
pobres a la barbería. Los ricos se embriagan, los
pobres se emborrachan. Los ricos hurtan, los
pobres roban. Los ricos tienen bebés, los pobres
hijos. Los ricos van al colegio, los pobres a la
escuela. Los ricos contrastan pareceres, los
pobres discuten. Los ricos tienen labios, los
pobres morros. Los ricos tienen water, los
pobres retrete. Los ricos tienen amante, los
pobres querida. Los ricos miran, los pobres
trabajan. Los ricos se mueren y los pobres
también. Por lo tanto la igualdad solo existe al
nacer y morir. Felices Pascuas y hasta el
próximo número.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
ACTUALIDAD
INCULCAR EN EL SISTEMA EDUCATIVO EL HÁBITO DE LA
LECTURA, ES LA ÚNICA FORMA DE ERRADICAR LA FALTA
DE INTERÉS POR LOS LIBROS
Cirilo Manzanares Barchino
Los informes son determinantes: la mitad de los
españoles que saben leer no leen libros. Los
principales problemas son la televisión, la falta
de comprensión lectora y la poca motivación del
sistema educativo, a juicio de alumnos,
profesores y editores.
Los españoles leemos poco, nos lo repiten
continuamente a través de estadísticas,
informes, etc…; leemos mucho menos de lo que
corresponde a nuestro índice de renta; y ello se
aplica tanto a libros como a periódicos, y que en
Europa sólo los griegos y portugueses nos
superan en aversión a la letra.
Educadores, padres, políticos… siempre
recomendándonos que reparemos en nuestros
malos hábitos, pero nunca se nos ha planteado
seriamente los dos problemas prácticos que el
bajo índice de lectura ofrece: en primer lugar
qué tiene de malo el leer poco; y en segundo
lugar, y suponiendo que el leer no sea malo,
cómo se corrige eso.
Se acostumbra a dar por sentado que se
debe leer, pero casi nunca se nos explica por
qué. Y por consiguiente siempre nos queda la
duda: si no se lee habrá que argumentar razones:
¿Podrían ser estas?...
- Se vive en un mundo en que las alternativas a
leer son cada vez más numerosas: electrónica e
informática nos ponen al alcance de la mano
medios de comunicación modernos y eficientes.
- La lectura parece una actividad anticuada.
- Los libros son objetos arcaicos.
- Los libros son ecológicamente incorrectos: la
fabricación de papel amenaza las reservas
forestales.
- Una imagen vale más que mil palabras: la
Historia puede aprenderse mejor viendo una
película histórica; ¿por qué voy a leer una
novela, cuando puedo ver en menos tiempo una
película?; ¿por qué leer el periódico cuando
puedo ver las noticias televisadas?
- España ha crecido en los últimos años sin
cambiar sus hábitos iletrados.
A primera vista parece ser que hay suficientes
argumentos a favor del rechazo a la letra escrita:
Los que no leen, creo que defenderán tales
argumentos o, sencillamente: no leen, sin
plantearse
los
supuestos
anteriormente
mencionados. Pero, sinceramente, creo que hay
que profundizar para ver las cosas de otro modo.
Lo primero que parece sospechoso es que los
países más adelantados tengan los más altos
índices de lectura. Habría que preguntarse, si
leen porque son ricos o, son ricos porque leen.
Leer es un placer que requiere un nivel de
bienestar previo. Pero no es sólo eso; desde un
punto de vista práctico, leer tiene dos vertientes:
la lúdica y la productiva. En términos
económicos, es un acto de consumo, pero
también de inversión. LO IMPORTANTE AQUÍ
ES QUE LEYENDO, INCLUSO CUANDO NOS
DIVERTIMOS, APRENDEMOS.
Se puede asegurar, que leyendo, una palabra
vale más que mil imágenes. Es nuestra
imaginación la que realmente trabaja y la que
“da vida” a lo que se lee; en las películas, todo
nos viene dado e impuesto. Comparado con la
pantalla, el libro requiere un esfuerzo intelectual
que pocos están dispuestos a hacer, pero es un
esfuerzo tremendamente formativo, sobre todo
en la infancia y en la adolescencia, porque la
lectura nos hace reflexivos y racionales, nos
enseña a escribir, nos enseña a pasar por el filtro
de la crítica y de la observación cualquier
circunstancia o hecho que se produzca a nuestro
alrededor.
Y un argumento más en defensa de la lectura,
sería el defender el libro ante los avances
tecnológicos; difícilmente estos últimos podrán
sustituir al libro. Primero porque las alternativas
al libro son malas y caras; y en segundo lugar, el
dominio y comprensión de la palabra escrita
distinguirá a aquellos países capaces de
mantener el liderazgo económico, y de mejorar
el nivel de vida de sus habitantes, de aquellos
países que irán a remolque de los demás.
