La pintura veneciana

I.E.S. Valle del Ambroz,
Historia del Arte, 2º de Bachillerato
Manuel Torres Zapata
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LA PINTURA VENECIANA.
Ya desde una época muy temprana
Venecia empezó a desarrollar un estilo
completamente personal, diferente a la
del resto de focos y escuelas regionales
italianas, desde el Quattrocento
advertimos una clara tendencia a dar una
mayor relevancia al color y al tratamiento
de la luz. Venecia a lo largo del siglo XVI se convierte en un de los principales centro
económicos mundial, la poderosísima flota del Dux comerciaba por todo el
Mediterráneo y a los canales llegaban productos de todo el mundo. Además frente al
resto de ciudades italianas que o bien cayeron bajo la influencia de potencias extranjeras
como España o Francia, o bien se fueron debilitando por las continuas divisiones
internas, Venecia no sólo se mantuvo independiente, sino que también se convirtió en
una de las principales potencias marítimas , como demuestra el hecho de que se aliara
con España y el Papado para eliminar a los turcos en la batalla de Lepanto.
Culturalmente Venecia fue en ese momento uno de los centros más importantes
de Europa, ya que allí estaban los principales impresores, como Aldo Manucio, a
quienes acudían escritores de todo el continente para que les editaras sus obras, lo cual
generó un movimiento intelectual en Venecia semejante al que había habido en
Florencia en el siglo anterior y mucho más libre de la tutela papal.
La enorme prosperidad económica de la serenísima república hizo que gran parte
de ese dinero se pudiera emplear en costosas obras de arte, especialmente pinturas para
adornar los palacios de la nobleza y de la burguesía, o las iglesias.
Esta escuela veneciana se caracteriza sobre todo por un uso magistral de la luz y
del color, en los cuadros no es el dibujo preciso el que crea la composición, sino que son
las propias manchas de color, que además se combinan con una iluminación de suaves
matices dorados, que llegará a fascinar a los impresionistas en el siglo XIX. Los colores
son brillantes, abundando los rojos, azules...
En el ambiente lujoso de Venecia la pintura se ve influida por ese gusto por lo
exótico y las escenas tienden a desarrollarse en ambientes lejanos, lujosos que hablan de
la cantidad de personajes procedentes de tierras lejanas que llegaban a Venecia. Es un
arte sensual, en el que son muy frecuentes los desnudos femeninos, camuflados en
fábulas mitológicas, en los que las venus, ninfas... tienen delicados tonos sonrosados y
nacarados y aparecen indolentemente reclinadas en lechos suntuosos.
Los pintores gustan de detenerse en los detalles anecdóticos de los objetos, en
los brillos de la luz sobre los metales, en las calidades de las diferentes telas, en recrear
unos paisajes fantasiosos, con una luz muy contrastada, casi tormentosa.
Técnicamente se perfecciona la técnica del óleo, que posibilita ese tipo de luz y
de colorido que hemos descrito anteriormente, sustituyéndose paulatinamente el soporte
en tabla por el lienzo, mucho más manejable y fácil de preparar. Se profundiza en la
perspectiva aérea, aunque no se abandona del todo la perspectiva lineal, incluso algunos
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de los pintores de la escuela le dan un nuevo empuje realizando enormes escenografías
de aire teatral.
Como autores más destacados de esta escuela podemos citar a Giorgione
(1477-1510), tuvo ya un éxito muy considerable en vida, se formó en el taller de
Bellini, de quien tomó la claridad en los colores y la introducción de nuevas
tonalidades, a lo que unió el estilo clasicista de Leonardo y Rafael. Aun mantiene
muchas de los aspectos propios del clasicismo romano, pero en su obra se dan
importantes novedades, como la utilización de una luz cristalina, radiante, que parece
salir de las propias figuras y que en algunas ocasiones
crea fuertes contrastes como si se tratase de la luz
propia de una tormenta. Su técnica es mucho más
suelta, más espontánea, superando el excesivo
preciosismo anterior .
