TEMA 9- EL QUATTROCENTO ITALIANO. ARQUITECTURA

TEMA 9- EL QUATTROCENTO ITALIANO.
ARQUITECTURA (BRUNELLESCHI Y ALBERTI),
ESCULTURA (DONATELLO).
PINTURA (MASACCIO, FRA ANGÉLICO, PIERO DELLA
FRANCESCA Y BOTTICELLI).
INTRODUCCIÓN
S. XV Italia, movimiento cultural del Humanismo.
S.XVI: se extiende por buena parte de Europa.
Centro importante: Florencia- Médicis.
Las características del Humanismo:
-
Admiración por la Antigüedad Clásica.
-
Síntesis entre el Paganismo y el Cristianismo.
-
Antropocentrismo por oposición a teocentrismo medieval.
-
Recuperación del sentido de belleza clásico: armonía, proporción y
equilibrio; naturalismo e idealismo.
-
Representación científica de la realidad.
ARQUITECTURA:
Características Generales de la Arquitectura del Quattrocento
1. Imitación y reinterpretación de muchos elementos del Arte Clásico.
2. La belleza en la arquitectura se vincula a:
o conceptos de:
 proporción.
 Armonía.
 Equilibrio.
o antropometría.
o el módulo como unidad de medida.
1
3. Tipología:
Desarrollo de la arquitectura urbanística y la arquitectura civil: representar la
perfección.
La principal manifestación de la arquitectura civil:
-
el palacio en las ciudades
-
la villa en el campo.
4. Materiales:
-
variedad de materiales
o piedra
o ladrillo
o mármol
-
los sillares almohadillados.
5. Planta:
-
el ideal del templo renacentista:
o
propugnado por los teóricos es el edificio de planta centrada
o combinar con la planta longitudinal (Santa María de las Flores de
Florencia).
o variedad de plantas:
 plantas centradas (cruz griega, circular, octogonal, etc.),
 planta longitudinal de tipo basilical, planta “albertiana”,
longitudinal con nave única ancha y flanqueada por
capillas no comunicadas entre sí.
-
idea paleocristiana y bizantina de construir el edificio en función de una
gran cúpula.
El palacio renacentista tiene una estructura sencilla:
-
planta cuadrada en función de un patio cuadrado porticado.
2
6. Alzado: Iglesias:
-
renunciar a tribunas, triforios, etc.
-
Destaca el perfil de la cúpula que consta de tambor, bóveda y linterna.
-
Las torres y fachadas pierden importancia frente al período Gótico.
Palacios; constan de tres pisos:
-
planta baja para necesidades de servicio.
-
planta noble.
-
habitaciones privadas.
Elementos formales:
-
Elementos sustentantes:
o las columnas con proporciones y órdenes clásicos tan típicas del
Mundo Clásico Griego y Romano:
 la forma de logia.
 pilares y pilastras que recrean formas de la Antigüedad
Clásica como grutescos, acanaladuras, capiteles, etc.
-
Elementos sustentados:
o adintelada y abovedada.
o sistemas de cubrición propios de la arquitectura romana. la
arquitectura adintelada recupera los entablamentos clásicos.
o Los arcos de medio punto sustituyen a los arcos ojivales.
o Las bóvedas más utilizadas son:
 cañón con lunetos.
 la bóveda de arista.
 la cúpula con tambor y linterna.
Decoración:
-
simplificación decorativa.
-
elementos decorativos tomados de la Antigüedad Clásica, manipulados
con una gran libertad ornamental:
3
o almohadillado.
o el esgrafiado.
o las placas de mármol.
o el aparejo de imitación romana (opus reticulatum).
o la superposición de órdenes.
o
los oculi.
o Grutescos.
o guirnaldas.
o puti.
o medallones.
o casetones.
-
la pintura al fresco en el interior.
Valoración estética:
Interior:
-
Ideales del templo renacentista son:
o la unidad espacial (diafanidad),
o el espacio perspectivo,
o la proporcionalidad (antropometría en base al módulo),
o el equilibrio estético,
o la iluminación proporcionada y difusa.
Dominan las líneas horizontales pero sin romper el equilibrio.
Exterior: como ocurría con los edificios romanos:
-
dominio de la masa sobre el vano pero sin romper el equilibrio.
-
escalonamiento de volúmenes en función de la cúpula.
Funcionalidad y simbolismo:
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Templo: Funcionalidad Religiosa: Nueva idea de universo y de la posición
que el hombre tiene en éste.
Palacio: Residencia urbana: la burguesía muestra el gusto, riqueza y
cultura al pueblo
Villa: Aspiración del hombre a vivir en comunión con la Naturaleza.
Principales arquitectos:
-
Filippo Brunnelleschi (1377-1446):
o En 1418 se le encarga finalizar Santa María dei Fiore, inmensa
cúpula de planta octogonal con una luz de la misma anchura que
el Panteón de Roma (42 m.). Se concluye en 1436.
o Capilla Pazzi de la Santa Croce de Florencia.
o El interior de San Lorenzo (1440-45).
La principal contribución de Brunelleschi al urbanismo:
-
la loggia del Hospital de los Inocentes (1419-1444)
-
León Battista Alberti (1406-1472): sus teorías de:
o Diez Libros de la Arquitectura del arquitecto romano Vitrubio.
o De re aedificatoria.