Por todo ello, ¿qué se debe hacer para estimular
el hábito de leer? Algo muy sencillo en teoría,
pero dificilísimo en la práctica: mejorar el nivel
educativo en las escuelas, institutos y
universidades, inculcando seriamente el hábito
de estudio y la formación de criterio
independiente. Se requerirán muchos años,
esfuerzo y paciencia.
Villarta de San Juan, octubre de 2009
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
ACTUALIDAD
DE LAS TABLAS DE DAIMIEL O COMO HACER POLÍTICA DE
AGUAS CON UN PARQUE NACIONAL
(Cuaderno de campo. 26 de noviembre de 2009)
Carlos Villanueva Fernández-Bravo
Recorrido por el camino de Griñón a
Molemocho, margen derecho del río Guadiana.
Cinco perforadoras buscando agua en las
inmediaciones de Molemocho, unas 500 grullas
vuelan sobre un Guadiana humeante,
trabajadores en el antiguo molino de
Molemocho rehacen el viejo puente sobre el río
Guadiana. El canto de las grullas en su vuelo se
mezcla con el tintineo de las perforadoras. Al
menos 8 conductos de agua salen de una tubería
que enfila hacia las fumarolas del bosque de
tarayes en el que se ha convertido el Guadiana,
al otro lado del puente un hilo de agua
procedente del pozo de Molemocho dibuja un
atisbo de río. 17:30 h.: varios coches de
trabajadores salen del Parque Nacional con
destino a los municipios de Villarrubia y
Daimiel, los poceros y los bomberos siguen con
la tarea para ganarle la partida al fuego que
surge de la tierra, mientras, las grullas buscan
dormidero.
endógenos, que hoy bien podría ser modelo del
programa MAB ( hombre y biosfera), de la
UNESCO, estaba a punto de sucumbir por las
amenazas de un proyecto de desecación, con
objeto de ganar terreno a la agricultura. El
modelo de desarrollo sustentable, en armonía
con el medio natural, se perdió. A cambio nació
un Parque Nacional en un entorno de economía
agrícola cambiante basado en la explotación del
agua como recurso. Lo que sin duda permitiría
un desarrollo económico del entorno de las
Tablas. Pero a un precio impagable.
En los ochenta las tablas empezaron a arder, ya
que como consecuencia de las obras de
desecación realizadas, el agua que discurría por
los ríos Guadiana y Gigüela no podía encharcar
Las Tablas. A esto hay que sumar la
sobreexplotación del acuífero 23 que se estaba
produciendo como resultado de un aumento
considerable de los cultivos de regadío en la
cuenca Alta del Guadiana, íntimamente
relacionada con el acuífero 23. A la sazón se
puso en Marcha el Plan de Regeneración hídrica
de las Tablas de Daimiel, (1987) con objeto de
mantener la superficie del Parque Nacional
encharcada garantizando su existencia. El Plan
consistente en la derivación de agua desde el
trasvase Tajo Segura, hasta 60 Hm³ en tres años,
y la realización de una batería de pozos en el
entorno del Parque como medida de
emergencia, resulto ser un “éxito”. El agua
llegaba a las Tablas y gracias a las obras
hidráulicas que se realizaron en el propio Parque
el agua quedaba retenida en su extremo Sur, con
lo que se garantizaba una superficie mínima
encharcada. Por tanto este Plan se amplió
durante tres años más, de 1991 a 1993, para a
partir de 1994 hacerse permanente, con un coste
total hasta entonces, que podría alcanzar los
2.000 millones de las antiguas pesetas. Mientras
tanto los cultivos de regadío seguían creciendo
de manera exponencial en la Mancha
Occidental, incluso al auspicio de subvenciones
públicas, y en 1987 el Acuífero 23 se declaró
sobreexplotado
por
la
Confederación
Hidrográfica del Guadiana. Los Ojos del
Guadiana dejaron de ser afloramiento del
acuífero y por tanto el río Guadiana se secó.
También lo hizo el Gigüela como consecuencia
de los descensos del nivel freático.
Molino de Molemocho
Guardo recuerdos de mi infancia de cómo unos
braseros incandescentes iluminaban la noche en
el entorno de Las Tablas. Cuando preguntaba
qué era eso, mi padre me contestaba que las
Tablas estaban ardiendo. Yo entonces no sabía
qué eran Las Tablas, más tarde supe que
constituían un Parque Nacional cuyo ecosistema
era único en Europa.
