EDAD CONTEMPORÁNEA

HISTORIA DEL ARTE – PARTE 4
DISEÑO. Arq. SYLVIA PASQUIER
EDAD CONTEMPORÁNEA – S3
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HISTORIA DEL ARTE 2
EDAD CONTEMPORÁNEA
HISTORIA DEL ARTE – PARTE 4
EDAD CONTEMPORÁNEA
CONTENIDOS
1. Para entender el arte: El proceso de dibujo
2. Contexto histórico
3. Romanticismo y Realismo
4.Impresionismo
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EL PROCESO DE DIBUJO
En el fondo de cualquier dibujo existe un proceso interactivo de visión, imaginación y
representación de las imágenes. La visión genera las imágenes de una realidad exterior percibida
con nuestros ojos abiertos que da lugar al descubrimiento del mundo.
Si cerramos los ojos, el de la mente presenta imágenes de una realidad interior – recuerdos
visuales de sucesos pretéritos o proyecciones de un futuro imaginado -. Y, por fin, están las
imágenes que creamos sobre el papel, los dibujos que empleamos para comunicar tanto nuestras
ideas como nuestras percepciones.
VISIÓN
La visión es el canal sensorial primario por el que entramos en contacto con nuestro mundo. Es el
sentido más desarrollado, de mayor alcance y en el que confiamos en la mayoría de las actividades
cotidianas. La visión posibilita nuestra capacidad de dibujar, en tanto que el dibujo potencia la
visión.
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IMAGINACIÓN
La mente, en su activa búsqueda de estructura y significado, procesa, manipula y filtra la
información visual que recibe el ojo. El ojo de la mente genera las imágenes que vemos que son,
precisamente, las que intentamos representar en el dibujo. Por lo tanto, el dibujo no se reduce a
una mera habilidad manual, sino que comprende el pensamiento visual que estimula la imaginación
y, en reciprocidad, ésta proporciona ímpetu para el dibujo.
REPRESENTACIÓN
Cuando dibujamos hacemos marcas en una superficie para representar gráficamente lo que vemos
ante nosotros o imaginamos en la mente. El dibujo es un medio natural de expresión que crea un
mundo de imágenes, independiente, pero paralelo, que habla a la visión.
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SIGLO XIX. EL CONTEXTO HISTÓRICO
Toda la primera mitad del siglo XIX se caracterizó por la gran inestabilidad política que vivió el
continente europeo. Desde la Revolución Francesa hasta las revoluciones del 1848 y el inicio de los
nacionalismos, las guerras y alzamientos nacionales que suceden a lo largo de todo este período.
Sin embargo había un gran desarrollo económico e industrial. De todo el continente es España,
afectada por una aguda la inestabilidad política, es el país que no acompaña el desarrollo, más
bien al contrario, se ve en crisis teniendo que ser arrastrada por Europa.
ROMANTICISMO Y REALISMO
SIGLO XIX. EL CONTEXTO HISTÓRICO
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ROMANTICISMO Y REALISMO
El arte del siglo XIX aparece dominado por dos grandes tendencias, el romanticismo y el realismo.
Sin embargo, aunque en su periodo final se encuentren característicamente opuestos, poseen
aspectos similares desarrollados principalmente, con más claridad y fuerza, durante la primera
mitad del siglo XIX.
Entre estos aspectos están:
1. Libertad individual, como una aspiración irrenunciable.
2. El nacionalismo, como sentimiento del pueblo frente a la autoridad impuesta.
3. La nostalgia de tiempos pasados, como modelo intelectual y estético que se desea
recuperar.
4. La curiosidad exótica hacia otras culturas, como una forma de escapar a la
insatisfacción de lo cotidiano.
5. El misterioso atractivo de todo lo irracional, ante la incapacidad de la razón por
explicar los grandes enigmas del ser humano.
6. La entrega rendida hacia lo sentimental y afectivo, como única posibilidad de
escapar de lo terrenal o la conciencia de la imposibilidad de alcanzar los grandes
ideales que cambien el mundo.
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Naturaleza y nacionalismo
El intento de centralización de Europa en una
cultura imperial dominada por París también
inspiró
expresiones
románticas
de
desacuerdo. Se recuperaron tradiciones
desacreditadas y se reprodujeron paisajes
heróicos,
que
revelaban
una
nueva
determinación para afirmar identidades
nacionales alternativas entre el baño de
sangre napoleónico.
El dramatismo de la naturaleza no sólo fomentó las mediciones y el estudio científico, desde ese
espíritu crítico, que se oponía a una cultura rígidamente reglamentada, la sinceridad y la verdad
fueron valores en alza, lo popular empezó a ser sinónimo de moralidad y autenticidad, frente a los
convencionalismos del arte oficial; solo lo visto y lo vivido, lo experimentado sensorialmente,
formaba parte de la creación artística.
A pesar de la herencia renacentista y barroca,
el romanticismo y el realismo apuntan con
claridad muchos de los aspectos de los
caminos
renovadores
posteriormente
desarrollados. Más adelante, es el realismo el
que domina la segunda mitad del siglo IXI y
son las tendencias que marcan con claridad
muchos de los caminos renovadores
posteriormente desarrollados.