-
Iglesia:
o planta albertiana:
 San Andrés de Mantua.
 el Templo Malatestano de Rímini.
 la fachada de Santa María Novella de Florencia.
-
El palacio típico de Alberti
o Palacio Rucellai de Florencia
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Otros arquitectos del Quattrocento son
-
Michelozzo Michelozzi:
o el Palacio Medicis-Ricardi de Florencia.
-
Giuliano da Sangallo:
o Santa María delle Carceri.
o Villa Médicis.
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ESCULTURA
1. Hallazgos arqueológicos de esculturas clásicas.
2. Los relieves, en el Renacimiento, se toman como modelo los relieves
clásicos y sus técnicas para conseguir la sensación de profundidad:
gradación de la profundidad del relieve (bajorrelieve-altorrelieve) se
consigue imitar la sensación de profundidad perspectiva lineal: relieves
que Donatello realizó para la Basílica de San Antonio de Padua.
Características Generales
Materiales y técnicas:
Piedra.
Mármol.
Terracota.
Bronce (técnica de la cera perdida).
Técnica:
-
cera perdida para realizar esculturas en bronce de tamaño natural.
-
el barro vidriado que utiliza Luca della Robbia en sus madonnas.
-
técnica de la gradación del relieve para obtener la sensación de
profundidad.
Soporte:
-
se desarrolla la escultura exenta sobre pedestal.
-
Los relieves se sitúan en puertas de bronce, tondi, hornacinas, etc.
Tema:
Temas religiosos:
Temas profanos:
-gran desarrollo del retrato.
-gran importancia al desnudo masculino.
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Elementos formales:
Escultura de bulto redondo:
-
estricta proporcionalidad basada en el canon (9-10 cabezas),
-
ruptura de la frontalidad ,
-
tratamiento naturalista de la anatomía,
-
rostro,
-
cabellos y ropajes, etc.
Estructuras compositivas más habituales es el contraposto, se da una
representación naturalista del movimiento.
Relieve: los elementos formales combinan las características de los relieves
de la Antigüedad Clásica, con los logros de la pintura:
-
gradación del relieve (bajorrelieve, altorrelieve, bulto redondo) para
conseguir la sensación de profundidad.
-
los principios de la perspectiva lineal.
-
Las composiciones son equilibradas y estructuradas en base a un eje
axial.
Valoración estética:
-
naturalismo
-
realismo idealizado
Funcionalidad: la función religiosa de muchas esculturas.
Los retratos tienen la función de ensalzar las virtudes cívicas del hombre
renacentista.
Ejemplos:
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) inicia la escultura del Quattrocento al
-
gana el concurso de 1401 para realizar la puerta sur de bronce del
Baptisterio de Florencia. Esta victoria le permite obtener el encargo de
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realizar una obra más importante: las llamadas “Puertas del Paraíso” del
Baptisterio de Florencia (1425).
Donatello (1386-1466):
-
estatuas de bulto redondo como el San Jorge de Ors San Michele
-
el David de bronce (1430).
-
la estatua ecuestre del Condotiero Gattamelata de Padua (1447-53).
-
relieves como la Cantoría de Santa María dei Fiori (1433-39).
-
relieves de San Antonio de Padua.
-
David de bronce del Museo del Barguello (Florencia).
Luca della Robbia fue muy conocido por sus madonas de barro vidriado.
- Cantoría de Santa María de las Flores de Florencia.
Andrea Verrocchio:
-
Condottiero Colleone en Venecia.
-
la Duda de Santo Tomás de Or.
-
San Michele en Florencia.
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PINTURA
El Quattrocento es un período en el que se producen enormes avances en
la pintura. Contemporáneamente a la pintura de los Primitivos Flamencos, los
pintores italianos desarrollaron el arte de la pintura
Materiales y técnicas:
-pintura al fresco, y la técnica del estarcido/maniquíes y maquetas.
-la pintura al temple.
-el óleo.
Soporte:
-la pintura al fresco se realiza sobre los muros de iglesias, palacios, etc,
-el temple se realiza sobre tabla (retablos, trípticos, etc.)
-el óleo sobre caballete.
Temática:
-
gran protagonismo a la figura humana (antropocentrismo). dentro de la
temática religiosa destaca la importancia de las representaciones
humanas idealizadas.
-
temas mitológicos y alegóricos reinterpretados de manera cristiana.
-
la importancia del Retrato, el tipo de retrato más genuino del
Quattrocento es el busto de perfil.
-
confusión entre escenas religiosas y cortesanas, o la integración de
retratos reales como si los personajes de la época fueran testigos de los
acontecimientos religiosos.
-
retrato colectivo privado y figura del donante.
-
El paisaje y el bodegón tiene poca importancia.
-
Como fondo de las escenas suele aparecer la arquitectura clásica o la
ciudad ideal y utópica.
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Elementos formales:
-
Dominio del dibujo sobre el color. El dibujo es muy preciso.
-
Los colores son apagados, especialmente en los frescos.
-
utilización equilibrada y armoniosa de los colores.
-
preferencia por los colores primarios.
-
composiciones basadas en la complementariedad cromática.
-
Uso de la geometría y de la proporción matemática para enfatizar la
“corporeidad” de los objetos y como elemento compositivo.