Cuando Las Tablas nacieron como Parque
Nacional en 1973, lo hicieron bajo unas
circunstancias ya complicadas y por el impulso
del por entonces incipiente movimiento
ecologista español. Por aquellos años un modelo
de economía sostenible basado en los recursos
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
El periodo de sequía a principios de los noventa
acucio aún más la situación, como se ha dicho
anteriormente, nuevos trasvases aparecieron en
escena, algunos de los cuales no pudieron
realizarse por la falta de recursos hídricos en la
cabecera del Tajo. Y más informes y artículos
sobre la necesidad de salvar Las Tablas saltaron
a la palestra. Como consecuencia se aprobó el
Plan de Compensación de Rentas (1993-1997),
financiado en un 70 % por la Unión Europea, en
un 12.5 % por el Ministerio de Agricultura y el
restante 12.5 % por la Junta de Comunidades de
Castilla La Mancha. Con un coste de 16.200
millones de pesetas, pretendía la loable que no
célebre intención de disminuir la superficie de
regadío. Pero la situación de las Tablas no
mejoraba y el acuífero seguía en déficit, por lo
que
se
declaraba
definitivamente
sobreexplotado en 1995. El modelo agrícola
continuaba siendo el mismo, basado en cultivos
de regadío, y en producciones excedentarias.
Asentado en un recurso escaso y del que
dependía, al tiempo que se provocaba un daño
medio ambiental irreparable.
Por último, aparecería el Plan Especial del Alto
Guadiana
como
última
solución
al
probablemente mayor desastre ecológico de
Europa en el siglo XX, con un presupuesto de
3.000 millones de euros y casi 20 años por
delante para conseguir recuperar el acuífero y
dotar a la Mancha de un modelo de economía
sostenido. De nuevo se vuelve a hacer política
de aguas utilizando un Parque Nacional como
cabeza de turco pretendiendo recuperar un
ecosistema del que solo quedan recuerdos.
Después de más de 30 años de esas imágenes de
las Tablas ardiendo, las Tablas vuelven a arder,
debido a la autocombustión de la turba. El
ecosistema sigue su proceso natural después de
varios años seco. Después de hace más de 30
años, el modelo agrícola de la Mancha sigue
siendo el mismo, cultivos que requieren agua y
regadíos en cultivos tradicionales de secano
como el viñedo, cuya producción, la mayor de
toda Europa, provoca excedentes que no entran
en los mercados. Con un agravante, el recurso
principal en el que se basa este modelo, el agua,
está agotado. Cada vez es menos rentable seguir
esquilmando el acuífero, y cada vez tiene menos
sentido, ya que se obtiene un bajo beneficio por
un producto que no tiene el rendimiento
económico deseado. Disminuyendo la renta de
los agricultores a pesar de las ayudas públicas,
sin las cuales éstas serían negativas.
Como problema añadido, uno más, y por cuyo
motivo real surge el Plan Especial del Alto
Guadiana,
está el incumplimiento de la
Directiva Marco del Agua. Toda la Mancha
Occidental está bajo la declaración de zona
contaminada por nitratos, todo el acuífero 23,
más de 5000 km² y más de 600.000 habitantes.
Lo que supone un considerable problema de
salud pública, además de económico; dotar a la
población de agua potable para su consumo.
Autocombustión de turbas en Las Tablas.
Bajo este escenario se hizo imprescindible
recuperar la obra de la famosa tubería
manchega, un proyecto que dormía el sueño de
los justos en un cajón desde principios de los
años noventa, y que ahora se ha rescatado bajo
un coste que supera los 500 millones de euros.
¿Y de paso por qué no incluir a las Tablas en el
proyecto como justificación ambiental del
desastre?
Mientras tanto las Tablas siguen ahí como hace
30 años, sirviendo de moneda de cambio para
hacer política de aguas en esta región, como
escudo proteccionista para conseguir fondos de
la Unión Europea que justifiquen su
conservación y recuperación y continúen
subvencionando un modelo agrícola sin
perspectivas, sin alternativas y sin capacidad de
reacción.
Pero después de tantos años, parece que alguien
en Europa se ha dado cuenta de que el coste
acumulado para recuperar un espacio natural
como las Tablas es demasiado alto para los
resultados que se están obteniendo, que son
nulos. Motivo por el cual la Unión Europea le
ha dado un plazo al Gobierno Español para
recuperar Las Tablas de Daimiel. No es el
primer ultimátum y presumiblemente no será el
último. Sin Tablas no hay Dinero y no hay
excusas.
Después de todo este tiempo, parece que sí
ponemos en un extremo de la balanza
coste/beneficio los aportes económicos para
salvar el humedal a lo largo de su historia, las
ayudas a los agricultores y el coste
medioambiental y social del descalabro en la
política agraria y de aguas en la Mancha. Y en
el otro extremo de la balanza el beneficio
obtenido; las rentas agrarias y el mayor o menor
conformismo de la población que redunda en un
beneficio político. El balance tal vez no sea del
todo positivo, sino más bien lo contrario.