Su obra más conocida es La Tempestad, una obra de la
que se sabe más bien poco, permaneciendo el tema sin
aclarar completamente, en un principio se pensaba
que se trataba del descanso en el huida a Egipto, pero
el tratamiento de la mujer como del hombre no
parecen apoyar esa interpretación; más bien parece
tratarse de un tema tomado de la mitología, o
simplemente una alegoría de la Arcadía, una
pastoral.... Pero lo realmente importante del cuadro es
el cambio que hay respecto al paisaje y la luz, hasta
ahora el paisaje era simplemente un elemento
secundario que ayudaba a aumentar la idea de
realidad, en cambio aquí es ya el protagonista absoluto, encargo de crear una atmósfera
opresiva, tempestuosa. El juego de luces y de sombras, el tratamiento del color, la
precisión del sfumato heredado de Leonardo. Otros cuadros de Giorgione son el
Concierto campestre, en donde de nuevo nos encontramos con ese tratamiento
sugerente del paisaje y con una concepción completamente sensual del desnudo
femenino, que servia en el siglo XIX a Manet de inspiración para su Desayuno sobre la
hierba. Para algunos historiadores este cuadros sería completado por sus discípulo
Tiziano; la sensualidad y el sentido musical se dan cita aquí; la magia del color crea
unas combinaciones enormemente armoniosas y poéticas; representa un momento en el
que la escena se ha detenido, con múltiples alusiones al mundo pastoral e idílico tan
importante en el renacimiento. Este tema del desnudo femenino será desarrollado aun
más en Venus dormida.
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Tiziano (1487-1576) fue discípulo de
Giorgione y alguna de sus primeras obras son tan
semejantes a las de sus maestro que han causado
problema de atribución. Tiziano tuvo una vida
muy dilatada y practicante siempre se mantuvo
productivo, por lo que su estilo evoluciona
enormemente, siendo sus obras más tardías
propias más del manierismo o de un barroco
temprano.
Fue un gran
retratista y se
convirtió en
el pintor favorito de Carlos V, que le encargó
numerosísimas obras, como el retrato ecuestre de
Carlos V en Mülberg, los distintos retratos de Carlos
V e Isabel de Portugal o los de Felipe II.
El retrato de Carlos V en Mühlberg conmemora la
victoria del emperador sobre los protestantes, pero
se aparta del modelo tradicional en el que el
vencedor aparece retratado rodeado de los
derrotados y de los símbolos de su poder, aquí es
Carlos V es representado como el modelo de
caballero cristiano, ya que además esta había sido
una de las obsesiones del emperador; el paisaje destaca por su tratamiento magistral con
unas luces que pueden recordar a los incendios de la batalla o las luces del atardecer
sobre el imperio a pesar de su victoria. En estos retratos es el creador del llamado
retrato de aparato, en el que el retratado
aparece representado rodeado de todos
aquellos objetos que simbolizan todo su
poder y sus máxima dignidad, y que tenían
una claro intencionalidad de representación
política de la monarquía autoritaria.
Ta m b i é n c u l t i v o l o s t e m a s
mitológicos, especialmente los desnudos
femeninos, como en Danae y la lluvia de oro,
esta fue una pintura que permaneció durante
mucho tiempo oculta en el gabinete privado del rey, ya que se consideraba como un
tema demasiado libertino para la moral católica de la España de los Austria, contrasta la
delicadeza y belleza con la que trata el cuerpo de Dánae con el de la criada que con una
actitud avara intenta recoger la mayor cantidad posible del oro en el que se ha
convertido Zeus. Este tema de la mujer desnuda vuelve a ser tratado en la Venus de
Urbino, aunque aquí con una mayor carga sensual, ya que la mirada de la diosa se dirige
sugerentemente al espectador, las tonalidades doradas, los cortinajes y las texturas
aterciopeladas de los paños aumentan la carga erótica del cuadro. Las últimas obras de
Tiziano delatan la evolución que sufre su estilo los colores se vuelven más grisáceos, las
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tonalidades se hacen más frías y al mismo tiempo las composiciones se complican, y los
temas religiosos son cada vez más numerosos, como podemos percibir en la Piedad de
la Academia de Venecia.
Veronés (1528-1588) es el pintor de
las grandes arquitecturas inspiradas en los
edificios del manierismo, ambientes llenos de
exotismo, el colorido de los ricos ropajes y la
joyas de los personajes, crean unos cuadros
que transmiten la sensación de un mundo
lleno de sensaciones placenteras y alegres.
Técnicamente son las arquitecturas las que
crean la profundidad y el efecto de tercera
dimensión. Entre sus obras podemos destacar
las Bodas de Caná, en donde simplemente
utiliza el relato evangélico para poder
construir una grandiosa composición llena de personajes y elementos lujosos, en toda la
composición en principio caótica el espacio central lo ocupa la figura de Cristo, con una
actitud distante y alejado del ambiente que le rodea.
El pintor que
cierra el círculo de la
pintura veneciana
renacentista es
Tintoretto (1518-1594)
posiblemente fue
discípulo de Tiziano,
mucho más manierista
en las posiciones y los
escorzos de los personajes, pero también en la composición y la utilización de unas
tonalidades más frías, anunciando su proximidad al Barroco, una de sus obras más
interesantes es El lavatorio de los pies, toda la escena se desarrolla en un marco
arquitectónico grandioso, coloca las figuras agrupadas en distintas escenas para
aumentar la profundidad del cuadro, utilizando otros recursos como la mesa colocada en
escorzo.