-
Utilización de la perspectiva lineal o geométrica acentuada por la
utilización de arquitecturas o de complejos escorzos.
-
Composiciones muy equilibradas en función de un eje axial (búsqueda del
equilibrio compositivo).
-
Preferencia por el triángulo como figura geométrica compositiva.
-
La luz para acentuar la volumetría de los cuerpos (utilización evidente del
claroscuro). La iluminación es difusa y cenital, raramente se utiliza una luz
direccional.
Valoración estética:
- dar una visión “científica” y objetiva de la realidad.
- Es muy naturalista e idealizada.
- rezuma ingenuidad.
- obsesión por la composición, la perspectiva y la anatomía.
- La tradición pictórica italiana tiende a prescindir de lo anecdótico para
centrarse en lo principal (al contrario que la de los Primitivos Flamencos
llena de detalles y elementos anecdóticos).
Funcionalidad:
-
función religiosa, visión de la religión humana y secular.
-
el gusto por el retrato que tiene una función privada, pública y política.
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Ejemplos:
Masaccio:
Frescos de la Capilla Brancacci sobre la vida de San Pedro (Florencia):
-
la Expulsión de Adán y Eva) (1426-27)
-
Tributo de la Moneda
-
La Trinidad de Santa María Novella (1427)
Fra Angelico:
La Anunciación del Museo del Prado.
Piero della Francesca:
Retrato del duque de Urbino Federico de MOntefletro y su esposa.
La Flagelación de Cristo.
Sandro Boticelli:
La primavera (1480-81).
En el Nacimiento de Venus (1485).
Otros pintores del Quattrocento fueron el Perugino, Mantenga, Gozzoli, Fra
Filippo Lippi, Girlandaghio,
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TEMA 9- EL QUATTROCENTO ITALIANO. ARQUITECTURA (BRUNELLESCHI Y
ALBERTI), ESCULTURA (DONATELLO). PINTURA (MASACCIO, FRA ANGELICO,
PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTICELLI).
INTRODUCCIÓN
El Renacimiento es un estilo artístico que nace en Italia en el siglo XV y se
extiende por buena parte de Europa en el siglo XVI. Mientras toda Europa
estaba dominada por el Estilo Gótico Tardío, Italia desarrolló el Estilo
Renacentista durante el siglo XV. Los italianos denominaron a esta etapa el
Quattrocento.
Uno de los centros más importante del Quattrocento era Florencia, la rica
República que dominaba buena parte de la Toscana. Florencia estaba gobernada
por los Médicis, una familia de banqueros cuyos principales representantes
(Cosme el Viejo y Lorenzo el Magnífico) eran personajes cultos y refinados que
protegieron y fomentaron las artes y a algunos de los principales artistas del
momento (Botticelli, Miguel Ángel, etc.).
El Renacimiento se vincula a un nuevo movimiento cultural que surge en
Italia en el siglo XV: el Humanismo.
Las características del Humanismo son:
Admiración por la Antigüedad Clásica: el Renacimiento se inspira en la
Antigüedad griega y romana, pero no la imita servilmente. Los artistas, como
Brunelleschi, investigan las ruinas romanas y se inspiran en ellas para realizar sus
propias obras, aunque éstas tienen una personalidad propia...
Síntesis entre el Paganismo y el Cristianismo. El Humanismo es cristiano
pero acepta los símbolos y la mitología pagana reinterpretada en un sentido
cristiano. Así le ocurre, por ejemplo, a Botticelli
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Antropocentrismo por oposición a teocentrismo medieval: el ser humano
es el centro del universo, “la medida de todas las cosas”. De esta concepción
deriva la antropometría, es decir, la aplicación de las medidas humanas perfectas
a todo lo que crea el ser humano (la arquitectura, sobre todo):
Recuperación del sentido de belleza clásico: armonía, proporción y
equilibrio; naturalismo e idealismo. La diferencia frente a este ideal Clásico es
que en el Renacimiento es inseparable la belleza física de la belleza y virtud
moral y cívica. El David de Donatello está inspirado en las antiguas esculturas
griegas, pero además encarna un héroe pleno de virtud moral.
Representación científica de la realidad: el arte no es una mera
especulación estética sino que aspira a representar la realidad de una manera
“científica”. Así ocurre, por ejemplo, con la perspectiva lineal. Representar la
realidad mediante el dibujo es una manera de comprenderla fielmente de forma
científica.
Características Generales de la Arquitectura del Quattrocento
La arquitectura del Quattrocento imita muchos elementos del Arte Clásico,
tanto de una manera aislada (columnas con proporciones clásicas, oculi) como
contextualizada (así ocurre con la reproducción de interiores similares a las
basílicas paleocristianas como ocurre en San Lorenzo de Brunelleschi). A veces se
reinterpretan los elementos clásicos y se crean elementos arquitectónicos
nuevos (por ejemplo, los grutescos).
La belleza en la arquitectura se vincula a los conceptos de proporción,
armonía y equilibrio como ocurría entre los antiguos griegos. Una de las
proporciones más utilizada es la antropometría, es decir, la utilización de las
proporciones humanas en los elementos arquitectónicos (planta, columna, etc.).
Asimismo, como hacían los griegos es muy habitual utilizar el módulo como
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unidad de medida. Las proporciones del edificio se basan en fórmulas
matemáticas y geométricas basadas en dicho módulo.
