Trabajo Tiziano

HISTORIA DEL ARTE
TIZIANO
Sergio Hidalgo Torres
1R2-B2
Escuela Superior de Diseño de las Islas Baleares
31/01/2013
INDÍCE
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
BIOGRAFIA
CONTEXTO ARTÍSTICO
EVOLUCIÓN TÉCNICA DE TIZIANO
TRAYECTORIA ARTÍSTICA
INFLUENCIAS EN LA HISTORIA DEL ARTE
COMENTARIO DE OBRA: RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V
OPINIÓN PERSONAL
BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA
1.BIOGRAFÍA
Tiziano Vecellio di Gregorio vio la luz en Pieve del Cadore en
los Alpes Vénetos. Tiziano es pues, un montañés que baja a la
ciudad de los canales para aprender su oficio y dar gloria a a la
escuela veneciana. La fecha de nacimiento del pintor es una
cuestión importante para determinar si fue alumno de Giorgione
(nace en 1477) o un compañero de generación (nace en 1490).
Aunque se sabe que murió muy viejo, también es cierto que
exageraba su edad en sus últimos años por motivos a veces de
interés.Por lo tanto la primera teoría es más dudosa, ya que
habría vivido 99 años, y no habría comenzado su obra hasta los
30 años.
Bajó a Venecia con tan solo 10 años y fue enviado, junto a su
hermano Francesco, al taller del mosaísta Sebastiano Zucato; más tarde pasó al de Gentile bellini,
después al de su hermano Giovani, para acabar en el de Giorgione, donde colaboró junto a él la
elaboración de los frescos (perdidos) del Fondaco dei Tedeschi en 1508 y permaneció en su taller
hasta la muerte de Giorgione el 1510.
Tiziano marchó a Padua, donde demostró su talento para la técnica del fresco en sus trabajos en esta
ciudad en 1511, tanto en la iglesia de los carmelitas como en la Escuela de San Antonio.
En 1512 abrió su propio taller, y en 1513 recibió una invitación del papa León X para instalarse en
Roma, pero permaneció en Venecia donde la competencia artística era menos intensa
A partir de1516 se liberó de los cánones aprendidos durante su juventud y abarcó un mayor número
de temas. Fue nombrado pintor del Consejo de Venecia, además gracias a sus retratos se introdujo
en las cortes más prestigiosas siendo buscado por los burgueses adinerados, por la Iglesia y por los
nobles.
En 1530, pudo pintar a Carlos I de España, que se había desplazado a Bolonia con motivo de su
coronación imperial como Carlos V.
Tres años mas tarde pintó por segunda vez al emperador Carlos V en Bolonia, recibiendo esta vez
un pago auténticamente regio e iniciando una de las relaciones más sólidas entre un artista y un
comitente, que duraría más de un cuarto de siglo. El rey nombró a Tiziano "pintor primero" de la
corona de España, "conde del Palacio Lateranense, del Consejo Áulico y del Consistorio", al tiempo
que fue designado caballero de la Espuela de Oro, con espada, cadena y espuela de oro. Sus hijos,
asimismo, fueron elevados a la dignidad de Nobles del Imperio.
Desde octubre de 1545 hasta 1548, en que fue llamado a Aubsburgo, Tiziano se instaló en Roma
bajo el mecenazgo del papa Pablo III, a quien retrató en varias ocasiones
Los honores y el prestigio lo convirtieron en un ''príncipe de la pintura'', el primero de la historia del
arte mucho antes que Rubens. Tiziano no solo superó a todos sus maestros, sino que también superó
las barreras sociales de una manera hasta entonces nunca vista.
Continuó aceptando encargos hasta el fin de sus días, y a fin de asegurar la continuidad del taller
tras su muerte, encomendó a Cornelis Cort la difusión de varias de sus composiciones en grabados.
Tiziano rondaba los noventa años cuando la peste negra asoló Venecia. Murió a consecuencia de la
epidemia el 27 de agosto de 1576.
2.CONTEXTO ARTÍSTICO
No podemos entender el Renacimiento, sin antes comprender el concepto humanista que fue de la
mano de este movimiento.
El humanismo es la manifestación ideológica y literaria del Renacimiento. Los hombres del
Renacimiento trabajaron con mucho entusiasmo en estudiar metódicamente las obras de la
antigüedad, explorando ruinas, exhumando manuscritos y salvando de su destrucción valiosos
documentos. Para ello recibieron la protección de príncipes y Pontífices, que les estimularon en sus
investigaciones.