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
También da la sensación que desde el gobierno
central, el autonómico, y las organizaciones
agrarias no se ha hecho ni se está haciendo
mucho para cambiar un modelo agrario que se
ha demostrado que es insostenible y que debe
ser renovado. Un modelo que en gran medida
se encuentra subsidiado por la propia Unión
Europea. Inclinando aún más la balanza del
coste/beneficio. Ya no cuela el lema de
“salvemos Las Tablas”, cuando no se ha hecho
nada eficaz para ello desde su declaración como
Parque Nacional en 1973, salvo destinar fondos
públicos en gran parte procedentes de Europa
para realizar actuaciones que no han sido
determinantes, salvo para seguir utilizando este
espacio natural como moneda de cambio,
agravando
el
deterioro
ambiental
y
prolongándolo en el tiempo. Debemos de tener
en cuenta que “salvar las Tablas” no significa
que tengan agua, y agua de calidad. Así sólo
tendremos un recurso turístico que puede ser
más o menos deseable o recomendable. Salvar
las Tablas significa recuperar un sistema que no
funciona desde hace décadas. Sólo de esta
forma recuperaremos un Parque Nacional no un
Parque recreativo o de ocio. Toca ahora (más
bien tocaba hace tiempo) no salvar las Tablas,
sino salvar la Mancha. Las Tablas son un
enclave único, pero forman parte de un todo, la
Mancha húmeda, de la que ya queda poco, por
no decir nada. Cualquiera que hubiera
abandonado esta tierra en los años 70, y volviera
ahora, no la reconocería. Toca ahora (o más
bien tocó hace tiempo) cambiar el modelo
agrícola de la comarca Manchega. Por varias
razones fundamentales; porque es insostenible
en sí mismo, y ya no da más de sí, porque el
abastecimiento de agua potable en la Mancha
para sus habitantes se está convirtiendo en un
problema de salud pública y porque hemos
provocado un daño medioambiental sin
precedentes. Sólo así se garantizará la
supervivencia de la Mancha y las Tablas se
salvarán solas.
De poco sirve que se sigan comprando terrenos
aledaños al Parque Nacional, ya van 1.400 Has.,
para disminuir el consumo de agua en las
inmediaciones del Parque, salvo que se compre
por parte de la Administración toda la Mancha
Occidental. Creando otro problema más; qué
hacer con esta superficie. Hasta ahora estos
terrenos se han convertido en un erial, en el que
se realizan repoblaciones., o trabajos de
“rehabilitación” de la arquitectura rural. Su
único aprovechamiento derivado de la actual
crisis económica es dar trabajo eventual a las
poblaciones locales limítrofes con el Parque.
Convirtiéndose en la contrapartida de este
Parque Nacional, un centro de empleo para los
parados locales, en su mayoría procedentes del
sector de la construcción, en el marco del plan E
del gobierno. Provocando más gasto y
ofreciendo pocas soluciones al problema social,
económico y ambiental de la comarca de la
Mancha. En la punta de este iceberg a la deriva
encontramos al Parque Nacional de las Tablas
de Daimiel, en su base una agricultura
subsidiada y excedentaria, entre ambos una
sociedad que parece no darse cuenta hacia
donde se dirige o no querer hacerlo, bajo el
auspicio de unas administraciones cada vez más
politizadas.
Si marcásemos aquí el final del camino de este
Parque Nacional, que no ha de serlo, tendríamos
que preguntarnos si ha merecido la pena haber
malgastado tantos recursos, económicos y
naturales, para transformar un paisaje, olvidar
una cultura y continuar siendo una comarca
“pobre” en términos económicos, dentro de
España y de Europa.
Para este viaje no se necesitan estas alforjas
Villarrubia de los ojos
28 de noviembre de 2009.
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ARQUEOLOGÍA
LA NECRÓPOLIS VISIGODA DEL SANTUARIO DE LA VIRGEN
DE LA SIERRA. APORTACIONES DESDE LA ARQUEOLOGÍA A
UN PERIODO POCO CONOCIDO DE NUESTRA HISTORIA.
Honorio Javier Álvarez García / Luis Benítez de Lugo Enrich /
Jaime Moraleda Sierra (ANTHROPOS S.L.)
En 2005 se desarrolló una intervención
arqueológica de carácter puntual en el entorno
del Santuario de la Virgen de la Sierra en
Villarrubia de los Ojos (Ciudad Real), con la
exhumación de un sarcófago de caliza de
cronología visigoda. La tumba contenía una
inhumación de un individuo masculino adulto.
En el lugar se ubica una necrópolis rural, aún
pendiente de investigación. Los análisis
radiocarbónicos y antropológicos realizados, así
como la tipología de la sepultura documentada,
permite, en este momento, dar un paso más en el
conocimiento de los hábitos funerarios de la
Meseta Sur para este periodo histórico.