Junto la arquitectura religiosa se desarrolla la urbanística y la arquitectura
civil. Los príncipes renacentistas diseñan planos urbanos ideales y utópicos
basados en formas geométricas que pretenden representar la perfección. Estos
diseños se quedan en el papel (Sforzinda de Filarete) y rara vez se llevan a la
práctica (por ejemplo Palmanuova, Pienza, etc.).
La principal manifestación de la arquitectura civil es el palacio en las
ciudades y la villa en el campo. La villa renacentista se inspira en la villa romana,
pero es mucho más, pues se convierte en un lugar ideal creado por el ser
humano y ubicado en medio de la naturaleza (lugar ideal creado por Dios).
Materiales: la arquitectura renacentista utiliza gran variedad de materiales
(piedra, ladrillo, mármol) pero éstos se utilizan a la manera romana, es decir que
los materiales pobres como el ladrillo se recubren de materiales ricos como las
placas de mármol de colores. Uno de los materiales novedosos utilizados en los
palacios es el de los sillares almohadillados, es decir, sillares con las esquinas
redondeadas y suavizadas para crear un efecto decorativo determinado.
Planta: el ideal del templo renacentista propugnado por los teóricos es el
edificio de planta centrada, pero los arquitectos no siempre lo pueden llevar a
cabo y por eso se ven obligados a combinarlo con la planta longitudinal (así
ocurre en Santa María de las Flores de Florencia). De hecho, en los edificios
renacentistas se produce una gran variedad de plantas: plantas centradas (cruz
griega, circular, octogonal, etc.), planta longitudinal de tipo basilical, planta
“albertiana”, longitudinal con nave única ancha y flanqueada por capillas no
comunicadas entre sí. Los edificios recuperan la idea paleocristiana y bizantina
de construir el edificio en función de una gran cúpula. Por su parte, el palacio
renacentista tiene una estructura sencilla: planta cuadrada en función de un
patio cuadrado porticado.
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Alzado: las iglesias tienden a renunciar a tribunas, triforios, etc. Sobre todo
lo demás destaca el perfil de la cúpula que consta de tambor, bóveda y linterna.
Las torres y fachadas pierden importancia frente al período Gótico. En cuanto a
los palacios, éstos constan de tres pisos: planta baja para necesidades de
servicio, planta noble, y habitaciones privadas.
Elementos formales:
Elementos sustentantes: el Renacimiento recupera las columnas con
proporciones y órdenes clásicos tan típicas del Mundo Clásico Griego y romano.
Sin embargo, en el Quattrocento estas columnas adquieren la forma de logia, es
decir, un pórtico formado por columnas exentas que sostienen airosos arcos de
medio punto; también se utilizan pilares y pilastras que recrean formas de la
Antigüedad Clásica como grutescos, acanaladuras, capiteles, etc.
Elementos sustentados: La arquitectura renacentista es adintelada y
abovedada, y recupera los sistemas de cubrición propios de la arquitectura
romana. De este modo, la arquitectura adintelada recupera los entablamentos
clásicos. Los arcos de medio punto muy airosos sustituyen a los arcos ojivales.
Las bóvedas más utilizadas son las de cañón con lunetos, la bóveda de arista, la
cúpula con tambor y linterna, etc.
Decoración: en general se produce una gran simplificación decorativa con
respecto al Gótico Flamígero que domina en el resto de Europa. A menudo se
recurre a elementos decorativos tomados de la Antigüedad Clásica, pero éstos se
manipulan con una gran libertad ornamental. Así se utiliza el almohadillado, el
esgrafiado, las placas de mármol, el aparejo de imitación romana (opus
reticulatum), la superposición de órdenes, los oculi, grutescos, guirnaldas, puti,
medallones, casetones. Interiormente se utiliza la pintura al fresco, tradición
italiana que viene del Trecento.
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Valoración estética:
Interior: los ideales del templo renacentista son: la unidad espacial (o en su
defecto
la
diafanidad),
el
espacio
perspectivo,
la
proporcionalidad
(antropometría en base al módulo), el equilibrio estético, la iluminación
proporcionada y difusa. Dominan las líneas horizontales pero sin romper el
equilibrio.
Exterior: como ocurría con los edificios romanos, se da un dominio de la
masa sobre el vano pero sin romper el equilibrio. También se produce un
escalonamiento de volúmenes en función de la cúpula como ocurría con los
martiria paleocristianos o los edificios bizantinos.
Funcionalidad y simbolismo:
El templo renacentista tiene una evidente funcionalidad religiosa, sin
embargo, es sobre todo un símbolo de la nueva idea del universo y de la posición
que el hombre tiene en éste. El ser humano siente en el interior de un espacio
único y diáfano la posibilidad de comprender el universo gracias a la ciencia. El
ser humano es el centro de ese universo que está construido a su imagen y
proporción (antropometría). No se niega la existencia de Dios, pues éste ha
creado el mundo, pero se afirma que el hombre reina en él.
El Palacio Renacentista ya no es una fortaleza medieval sino que es una
residencia urbana en la que la oligarquía burguesa muestra a través de unos
grandes ventanales su riqueza, su cultura y gusto refinado al pueblo gobernado
por ellos.