Así se desarrollo una mentalidad erudita, critica y apasionada por las ciencias y las artes, que se
centro en el hombre y sobrestimo los valores humanos, de ahí el nombre de Humanismo.
La sobrestimación de estos valores y los descubrimientos geográficos y técnicos, crearon el orgullo
y el individualismo del hombre renacentista.
Se conoce al Renacimiento como el movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, y que se
muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad grecorromana. Este
entusiasmo, que considera las culturas clásicas como la realización suprema de un ideal de
perfección, se propone la limitación en todos los ordenes, lo que explica el calificativo de
Renacimiento, pues en verdad, se trataba de un renacer, de un volver a dar vida a los ideales que
habían inspirado aquellos pueblos.
El Renacimiento, desde luego no fue una simple exhumación de las artes antiguas. El interés por el
arte grecorromano fue una consecuencia. En principio, se aspiro a una renovación en todas las
parcelas de la cultura humana, filosofía, ética, moral, ciencia, etc... encaminada a la hechura de un
hombre que fuera comprendido y resumen de todas las perfecciones físicas e intelectuales. El
hombre integral, el genio múltiple, en el que se concilian todas las ramas del saber en una actitud
fecunda, fue la gran creación del Renacimiento que cristalizo en figuras que mantienen viva la
admiración a través de los tiempos, como un Leonardo da Vinci, un Miguel Angel, un Rafael.
El siglo XVI, señala el apogeo de la pintura renacentista italiana y constituye una de las épocas más
brillantes del arte universal. No podía ser de otra manera con la coincidencia en el tiempo y en el
espacio de maestros de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Angel, i Rafael . Sin embargo, no
podemos olvidar la concepción artística de la Escuela Veneciana:
Nos situamos ante el desarrollo artístico de Venecia, una de las ciudades más prósperas de la época.
Gozaba de un enclave comercial estratégico, con una supremacía absoluta en los intercambios
comerciales entre Oriente y Occidente, y con una burguesía adinerada que jugó un papel muy
importante en cuanto a la producción artística de la ciudad de los canales.
Solamente Venecia mantuvo un estilo original. Hasta cierto punto esta ciudad permaneció al margen
de la creación artística de los grandes maestros romanos.
Primero, el abandonando paulatino de la tabla como soporte para pintar , y su sustitución por el
lienzo, encontrándonos desde mediados de siglo XV con el óleo aplicado sobre el lienzo ya
prácticamente generalizado.
Segundo, la búsqueda del espacio tridimensional en el cuadro mediante la perspectiva lineal en el
siglo XV, que se ira sustituyendo por la perspectiva aérea a lo largo del XVI.
Por ultimo, la característica más destacada de los pintores del renacimiento veneciano es, sin duda,
la importancia que dan al color, que suele aplicarse con pincelada gruesa y pastosa y
preferentemente con tonos luminosos, muy cálidos, acordes con la peculiar luz de la ciudad, “ luz
veneciana”.
3.EVOLUCIÓN TÉCNICA DE TIZIANO
En cuanto a la técnica de Tiziano podemos decir que, a diferencia de Giorgione, no se preocupó de
la concepción espacial, ni de los efectos causados por una atmosfera de misterio y produndo
significado. Aunque si utilizó su mismo lenguaje expresivo e incluso despues de la muerte de
Giorgione terminó las obras que el difunto pintor tenia empezadas.
En sus comienzos podemos observar en algunas de sus obras
como ejecuta sus obras con un dibujo más cuidado. Las
líneas están mejor trazadas y el dibujo es puro y sobrio,
dando mayor importancia a las figuras. El pintor realizaba ya
desde un principio bocetos o dibujos preparatorios de manera
poco frecuente. Un ejemplo de ello es ''Noli me
tangere''(National Gallery de Londres) situada a la izquierda.
A pesar de ello Tiziano se aferró a la exaltación del color y
fue desarrollando una técnica própia en la que aplicaba los
colores en estado pastoso uno a lo largo del otro y luego los
iba tratando progresivamente hasta formar una capa más
delgada, donde la materia pictórica aparece con grumos no
alisados, anticipando algo que se verá en Velázquez y en
Rembrandt, además de considerarse una clara influencia para
los impresionistas.