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ARTE EN EUROPA SIGLO XIX
Las conquistas de Napoleón provocaron un movimiento sin precedentes y la creación de obras de
arte por toda Europa en forma de trofeos de guerra, publicaciones de arte, así como de
investigación, retratos oficiales y monumentos para conmemorar las victorias o los caídos.
La era napoleónica también fue testigo de la creación de los
grandes museos estatales de Europa: el Louvre, el museo
Británico y las pinacotecas de Berlín y Munich. Los avances
técnicos y las atrocidades de la guerra inspiraron complejas
respuestas artísticas, que comprendían desde el conflictivo
heroísmo de los cuadros sobre batallas de Gros y Turner
hasta los terribles grabados de Goya.
IMPRESIONISMO
La reacción contra las exposiciones oficiales, la investigación sobre la naturaleza física de la
percepción del color y la luz, ciertas innovaciones técnicas y un concepto moderno del sentido de
la vida fueron algunas de las circunstancias del nacimiento del impresionismo.
La aparición del impresionismo
En el París del siglo XIX que emergió de las cenizas de la guerra y la revolución surge una escuela
que trata de captar la impresión inmediata que produce la visión del natural, generalmente al aire
libre, por medio de una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y colores puros. Estas
innovaciones presentaron algunas circunstancias:
-
Reacción en contra de los “recetarios” frente a los valores
de la creación.
La conciencia de la vida moderna dominado por
sensaciones.
Diversas experiencias ópticas, la “mezcla óptima” que
aplicaron intuitivamente.
Innovaciones técnicas en los útiles, como lienzos
industriales y tubos de colores.
Los orígenes del Impresionismo
En el siglo XIX, el 15 de abril de 1874, una exposición de arte independiente se abrió al público en
París, cuando varios pintores agrupados pintan sensaciones visuales a partir de los motivos que los
rodeaban, en las calles y lugares de ocio. Para entonces, todavía eran desconocidos al margen de
la estructura artística que seleccionaba las obras dignas de ser admitidas en los salones.
Con sus obras el impresionismo conmocionó a
la élite burguesa, desafiando los ideales
académicos de los salones franceses que
alcanzaría a ser uno de los movimientos más
importantes e influyentes del siglo XIX, uno
que serviría en la creación de futuras
generaciones de artistas.
La Conceptualización del movimiento
En la exposición de 1874 se expuso una muestra revolucionaria que se hizo llamar la Sociedad
Anónima de Artistas Pintores, Escultores y Grabadores, que surgió como represalia por la actitud
de desprecio que mostraba el jurado del Salón de la Academia de París.
Se colgaron 165 pinturas y el hermano de
Pierre – Auguste Renoir, Edmond Renoir,
preparó un catálogo de todas las obras, en
el cual se descubrió un título de Claude
Monet: Impresión: sol naciente de 1872.
Fue esta obra que sin querer dio nombre a
la etiqueta bajo la que se agruparían los
artistas y sus obras posteriormente.
Características pictóricas
Las pinturas se construyen a base de manchas, simples y energéticas, que definen las cosas, sin el
ilusionismo que deriva del modelado. Fue con uno de los cuadros de Monet, Impresión, que el
crítico Castagnary utilizó para identificar estos nuevos modos de pintar.
Las obras muestran trazos desdibujados, en algunos casos, como Alfred Sisley, se utilizaron
pinceladas más luminosas lo que tenía una notable influencia en el resultado final.
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Algunos artistas
Monet fue uno de los primeros, que inconscientemente empezó a innovar en sus trazos, colores y visiones,
llegando a ser maestro de otros artistas renombrados e influyentes. Él manifestaba que no había que pintar
el objeto: “pintar sin ver los objetos pintados”, sino fijarse en los colores que éstos componían.
Renoir aplicó la visión impresionista a la figura humana, con pinceladas pequeñas y acabado oleoso.
Principalmente se enfocaba en el efecto de la luz sobre la piel y las variaciones tonales que estas pinceladas
creaban.
Degas fue un artista del movimiento que se mantuvo independiente, observador de figuras, entre las que
destacan las representaciones de bailarinas, que describe con colores intensos y trazos energéticos.
Sisley, autor de preferencia por lo rural, contrario a Renoir, quizás de los menos renombrados del
Impresionismo. No llegó a reflejar ninguna influencia política o social en sus obras, más bien paisajes calmos.
Pisarro fue el mayor de los impresionistas, considerado la figura paterna del grupo, con creencias políticas
radicales. Tuvo una época en que realizó carteles comerciales por cuestiones económicas.
Cézanne estudió derecho antes de decidirse por el arte. Se mantuvo alejado del grupo impresionista
prefiriendo su estadía tranquila en el campo, una persona emotiva pero de carácter difícil. Sus primeras
obras reflejaban una falta de confianza en sí mismo, hasta más adelante que desarrolla una sorprendente
expresión visual muy intensa y única.