La villa representa la aspiración del hombre de vivir en comunión con la
naturaleza. La villa rural pretende imitar las antiguas villas romanas, pero, en
realidad cambia su significado pues representa el universo perfecto y racional
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creado por el ser humano inmerso en un universo perfecto y racional creado por
Dios y en el que el hombre reina y es feliz.
Principales arquitectos:
Filippo Brunnelleschi (1377-1446): se inicia como escultor pero al perder el
concurso de 1401, para realizar las puertas de bronce del Baptisterio de
Florencia, se centra en la investigación arqueológica de la arquitectura romana.
En 1418 se le encarga finalizar Santa María dei Fiore, el templo gótico de tres
naves que Arnolfo di Cambio había empezado a construir en Florencia. Este
templo no se había podido concluir hasta entonces pues la cabecera era un
enorme espacio que había que cubrir con bóveda. Se hubieran necesitado miles
de árboles para construir los andamios. Brunelleschi solucionó el problema y
construyó una inmensa cúpula de planta octogonal con una luz de la misma
anchura que el Panteón de Roma (42 m.). Esta cúpula tiene una estructura
constructiva típica del gótico con arcos apuntados y elementos, pero muy
original y novedosa, pues en realidad se trata de dos casquetes superpuestos.
Brunelleschi adquirió gran fama al inventar un sistema de construcción sin
andamios ni cimbras, combinando los empujes contrarios de las dos cúpulas y
anillos concéntricos que se autosostienen durante el proceso constructivo.
También hay que destacar el empeño del arquitecto por realizar un edificio de
planta centrada. En realidad era un proyecto utópico pues no se podía eliminar
el templo longitudinal ya existente, pero el arquitecto intentó llevarlo a cabo de
alguna manera. Santa María dei Fiore parece así un curioso híbrido, una ambigüa
combinación de planta longitudinal y centrada. Se concluye en 1436.
Otro edificio de planta centrada de Brunelleschi fue la Capilla Pazzi de la
Santa Croce de Florencia. Este pequeño edificio nos muestra la preferencia
renacentista por el edificio de planta centrada, la limpieza decorativa y de líneas
y la importancia de las proporciones armónicas. El interior, diáfano,
proporcionado y unitario, es uno de los que mejor representa los ideales
estéticos humanistas.
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El interior de San Lorenzo (1440-45) es una iglesia de planta longitudinal y,
por tanto, no tiene nada que ver con los edificios de planta centrada. A cambio
representa los ideales de Brunelleschi del espacio perspectivo, es decir, la
representación de la perspectiva lineal pictórica en un espacio tridimensional.
También se caracteriza por la proporcionalidad basada en la antropometría y el
módulo. El interior imita una planta de Basílica Romana o Paleocristiana de tres
naves, con los arcos formeros cabalgando sobre columnas corintias a las que se
ha añadido fragmentos de entablamento. El edificio tiene cubierta adintelada de
madera decorada con casetones. También se han añadido oculi o ventanas
circulares a imitación de las romanas. El módulo basado en el cuadrado está
presente en planta y alzado y genera una sensación geométrica y equilibrada.
La principal contribución de Brunelleschi al urbanismo fue la loggia del
Hospital de los Inocentes (1419-1444), un espacio exterior porticado que
recuerda los foros romanos. En él volvemos a observar el gusto de Brunelleschi
por las arcadas sobre columna exenta que también encontramos en San Lorenzo.
En las enjutas de los arcos Luca della Robbia situó varios tondi de barro vidriado
en el que representa niños que aluden a la función de hospicio de la
construcción.
León Battista Alberti (1406-1472): fue mucho más fiel que Brunelleschi a
los modelos clásicos, pues recogió sus teorías de los Diez Libros de la
Arquitectura del arquitecto romano Vitrubio. El mismo Alberti teorizó sobre
arquitectura en su obra De re aedificatoria. Alberti creó un tipo de iglesia de
planta longitudinal con una sola nave muy ancha flanqueada por capillas sin
comunicación entre sí (este tipo de planta recibe el nombre de Planta Albertiana
y será el germen del Templo de Planta Jesuítica del siglo XVI). Alberti añadía a
estos templos una característica fachada que imitaba los arcos de triunfo
romanos. En esta línea tenemos San Andrés de Mantua y el Templo Malatestano
de Rímini. Alberti utilizó las ideas del módulo y las fórmulas geométricas en la
fachada de Santa María Novella de Florencia. Esta fachada se decoró con
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mármoles de colores siguiendo las técnicas típicas de Toscana y de tradición
romana. El palacio típico de Alberti (Palacio Rucellai de Florencia) responde al
modelo clásico de planta cuadrada y tres pisos, aunque la articulación del
exterior combina elementos decorativos romanos (pilastras, superposición de
órdenes, imitación de paramentos romanos) y las pilastras verticales equilibran
las líneas horizontales de las cornisas.
Otros arquitectos del Quattrocento son Michelozzo Michelozzi que realizó
el Palacio Medicis-Ricardi de Florencia y Giuliano da Sangallo que construyó
Santa María delle Carceri y Villa Médicis.