En cumplimiento de la legislación vigente el día
5 de Noviembre de 2004 se comunicó a la
Consejería de Cultura de la Junta de
Comunidades de Castilla-La Mancha la
aparición de estructuras arqueológicas no
aparentes en superficie, detectadas con motivo
de la realización de unas obras de
acondicionamiento en una zona destinada para
el aparcamiento de vehículos en el Santuario de
la Virgen de la Sierra (Villarrubia de los Ojos,
Ciudad Real).
El tiempo transcurrido desde la aparición del
hallazgo hasta el inicio de nuestra intervención
(más de dos meses) facilitó la remoción del
enterramiento, la fractura de algunos huesos y,
tal vez, la sustracción del posible ajuar, por
parte de desconocidos.
Una vez finalizado el estudio de la tumba
estamos en condiciones de asegurar que se trata
de una estructura funeraria perteneciente a un
colectivo mayor, que puede ser calificado como
necrópolis. De forma preliminar es posible
inclinarse por una adscripción cultural visigoda,
sin que sea posible descartar también una
cronología medieval más amplia para este
yacimiento.
La investigación desarrollada aquí resulta de
una importancia más que notable, toda vez que
el conocimiento sobre este espectro cronológico
en Ciudad Real no es lo suficientemente amplio,
entre otras cuestiones porque el análisis del
mundo funerario de época visigoda en la
provincia resulta sumamente complejo. Ello se
debe, en buena parte, a la escasa información
histórica existente sobre este periodo. Los datos
disponibles sobre esta época son aportados por
contados hallazgos de materiales constructivos
o, en su mayor parte, por intervenciones
arqueológicas realizadas en tumbas aisladas y
necrópolis. Algunas de ellas fueron llevadas a
cabo con dudoso rigor científico y falta de
metodología; en otros casos, por efectuarse
mediante el procedimiento de urgencia, se
excavó únicamente una parte muy reducida de
la necrópolis. Conviene señalar que la mayoría
de los datos arqueológicos que poseemos del
periodo hispanovisigodo en nuestra región
provienen de las áreas cementeriales ubicadas
en su territorio.
Llegados a este punto, conviene diferenciar
entre necrópolis propiamente visigodas -en las
que aparecen ajuares materiales y elementos
indisolublemente unidos a esta adscripción
cultural-, necrópolis tardorromanas -anteriores
al siglo VII- y necrópolis hispanovisigodas pertenecientes a los siglos VII y VIII-. La
división entre unas y otras resulta muy
complicada, atendiendo en algunos casos a la
escasez de datos arqueológicos extraídos de la
excavación o, en otros, por la posibilidad de
darse una continuidad en los tipos y usos que
impide realizar una adscripción concreta.
También resulta importante establecer una
división entre necrópolis urbanas, que
habitualmente se ubicaban extramuros de la
ciudad, y necrópolis rurales, que se ubicaron en
las inmediaciones de iglesias rurales, junto a
pequeños núcleos de población o simplemente
en las cercanías o cruces de caminos. Junto a
estas necrópolis existen toda una serie de
hallazgos de inhumaciones aisladas que estarían
relacionadas con el tipo de organización social y
su escasez demográfica. En la provincia de
Ciudad Real, predominan los hallazgos aislados
y las necrópolis rurales, ubicados generalmente
junto a cursos de agua, relacionados en algunos
casos con iglesias o zonas de culto indígena,
aprovechando, en ocasiones, materiales
constructivos de antiguas villae tardorromanas.
Ejemplos destacados de necrópolis investigadas
en Ciudad Real son, entre otros, Oreto
(Granátula de Calatrava); La Cruz del Cristo en
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
Malagón, (29 kms. al oeste de Villarrubia de los
Ojos); en Alhambra Las Eras y la Necrópolis
Paleocristiana Arroyo de la Poza; la Loma de
las Sepulturas en Puertollano; en Villanueva de
la Fuente la necrópolis urbana de Mentesa
Oretana; y en Terrinches La Ontavia. Escasa
información proporcionan varias sepulturas
visigodas en 1962, en Porzuna “La Vieja”. En
fechas recientes se ha producido el hallazgo de
necrópolis en La Bienvenida/Sisapo y en las
instalaciones del Aeropuerto de Ciudad Real.
A toda esta información hay que añadir que se
han registrado en la provincia toda una serie de
enterramientos aislados: Albaladejo, Montiel,
Santa Cruz de los Cáñamos, Villamayor de
Calatrava, Fuencaliente, Viso del Marqués,
Villanueva de la Fuente, Puebla del Príncipe…
y un buen número de sarcófagos de dudosa
cronología, (Albaladejo, Puebla del Príncipe,
Santa Cruz de Mudela, Villanueva de la Fuente,
etc.). Estos hallazgos vienen a demostrar la
debilidad demográfica y, en ocasiones, la falta
de medios económicos, reflejados en la pobreza
de las tumbas y lo exiguo de los ajuares.