En obras como su ''autorretrato'', la ''coronación de espinas'' el efecto que se produce es
precisamente la indefinición de contornos, ya que no se puede identificar ninguna línea que se
pueda interpretar como una delimitación precisa de las formas. Y lo que Leonardo había
conseguido en su ''Gioconda'' mediante la técnica del sfumato, Tiziano lo realiza mediante la
ligereza de transiciones cromáticas, que hacen resplandecer la luz y el color por igual y
simultáneamente. Además experimentó con infinidad de mezclas y tintes, elaboró nuevos
pigmentos y llegó a ser un verdadero maestro del color, incluso hoy en día se conocen matices
distinguidos con el adjetivo Tiziano, como por ejemplo el Azul Tiziano.
4.TRAYECTORIA ARTÍSTICA
Después del belliniano pero elegante San Pedro con el donante (Amberes, Musée Royal des BeauxArts), cuya ejecución se remonta probablemente a 1503, el primer trabajo fechado pertenece a 1511
y está constituido por tres frescos de los Milagros de san Andrés (Padua, Scuola del Santo). Estas
obras revelan ya unas figuras de movimientos libres seguros e insertas en una armósfera fresca y
airosa.
Más significativo es el grupo de telas estilisticamente muy próximas a Giorgione. Éstas comprenden
el llamado retrato de Ariosto (Londres, National Gallery), la Gitanilla (Viena, Kunsthistorisches
Museum), el Retablo de San Marcos (Venecia, Santa Maria della Salute), la Salomé (Roma, Galleria
Doria Pamphili), la Muchacha en el baño (París, Louvre), el Concierto (Floréncia, Palazzo Pitti) y
otros retratos y Vírgenes. El artista, aun sirviéndose plenamente de la innovación técnica de
Giorgione que consiste en lograr la unidad espacial a través del color, en vez de obtener pequeñas
figuras difuminadas, produce formas enérgicas y fuertes que todavía aparecen perfectamente
situadas en el espacio creado por la luz. En torno a 1515-20 esta primera fase culmina con obras
grandiosas, como las famosas Tres edades del Hombre (Edimburgo, National Gallery). Amor sacro
y Amor profano (Roma, Galleria Borghese) y el gran Retablo de la Asunción (1516-18; Venecia,
iglesia dei Frari). En este último trabajo el estudio del movimiento muscular recuerda claramente a
Miguel Angel
Amor Sacro y Amor profano
En 1516 Tiziano había empezado a trabajar para el duque de Ferrara, ejecutando para éste aquellas
pinturas mitológicas que a menudo se consideran su género más connatural. El mito aparece como
el medio más adecuado para la realización de estas pinturas sensuales, a veces eróticas, en las que
las figuras se mueven con lentitud en una atmósfera cálida y luminosa.
El primer grupo comprende la Fiesta de Venus y la Bacanal (Madrid, Prado), seguida del gran Baco
y Ariadna ( 1523; Londres, National Gallery). Otras obras religiosas importantes de la éòca son el
Retablo de Ancona, en el que Mária contempla, a través de las nubes, vigorosas figuras de santos; el
fresco de San Cristóbal (Venecia, Palazzo Ducale); la Sepultura, admirable juego de claroscuro
(París, Louvre); y finalmente la perdida Muerte de san Pedro Mártit (1528)
La producción de 1530-40 está dominada por colores llenos de luminosidad en escenas con menor
movimiento. Cabe recordar La Bella (Floréncia, Palazzo Pitti), la famosa Venus de Urbino y la gran
y procesional Presentación de la Virgen en el Templo (1534-38; Venecia, Gallerie dell' Accademia).
La delicada Anunciación (Venecia, Scuola di San Rocco), la episódixca Venus del Prado (París,
Louvre), el gran Ecce Homo (1543; Viena, Kunsthistorisches Museum) y la Coronación de espinas
con un original desarrollo compositivo en espiral (París, Louvre), constituyen un anuncio de las
escenas de Caín y Abel, Abraham e Isaac, David y Goliat del techo de Santa Maria della Salute,
cuya virtuosa tensión ha hecho que, con razón, esta obra fuese descrita como manierista.