ESCULTURA
Los escultores renacentistas quedaron repetidamente impresionados por
los hallazgos arqueológicos de esculturas clásicas. De hecho, las esculturas de
bulto redondo del Renacimiento imitan conscientemente las estatuas clásicas,
aunque no se trata de un mero mimetismo. Respecto a los relieves, en el
Renacimiento también se toman como modelo los relieves clásicos y sus técnicas
para conseguir la sensación de profundidad. De este modo, mediante la
gradación de la profundidad del relieve (bajorrelieve-altorrelieve) se consigue
imitar la sensación de profundidad. Sin embargo, los relieves renacentistas
también se van a ver beneficiados por los descubrimientos de los pintores en la
representación de la perspectiva lineal. Un ejemplo de esto lo encontramos en
los relieves que Donatello realizó para la Basílica de San Antonio de Padua.
Características Generales
Materiales y técnicas: las esculturas renacentistas están realizadas en
piedra, mármol, terracota, bronce (técnica de la cera perdida). La insistencia en
la utilización del mármol y el bronce recuerda la preferencia que tenía la
escultura griega por estos materiales. Sin embargo, en el Renacimiento
raramente se pinta la escultura (al contrario que los griegos), pues se creía que
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éstos tampoco las pintaban. Los escultores del Renacimiento recuperaron la
técnica de la cera perdida para realizar esculturas en bronce de tamaño natural.
Uno de los materiales más originales del Renacimiento Florentino es el barro
vidriado que utiliza Luca della Robbia en sus madonnas. Como ya hemos dicho,
los relieves recuperan la técnica de la gradación del relieve para obtener la
sensación de profundidad.
Soporte: La escultura de bulto redondo se libera de la arquitectura con
mucha frecuencia y se desarrolla la escultura exenta sobre pedestal. Casi
desaparecen las portadas decoradas con estatuas, típicas del Románico o del
gótico Los relieves se sitúan en puertas de bronce, tondi, hornacinas, etc.
Tema: lo que más abunda son los temas religiosos, sin embargo, también
se desarrollan los temas profanos. Así, se da un gran desarrollo del retrato (por
ejemplo el retrato ecuestre de influencia romana), asimismo, se da una gran
importancia al desnudo masculino a menudo muy sensual (como en la Grecia
Clásica).
Elementos formales:
Escultura de bulto redondo: dado que la escultura de bulto redondo imita a
las antiguas esculturas griegas y romanas, sus características formales son muy
cercanas a éstas. Así, hay que hablar de una estricta proporcionalidad basada en
el canon (9-10 cabezas), una ruptura de la frontalidad, tramiento naturalista de
la anatomía, rostro, cabellos y ropajes, etc... Una de las estructuras compositivas
más habituales es el contraposto, también se da una representación naturalista
del movimiento.
Relieve: en este caso los elementos formales combinan las características
de los relieves de la Antigüedad Clásica, con los logros de la pintura: así se da una
gradación del relieve (bajorrelieve, altorrelieve, bulto redondo) para conseguir la
sensación de profundidad, también se utilizan de los principios de la perspectiva
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lineal (sensación reforzada por las arquitecturas). De todos modos, queda al
arbitrio del escultor el llevar a cabo una perspectiva correcta o incorrecta
dependiendo de si sus necesidades son más estéticas o narrativas. Las
composiciones son equilibradas y estructuradas en base a un eje axial.
Valoración estética: la escultura renacentista tiene una clara tendencia al
naturalismo y al realismo idealizado (en este sentido es continuadora del gótico
pero también del Arte Griego Clásico). Responde a principios de belleza ideal
pero objetiva basada en la proporción y el equilibrio (igual que en el Arte Griego
Clásico). Sin embargo, las esculturas renacentistas son a menudo auténticos
retratos que no sólo buscan el parecido físico sino también la profundidad
psicológica y el carácter del representado (algo más propio de la escultura
romana).
Funcionalidad: por un lado, es evidente la función religiosa de muchas
esculturas. Los retratos tienen la función de ensalzar una serie de virtudes cívicas
que se le atribuyen al hombre renacentista: un personaje culto y ambicioso que
reflexiona y actúa, que tiene determinación en la consecución de un objetivo, en
definitiva, un buen gobernante, un gran militar, etc...
Ejemplos:
Hay que recordar que la Escultura del Quattrocento tiene como
precedentes en los siglos XIII y XIV a algunos escultores como Nicola Pisano, que
ya manifestaba un interés por recuperar los caracteres estéticos de la
Antigüedad...
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) inicia la escultura del Quattrocento al ganar
el concurso de 1401 para realizar la puerta sur de bronce del Baptisterio de
Florencia (el tribunal concede la victoria a Ghiberti y Brunelleschi ex-aequo, pero
Brunelleschi se retira al reconocer la superioridad de Ghiberti). Esta victoria le
permite obtener el encargo de realizar una obra más importante: las llamadas
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“Puertas del Paraíso” del Baptisterio de Florencia (1425). Se trata de unas
puertas de bronce fundido en las que representa en paneles cuadrados los
primeros libros del Antiguo Testamento (desde la creación de Adán hasta
Salomón y la Reina de Saba). Estos relieves utilizan el recurso clásico de la
gradación de la profundidad del relieve, combinado con la perspectiva lineal.