A estos enterramientos hay que sumar un buen
número de objetos dispersos, como cerámicas y
elementos de adorno personal procedentes de
Villanueva de la Fuente, Arenas de San Juan,
Fontanarejo, Alhambra, Porzuna, así como
elementos arquitectónicos en Argamasilla de
Alba, Santa Cruz de los Cáñamos, la pilastra de
mármol de Daimiel y la placa con motivos
vegetales de Villarrubia de los Ojos, que puede
relacionarse con la necrópolis hallada en el
Santuario de la Virgen de la Sierra.
población de épocas más remotas, entre los que
se incluirían los fundadores de la necrópolis
hallada.
Abordar una aproximación histórica sobre el
periodo visigodo en esta zona supone un
importante reto debido a la escasez de fuentes.
En un contexto general, desde el siglo VI la
provincia de Ciudad Real se convirtió a la vez
en una importante zona de paso y en lugar
estratégico situado entre los importantes centros
de Toledo, Mérida y la Bética, especialmente
cuando Toledo se convirtió en capital del reino
Visigodo. Fue ésta una época de continuas
guerras
y
disputas
territoriales,
que
contribuyeron, más si cabe, a la decadencia
Entorno, contexto histórico y caracterización
de la necrópolis del Santuario de la Virgen de
la Sierra.
La necrópolis se encuentra junto al Santuario de
la Virgen de la Sierra, edificado a media ladera
de la denominada “Sierra de la Virgen”. De
interés evidente resulta el hecho de la existencia
en el propio santuario de un manantial de agua
de excelente calidad, que conforma el posterior
“Arroyo de la Virgen”, cuya existencia marcó,
sin duda, la implantación del centro de culto
(del que se tienen noticias ya en el siglo XIII) o,
incluso, la existencia de asentamientos de
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
económica y, por qué no, social, de los
territorios que actualmente conforman la
provincia de Ciudad Real, en un momento en
que la densidad demográfica era sumamente
débil. El período de paz, documentado desde las
últimas campañas de Leovigildo hasta la llegada
de los contingentes musulmanes, no supuso una
mejora de las condiciones socioeconómicas,
como demuestran la ausencia de cecas o
hallazgos de monedas en la provincia y la
demostrable escasez de comercio debido a la
pobreza de la zona y a las plagas de langosta
que asolaron la región, damnificando tanto a
agricultores como a ganaderos. Por lo que esta
zona fue presa fácil ante la invasión musulmana.
En el término municipal de Villarrubia de los
Ojos existen una serie de asentamientos con
indicios claros de poblamiento en el periodo
comprendido entre los siglos V a VIII. Muchos
de ellos tienen origen romano bajoimperial,
manteniendo su existencia hasta los albores de
la Edad Moderna. Las fechas ofrecidas por los
análisis radiocarbónicos de los restos óseos
exhumados del sarcófago del Santuario de la
Virgen de la Sierra, indican la existencia de una
comunidad visigoda en un territorio ya
conquistado por los musulmanes, que bien pudo
mantenerse por pactos con los nuevos
moradores de la provincia de Ciudad Real tras
la victoria de Tarik en la Batalla de Guadalete.
Cercanos al Santuario de la Virgen de la Sierra,
con una cronología similar a la necrópolis,
existen dos yacimientos mencionados por las
fuentes, que pueden estar directamente
relacionados con el enclave. El primero de ellos
es Jétar (Xetar o Gétor), situado a dos
kilómetros y medio al sur de la ermita. Se
encuentra directamente conectado por el
“Camino de Veladores”, topónimo que puede
ser bastante esclarecedor. El segundo es
Renales, emplazado tres kilómetros al sudeste.
Además de estos dos yacimientos conocidos
desde antiguo existe un conjunto mayor de
enclaves recientemente documentados, que bien
pudieran estar relacionados, en uno u otro
sentido, con la necrópolis. Destaca Cabezo de
Renales, comunicado con la necrópolis a través
del denominado “Camino de la Virgen”, junto al
cual se aprecia una estructura fortificada en la
que, junto a galbos cerámicos de la Edad del
Bronce, se ha recuperado también cerámica a
torno. Es un lugar en donde fuentes orales
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DESDE EL ÁRBOL GORDO Nº 4 – DICIEMBRE 2009
afirman el hallazgo de monedas datadas en el
Bajo Imperio. Otros enclaves, como Rodeo del
Moro, Manciporras o El Plancho, son claros
ejemplos de la continuidad del poblamiento de
la zona entre la época romana y la medieval.