Por primera vez, sin embargo, como ocurrirá con muchos
artistas posteriores, los retratos adquieren una sencillez casi
banal, como por ejemplo el Francisco I (París , Louvre), el
Inglés (Floréncia, Palazzo Pitti), al estilo de Giorgione, y la
llamada Caterina Conaro (Floréncia, Uffizi), mientras que el
insólito Pablo III y sus sobrinos (1545; Nápoles, Capodimonte)
recupera la involuntaria movilidad de este período suyo. De esta
movilidad la primera Danae (Nápoles, Capodimonte)
representa una variante sensual en la composición caprichosa y
la superficie ricamente adornada. Otras novedades estilísticas se
pueden apreciar en el gran retrato de Carlos Quinto en
Mühlberg (Madrid, Prado); en un retrato de Carlos sentado en
una poltrona con un fondo paisajista (1548; Munich, Alte
Pinakothek), en el Felipe II con armadura (1550; Madrid,
Prado) y en la vivaz Familia Vendramin arrodillada (Londres,
National Gallery). El estilo de los años 1550-60 aparece más
completo que en las obras del Prado.
Felipe II con armadura
A la composición libre y enérgica de las figuras excepcionalmente móviles, se une ahora una
pincelada fuerte y densa de color, inesperadamente móviles, se une ahora una pincelada fuerte y
densa de color, inesperadamente reducido y vibrante. Son representativos de ello, el Sísifo y Ticio,
con su mórbido manierismo, la Santa Margarita, como una flecha en la luz crepuscular, la segunda
Danae, que resplandece envuelta en rayos dorados, y la Gloria de la Trinidad, con las figuras
suspendidas en el aire. Otras obras maestras de esta fase serían en el nocturno Martirio de san
Lorenzo (Venecia, iglesia dei Gesuiti) Perseo y Andrómeda (Londres, Wallace Collection) y el
Rapto de Europa (Boston, Gardner Museum).
Danae
Las obras religiosas presentan colores grises y una superficie más plana, particularmente el
Pentecostés(Santa Maria della Salute), la Transfiguración y la Anunciación (ambas en Venecia, San
Salvatore), mientras que la elegancia cromática reaparece en toda su intensidad a partir de 1560 en
la Adoración de los Magos (Madrid, Prado), en la Educación para el amor (Roma, Galleria
Borghese) y el segundo Martirio de san Lorenzo (El Escorial), obra muy impregnada de un
excepcional dramatismo estilisticamente revolucionario. La tendencia anterior originaba obras
populares de figuras ampulosas y sencillas, plasmadas
en posturas normales, mientras que ahora una superficie
de colores abigarrados infunde vida al San Sebastián
(Leningrado, Ermitage) o Adán y Eva del Prado, y la
segunda Coronación de espinas (Munich, Alte
Pinakothek), animada por manchas de color reluciente.
La Alegoría de la batalla de Lepanto (Madrid, Prado) es
un símbolo estilístico de la desproporción no resuelta en
las partes, mientras que los elementos de España
ayudando a la Religión (Madrid, Prado) aparecen
libremente fundidos entre sí. Las fases artísticas no se
agotan aquí: reunidas en un filón único llevarán hasta la
técnica del ''no acabado'' que, a través de Rubens,
llegará a las generaciones futuras.
Alegoría a la batalla de Lepanto
5.INFLUENCIAS EN LA HISTORIA DEL ARTE.
Tiziano influyó en bastantes artistas posteriores, como por ejemplo en Rubens y Velázquez, ya que
las temáticas que abarcó el pintor veneciano eran de gran variedad. Un ejemplo de ello son las
venus, la Venus del espejo, (obra que comparten los tres artistas siendo las de Tiziano y Rubens
difíciles de diferenciar, mientras que la de Velázquez solo mantiene la misma temática.
Tiziano
Rubens
Velázquez
Podemos relacionar también la Venus de Urbino de Tiziano, con la Venus dormida de Giorgione,
siendo en esta ocasión dos pintores contemporáneos.
Entre estas dos venus de Giorgione y Tiziano podemos percibir con mayor rapidez las coincidencias
que las diferencias entre ambas, independientemente de que el reposado e intacto paisaje de
Giorgione se ha convertido en un aposento íntimo en la obra de Tiziano.