Todo ello da una sensación de enorme profundidad. Ghiberti aún utiliza algunos
convencionalismos medievales, cuando quiere que la narración quede más clara
(como la perspectiva abatida, etc.), sin embargo, el tratamiento de las figuras
humanas, su anatomía, volumetría y el movimiento es magistral. En cierto modo,
esta obra recuerda las pinturas de Giotto, por el contraste entre el perfecto
tratamiento de las figuras humanas y el la representación más descuidada del
paisaje que hacía este pintor (esto nos indica el Humanismo que hay detrás de
estas obras).
Donatello (1386-1466): Es el principal escultor del Quattrocento. Realizó
estatuas de bulto redondo como el San Jorge de Ors San Michele (1415-17), el
David de bronce (1430) y la estatua ecuestre del Condotiero Gattamelata de
Padua (1447-53) (que recupera la idea del retrato ecuestre del Emperador Marco
Aurelio). También realizó relieves como la Cantoría de Santa María dei Fiori
(1433-39) (situada enfrente de la de Lucca della Robbia e inspirada en los
sarcófagos romanos) y los de San Antonio de Padua, en los que utiliza los
principios de la perspectiva lineal y la gradación del relieve. Su obra más
reconocida es el David de bronce del Museo del Barguello (Florencia). Esta
imagen del David recupera la idea de la escultura clásica griega o romana, en
este caso para representar un hecho religioso (síntesis entre religión y
paganismo). Sin embargo no es una mera imitación, ciertos aspectos como el
erotismo que desprende la figura y su significación política (David es el símbolo
de la propia Florencia, la pequeña República capaz de derrotar a los gigantes), le
dan un sentido nuevo.
Luca della Robbia fue muy conocido por sus sensuales madonas de barro
vidriado pero una de sus obras más conocidas es la Cantoría de Santa María de
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las Flores de Florencia. En ella representa en escenas muy abigarradas a los niños
y niñas del coro mientras cantan y tocan instrumentos musicales. Las escenas
combinan la gracia y el naturalismo junto a un alto grado de perfección técnica
en la gradación del relieve para simular la profundidad y el cuidado tratamiento
de la superficie del mármol.
Andrea Verrocchio realizó el Condottiero Colleone en Venecia o la Duda de
Santo Tomás de Or San Michele en Florencia.
PINTURA
El Quattrocento es un período en el que se producen enormes avances en
la pintura. Contemporáneamente a la pintura de los Primitivos Flamencos, los
pintores italianos desarrollaron el arte de la pintura convirtiéndola en la reina de
las artes.
Materiales y técnicas: como ocurría en el Trecento, los italianos prefieren la
pintura al fresco, aunque también llevan a cabo la pintura al temple, y el óleo.
Dado que, a veces los frescos son de gran tamaño es imprescindible utilizar la
técnica del estarcido en la técnica del fresco. También, y dada la importancia que
le dan a la representación científica del cuerpo humano y del espacio (la
tridimensionalidad),
es probable que utilizaran maniquíes y maquetas para
añadir distancias y proporciones reales a las escenas que pintaban.
Soporte: la pintura al fresco se realiza sobre los muros de iglesias, palacios,
etc, mientras que el temple se realiza sobre tabla (retablos, trípticos, etc.) y el
óleo sobre caballete.
Temática: En la pintura del Renacimiento también se da un gran
protagonismo a la figura humana (antropocentrismo). Incluso dentro de la
temática religiosa hay que destacar la importancia de las representaciones
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humanas idealizadas, así a Cristo y a la Virgen María se les representa como
seres bellos y virtuosos.
También encontramos temas mitológicos
reinterpretados de manera cristiana y temas alegóricos, especialmente en el
caso de Botticelli. Es también evidente la importancia del Retrato, el tipo de
retrato más genuino del Quattrocento es el busto de perfil (como podemos ver
en el retrato doble que Piero della Francesca hizo a Federico de Montefeltro y su
mujer). También se practican otros tipos de retratos. Otro elemento muy típico
de la temática del Quattrocento es la frecuente confusión entre escenas
religiosas y cortesanas, o la integración de retratos reales como si los personajes
de la época fueran testigos de los acontecimientos religiosos. También se
produce el retrato colectivo privado, e incluso perdura la costumbre de que el
retratado aparezca como donante. El paisaje y el bodegón tienen poca
importancia sobre todo si lo comparamos con la Pintura Flamenca
contemporánea. Como fondo de las escenas suele aparecer la arquitectura
clásica o la ciudad ideal y utópica que los artistas del Renacimiento imaginaban,
pero que rara vez pudieron llevar a la práctica.
Elementos formales:
Dominio del dibujo sobre el color. La figura humana pintada adquiere
caracteres “escultóricos”. El dibujo es muy preciso.
Los colores son apagados, especialmente en los frescos. Hay una utilización
equilibrada y armoniosa de los colores. Se da una preferencia por los colores
primarios utilizados de una manera equilibrada. De este modo, se generan
composiciones basadas en la complementariedad cromática, es decir, en la
contraposición de colores cálidos y fríos.
Uso de la geometría y de la proporción matemática para enfatizar la
“corporeidad” de los objetos y como elemento compositivo.
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Utilización de la perspectiva lineal o geométrica acentuada por la
utilización de arquitecturas o de complejos escorzos. El pintor se suele situar a la
altura de los ojos de los personajes de primer plano. Por ello, el punto de fuga se
sitúa precisamente entre los ojos del personaje que ocupa el centro. En el caso
de que este personaje sea Cristo el punto de fuga simboliza la eternidad, el fin de
todas las cosas. A veces, el pintor se sitúa por debajo de la escena que está
pintando, en este caso la escena queda realzada.