La necrópolis del Santuario de la Virgen de la
Sierra debe relacionarse con una pequeña aldea
o “vicus”, a un “fundi” señorial o, incluso, a
“castella” (pequeñas agrupaciones urbanas
fortificadas) establecidas bien en el mismo lugar
que la necrópolis, bien en lugares relativamente
alejados, pero conexos mediante caminos. Cabe,
por tanto, la opción de que la necrópolis pueda
estar separada de la población de la que
depende, para entre otras cosas, evitar el
ambiente insalubre que puede provocar una
zona de enterramientos cercana al lugar de
hábitat. Dentro de esta línea argumental podría
estar asociada a varios enclaves históricos
cercanos, como Jétar (Xetar o Gétor), Renales y
Cabezuela de Renales.
Las poblaciones de época visigoda se ubican
preferentemente en las cercanías de vías de
comunicación o en las vegas fluviales. En el
caso que nos ocupa sería destacable la presencia
de dos vías de comunicación este-oeste, que se
encontrarían íntimamente relacionadas tanto con
la necrópolis como con los yacimientos de
Gétor, Renales y Cabezuela de Renales. Estas
vías son conocidas actualmente como “Sendilla
de la Virgen” y “Vereda de Malagón”. Ambas
buscan transitar por las zonas llanas cercanas a
las vegas de los ríos Guadiana y Cigüela,
formando parte de vías históricas de origen
remoto, jalonadas en su recorrido por
yacimientos arqueológicos. La “Vereda de
Malagón” puede ejercer de nexo de unión entre
dos necrópolis: la del Santuario de la Virgen de
la Sierra y la de la Cruz del Cristo de Malagón.
Intervención arqueológica
Esta intervención ha permitido inventariar un
sarcófago del tipo calificado como “de bañera”,
elaborado con caliza local. No presenta
epigrafías ni motivos ornamentales. En lo
tocante a su aspecto es característica su
tosquedad. Esa tosquedad se ve acentuada en la
parte correspondiente a los pies, ya que ésta
corresponde a piezas individuales añadidas al
cuerpo principal. No obstante, la reparación,
reutilización y amortización de este tipo de
sepulcros está atestiguada en múltiples casos.
En cuanto al contenido del sarcófago, éste
albergaba en su interior los restos óseos de un
individuo adulto, en posición de decúbito
supino, orientado en posición oeste a Este
(cabeza al oeste y pies al Este), con las manos
cruzadas sobre la cintura. La costumbre de
colocar la sepultura orientada al sol naciente
está en relación con la idea del sol como
símbolo del renacimiento. Éste es el patrón tipo
para las inhumaciones características de
cronología visigoda, tal y como se ha observado
en otras necrópolis similares excavadas en el
ámbito meseteño
El estado de los restos óseos era bueno en el
momento del descubrimiento de la tumba. Sin
embargo, en el momento de iniciarse la
excavación se observaron alteraciones que
habían dañado el esqueleto del cadáver. Las
partes más dañadas correspondían al cráneo
(especialmente faz y mandíbulas) y a los huesos
largos de las piernas (fémures y tibias).
Conviene reseñar que la lápida del sepulcro
pudo haberse reventado hace ya tiempo. Por
tanto, el cadáver estaba alterado tanto por
diversas causas: expolio, ambientales (agua),
roedores, raíces, etc.
Un minucioso análisis antropológico ha
revelado que se trata de un individuo de sexo
masculino y edad madura (entre 40 y 50 años),
de estatura mediana (160,5 cm.), complexión
robusta y desgaste en las tibias (consecuencia de
montar en caballería). Uno de los datos más
relevantes es que el individuo presenta una
lesión de politraumatismo que afecta a
numerosas costillas del lado izquierdo que
podría estar relacionada con la causa de su
muerte, afectando órganos vitales como los
pulmones. Este traumatismo viene dado por una
caída -no un golpe-, bastante aparatosa, como
bien podría ser desde una caballería. Las
lesiones traumáticas con evolución desfavorable
debieron ser muy frecuentes en esta época
debido a los límites de la medicina antigua.
Nos encontramos, a tenor de ello, ante un
hombre relativamente bien alimentado y, por
tanto, de un nivel económico medio-alto. Nivel
económico que tiene su reflejo en una capacidad
Sarcófago antes de intervenir
.
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adquisitiva plasmada en un sepulcro, a pesar de
su tosquedad, costoso. Y en un más que
probable acceso a disponer de una montura.
Es posible reconstruir con enorme fidelidad el
rito de inhumación. En el terreno arcilloso del
entorno se excavó una fosa rectangular.
Posteriormente fue depositado en ella el
sarcófago, que fue a su vez calzado y asegurado
con mampuestos medianos de cuarcita para
asegurar su inmovilidad. Más tarde se colmató
la fosa con tierra del entorno. Desconocemos si
se instaló algún tipo de señalización sobre la
tumba.