La postura yacente coincide en ambas figuras juveniles: la pierna izquierda reposa sobre la derecha
doblada hacia atrás, el brazo del mismo lado sigue el contorno del cuerpo formando un arco suave,
también en el fondo más oscuro que enmarca la cabeza como protegiéndola; y , finalmente,
encontramos al fondo a la derecha algo que se corresponde entre ambas pinturas, es imperceptible y
sólo se hace notorio cuando miramos por segunda vez: Giorgione ha colocado en su paisaje un árbol
de mayor tamaño, a la izquierda del mismo otro más pequeño y, entre ambos, ligeramente
desplazado hacia delante un tocón.
Venus de Urbino
Tiziano.
Florencia. Galería de los Uffizi.
Tiziano repite en su pintura esta idea compositiva, pero sustituye esos elementos -desplazándolos
algo más a la derecha- por una mujer en pie, una muchacha arrodillada y un perrito acostado . Pero
las diferencias le dan a un mismo motivo el aspecto de ser un tema diferente.
La Venus de Urbino tiene la mirada puesta en el observador, no se apoya directamente en el gran
edredón sino en un cojín más cómodo, tiene el cabello suelto y con el subraya la sensual mirada de
sus ojos. De esta manera queda remarcada la sensualidad de la Venus de Urbino de Tiziano.
Mientras que la Venus dormida de Giorgione, que ha sido concebida casi como una luna nueva
flotando den el espacio, ha de interpretarse alegóricamente y parece como inalcanzable.
Venus Dormida
Giorgione.
Gemäldegalerie,Dresde
Un año después de la muerte de Tiziano, nacía Pedro Pablo Rubens, pintor flamenco del barroco
que en su estilo enfatizaba el movimiento, el color, y la sensualidad. Tiziano Vecellio fue una de las
fuentes inspiradoras más importantes que, a lo largo de toda su vida, dibujó y copió buena parte de
las obras del maestro italiano.
Podemos poner como ejemplo, a las dos versiones de Adán y Eva, Dos obras que ocasiones, se han
expuesto juntas.
Igualmente posee la copia de Rubens de El rapto de Europa y dos obras capitales de Tiziano,
procedentes de la colección de Felipe IV, que fueron copiadas por Rubens en uno de sus viajes a
Roma: ''La bacanal de los andrios'' y ''Ofrenda a Venus''.
Tiziano (las de la izquierda)
Rubens (las de la derecha)
Más que ante copias nos encontramos ante versiones de obras maestras de un genio del
renacimiento realizadas por otro genio del barroco.
6.COMENTARIO DE OBRA: RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V
El Retrato ecuestre de Carlos V, ejecutado por Tiziano en 1548, por encargo de la Reina María de
Hungría, hermana del emperador, es uno de los más célebres de la historia y el único retrato a
caballo pintado por el artista. El emperador escogió a su pintor favorito para que perpetuara con su
arte el gran triunfo conseguido sobre los protestantes. Tiziano, con la negación de venir a España,
pintó al monarca en Augsburgo, en conmemoración de su victoria sobre la Liga de Smalkalda,
acaecida en Mühlberg, el 24 de abril de 1547. Precisamente, el pintor veneciano lo retrata
momentos antes de la victoria, cuando Carlos V detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los
protestantes se han hecho fuertes. Después de un momento de reflexión, reflejado en e rostro
envejecido del monarca, éste decide atravesar el río y vencer.
Tiziano usa la técnica colorista propia de la pintura veneciana.
Esto se aprecia en la armadura (que se conserva en el Museo de la Armería del Real Palacio de
Madrid), en la que los brillos metálicos y las sombras están dados con total precisión, incluso con
gran detalle, como se ve cuando nos detenemos en esa zona del cuadro, o en el arnés del caballo.
Pero sobre todo se nota en la iluminación y sentido atmosférico del paisaje en el que ha situado al
personaje. Un paisaje que está iluminado por las luces del crepúsculo, con lo que se crea un
ambiente de serenidad y silencio.
En la parte derecha se observan las brumas, una pequeña construcción y las ciénagas y estanques
que hoy día se siguen dando en la ribera del Elba, donde se libró la batalla.
El sabio manejo del color se constata claramente en el uso del rojo, en sus distintas gamas, en la
banda de general y en el penacho que remata el morrión de triple cresta del emperador, en el
penacho que adorna la cabeza del caballo y en los reflejos dorados de la gualdrapa del caballo.La
calidad del cromatismo se sigue observando en los colores castaños de los árboles y en los
magníficos celajes grises y anaranjados de las nubes del fondo.