Composiciones muy equilibradas en función de un eje axial (búsqueda del
equilibrio compositivo). Preferencia por el triángulo como figura geométrica
compositiva.
La luz tiene como función acentuar la volumetría de los cuerpos (utilización
evidente del claroscuro). Sin embargo, apenas hay preocupación por las
calidades y los bodegones (al contrario de lo que ocurre entre los flamencos). La
iluminación es difusa y cenital, raramente se utiliza una luz direccional.
Valoración estética: la pintura del Quattrocento pretende dar una visión
“científica” y objetiva de la realidad. Es muy naturalista pero también idealizada,
sobre todo al referirse a la figura humana. También es una pintura que rezuma
ingenuidad. La obsesión por la composición, la perspectiva y la anatomía hace
que algunas pinturas del Quattrocento parezcan estudios de perspectiva y
anatomía, quizá poco flexibles y muy encorsetados. La tradición pictórica italiana
tiende a prescindir de lo anecdótico para centrarse en lo principal (al contrario
que la de los Primitivos Flamencos llena de detalles y elementos anecdóticos)...
Funcionalidad: Muchas pinturas del Quattrocento tienen una función
religiosa, aunque la visión de la religión que se da en ellas es humana y secular.
También hay que destacar el gusto por el retrato que tiene una función privada
pero también pública y política (los retratos de personajes reconocibles en
contextos religiosos o cívicos tienden a ensalzar las virtudes de dichos
personajes, con fines de propaganda política).
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Ejemplos:
Masaccio: Frescos de la Capilla Brancacci sobre la vida de San Pedro
(Florencia), (en ellos destacamos la Expulsión de Adán y Eva, y El Tributo de la
Moneda) (1426-27). El fresco más conocido de la Capilla Brancacci es el Tributo
de la Moneda, en él se cuenta el acontecimiento en el que alguien pregunta a
Cristo sobre si hay que pagar impuestos al César o no. Cristo aparece en el punto
de fuga de la obra, rodeado de sus discípulos (elemento simbólico de la
eternidad y divinidad de Cristo). Hay que destacar la potente volumetría de los
discípulos que rodean a Cristo, lo cual contrasta con la aparente
despreocupación del pintor por el paisaje y las arquitecturas. La Trinidad de
Santa María Novella (1427) es otro fresco ilusionista que parece perforar la
pared del templo y crea un espacio tridimensional simulado. La escena está
realizada con cierta rigidez compositiva (un triángulo marcadamente axial en el
que los colores fríos y cálidos se distribuyen de una manera absolutamente
equilibrada). El punto de vista bajo del pintor tiende a ensalzar la escena del
Calvario y a las figuras de los donantes arrodillados bajo ella. Las irreales
arquitecturas enfatizan la profundidad de una escena, que, por lo demás se sitúa
en primer plano.
Fra Angelico realizó la Anunciación del Museo del Prado. Esta pintura sobre
tabla muestra elementos arcaizantes o medievales similares a los que Giotto
realizaba en el Trecento como la desproporcionada habitación en que se
encuentra la Virgen y el jardín en forma de tapiz que limita la acción al primer
plano. Otro elemento muy “medieval” es la asociación simbólica entre la
Anunciación y el Pecado Original (Adán y Eva). La Virgen, cuya historia aparece
representada en el banco inferior de la tabla, aparece como hilo conductor entre
el Pecado Original y la Redención de la Humanidad por el Nacimiento de Cristo.
Piero della Francesca trabajó para el Duque de Urbino Federico de
Montefeltro y realizó el retrato de éste y de su esposa. Una de sus obras más
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importantes es la Flagelación de Cristo, una misteriosa tabla en la que tres
personajes dialogan en primer plano mientras Cristo es flagelado en segundo
plano en el interior de una logia. La corporeidad de las figuras es rotunda gracias
a un sabio uso del claroscuro. El espacio y la profundidad están tratados de
manera
científica
y
casi
se
puede
reconstruir
tridimensionalmente
(probablemente el pintor trabajó sobre una maqueta). Otro elemento
importante es el uso de la proporción, así aparecen varios rectángulos áureos.
Piero della Francesca utiliza la matemática y la simbología llenando su obra de
significados ocultos.
Sandro Boticelli: pintó en Florencia a fines del siglo XV, manteniendo una
buena relación con Lorenzo el Magnífico. Boticelli mezclaba con habilidad temas
cristianos y paganos rozando la blasfemia (por lo que fue muy criticado por
algunos clérigos). La primavera (1480-81) es uno de esos casos en los que
Botticelli alude al amor sacro y al amor profano utilizando ideas del
Neoplatonismo.
En el Nacimiento de Venus (1485), Botticelli pintó a la amante de Lorenzo
el Magnífico como la diosa que surge de las aguas impulsada por el viento y
haciendo una clara alusión a las esculturas desnudas de la Antigüedad. Esta
mujer fue pintada en otras ocasiones como la Virgen María, de ahí que se
considerara escandaloso para la época.
Otros pintores del Quattrocento fueron el Perugino, Mantenga, Gozzoli, Fra
Filippo Lippi, Girlandaghio, etc.
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