En esta época se ha abandonado ya por
completo la práctica de la incineración de los
difuntos, típica del mundo romano altoimperial,
en favor del rito de la inhumación, auspiciado
por la creencia en la resurrección de la carne. El
ritual funerario aparece recogido en el Liber
Ordinum y en algunas normas sinodales, según
los cuales, tras el fallecimiento del individuo, el
cuerpo se lavaba y vestía convenientemente.
Después se conducía al difunto a la iglesia y de
allí se trasladaba al cementerio. Si el sepulcro
era nuevo se procedía a su bendición.
Seguidamente se enterraba el cadáver, acto que
ponía fin a la acción ritual.
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Diversos materiales arqueológicos inventariados
en el entorno, entre ellos tegulae (teja plana de
tradición romana) confirman la ocupación del
solar desde época tardorromana al menos, con
proyecciones medievales y modernas, y cuyo
resultado más visible es el propio santuario. La
antropización del lugar desde época antigua está
doblemente atestiguada, en la tradición y en la
bibliografía. Pero podríamos añadir algunos
elementos relevantes más, como son la
existencia de restos constructivos de carácter
edilicio en caliza similar a la del sepulcro
estudiado (el descansadero de la Virgen sería un
magnífico ejemplo de ello), la aparición de un
sarcófago similar en décadas pasadas, la
existencia de figurillas de terracota alusivas a
divinidades protectoras “de filiación claramente
romana”.
dejado excesivas huellas, ni artefactuales ni
documentales en éste área de la región.
Ya para concluir querríamos reseñar que este
tipo de investigaciones se revelan de una
importancia de primer orden, puesto que la,
denostada en ocasiones, Arqueología de la
Muerte analiza todo tipo de restos funerarios y
obtiene una información excepcional para el
estudio de las sociedades antiguas: estructura
social, demografía, relaciones de parentesco,
organización
familiar,
costumbres
de
matrimonio, economía, religiosidad, etc. De esta
forma, observando la variedad de personas
sociales presentes en la necrópolis, es posible
rastrear, primero, e identificar, después, los
principios organizativos de una sociedad.
En definitiva, ese es el objetivo último del
arqueólogo: arrojar luz sobre la dinámica de las
sociedades en el pasado; sólo así éste podrá ser
comprensible.
BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA:
ÁLVAREZ GARCÍA, H.J. y BENÍTEZ DE
LUGO, L. (2007): "Necrópolis tardoantigua e
islámica de Mentesa Oretana (Villanueva de la
Fuente, Ciudad Real), en Homenaje a Victoria
Cabrera. Espacio, Tiempo y Forma. U.N.E.D.
En prensa.
BARRAL, X. (1976): La circulation des
monnais suèves et visigothiques. Contributión à
l´histoire du Royaume visigot. Zurich-Munich.
BELTRÁN
TORREIRA,
F.M.
(1992):
"Romanidad tardía y germanismo", en La
Provincia de Ciudad Real II. Historia, pp. 131148. Diputación Provincial. Ciudad Real.
BENÍTEZ DE LUGO, L. y RODRÍGUEZ
MORENO, A. (1999): "Los enterramientos
tardorromanos del Talar de la Vega (Villanueva
de la Fuente, Ciudad Real)", XXIV Congreso
Nacional de Arqueología (Cartagena, 1997),
vol. IV, pp. 611-622. Cartagena.
BEÑO, P. A.: (1973): “Hallazgos arqueológicos
en el paraje conocido por Santa María de
Argamasilla de Alba”, en Cuadernos de
Estudios Manchegos (época II), nº 4, pp. 159163. Ciudad Real.
CABALLERO, A. (1998): “Arqueología”, en
Parque Nacional Las Tablas de Daimiel, pp.
332 y ss. Esfagnos. Talavera de la Reina
(Toledo).
CABALLERO, A. (1996): "Arqueología e
Historia Antigua", en Ciudad Real y su
Provincia II, pp. 89-92. Gever. Sevilla.
FERNÁNDEZ CALVO, C. (2000) “La
necrópolis de época Visigoda de la Cruz del
Cristo. Malagón (Ciudad Real)”, en Benítez de
Sarcófago excavado.
La datación del conjunto se basa en los
resultados del análisis de Carbono 14 aplicado a
los restos óseos, que arrojan una cronología
situada a caballo entre los siglos VIII y IX.
Así pues, estamos ante contingentes de
población que vivieron en los últimos
momentos de la época visigoda, cuando ese
“viejo mundo” languidece o bien ante población
hispanovisigoda no islamizada (al menos
culturalmente, como así lo atestiguan sus ritos
de inhumación), que habitó la zona en el primer
siglo de dominación musulmana. Periodo, éste,
de transición, que es poco conocido en la
provincia de Ciudad Real, toda vez que el
proceso de arabización del territorio no ha
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FOTOGRAFÍA
VISTA DE LA HONTANILLA
Mediados del siglo XX.
Actualidad.
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