Tiziano, que en este momento tiene 70 años, está dando los primeros pasos de lo que será su última
etapa en la que hay una acentuación mayor de los valores pictóricos y cromáticos.
La ausencia de expresión en el rostro de Carlos nos remite a su idea de un emperador estoico y a la
imagen propagandística que en ese momento interesaba desarrollar, que no era otra que la de un
personaje pacífico. Sin embargo, el uso del morrión de triple cresta, la lanza corta de combate, la
pistola de arzón y la ya mencionada media armadura, proporcionan un tono «real» a la pintura,
prodigiosa construcción, por tanto, de una imagen a la vez que mitificadora y simbólica, directa y
realista.el emperador lucha por una Europa cristiana que ha sido rota por la reforma protestante de
Lutero.
Esta imagen se relaciona con el retrato ecuestre del emperador romano Marco Aurelio,única obra
conservada de la antigüedad clásica y modelo indudable de Tiziano.
Carlos V pretendía fundamentar no solo su poder político, sino incluso el de la dinastía de los
habsburgos. El emperador es representado no como un campeón del catolicismo o un arrogante
vencedor de sus propios súbditos, sino como un reconciliador capaz de gobernar un heterogéneo
conjunto de estados y religiones. Debido a todo ello, el cuadro presenta al emperador como figura
aislada y no hay ninguna alusión directa a la batalla.
La creación de este prototipo de retrato ecuestre abre el camino, por su influencia, a los retratos
ecuestres del barroco (Rubens, Velázquez) o de Goya.
A pesar que el cuadro sufrió el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, por fortuna pudo
restaurarse, pasando en el siglo xix, con el resto de la colección real española, al Museo del Prado.
Es en esta institución donde sigue albergado este óleo sobre lienzo, de 332 x 279 cm de altura.
7.OPINIÓN PERSONAL
Desde mi punto de vista, Tiziano es uno de los grandes pintores del Renacimiento y de la historia
del arte en general ya que supo utilizar los colores de la ciudad de los canales de manera muy
personal y expresiva aportando una amplia variedad de sensaciones al espectador, rompió las reglas
establecidas de la linea sobre el color sin llegar a ser considerado como maniersita, y lo más
importante: supo desarrollar un estilo propio e innovador que influyó en generaciones posteriores
durante años, incluso a los impresionistas que se inspiraron en el efecto causado por sus ágiles y
alegres colores y en la manera directa de aplicar pigmento buscando la forma y dejando al dibujo en
un segundo plano y sin contornos aparentes.
Por lo tanto, he aprendido bastantes cosas de este maestro del color, no solo por su obra, sino por su
manera de romper las barreras entre las clases sociales de la época abriéndose paso entre la
burguesía y los nobles trabajando el retrato como nadie antes lo había hecho.
Y es digno de admiración que haya sido seguido e incluso imitado por autores de tanto nombre
como Rubens y Velazquez como he dicho en el apartado de influencias.
Así pues, Tiziano Vecellio es para mí un pintor completísimo que ha aportado mucho al mundo de
la pintura y seria un error no nombrarlo junto a los maestros del Renacimiento como Miguel Angel,
Rafel, Leonardo Da Vinci, y Donatello.
8.BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.
Bibliografía:
VV.AA. ENCICLOPEDIA DEL ARTE (8 TOMOS)
2002, EDICIONES RUEDA J.M, S.A
I.S.B.N. 84-8447-136-5
Juan José junquera, Jose Luis Morales y Maran.HISTORIA UNIVERSAL DE LA PINTURA
1996, EDITORIAL ESPASA
I.S.B.N. 84-239-8068-5 Obra completa
I.S.B.N. 84-239-8071-5 Tomo 3
Michael Baxandall. PINTURA Y VIDA COTIDIANA EN EL RENACIMIENTO (4ª ED.)
2000, GUSTAVO GILI
I.S.B.N. 9788425218231
Webgrafía:
http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/rubens-copista-de-tiziano/
http://www.historiadelarte.us/renacimiento/cinquecento/retrato-de-carlos-v.html
http://arteaula23.blogspot.com.es/2011/03/la-pintura-veneciana.html
http://contemplalaobra.blogspot.com.es/2011/10/carlos-v-en-muhlberg.html