Entre el surrealismo y el cubismo: Dalí y Picasso Clave del Proyecto: CIN2016A40164 Colegio Alemán Alexander von Humboldt campus Xochimilco Integrantes: Sofía Parra Montaño Andrea Márquez Ruiz Paola Orihuela Horacio Rodas Asesoras: Susana Ochoterena y Sofía Gutiérrez Área: Humanidades y de las artes Disciplina: Arte Tipo de investigación: Documental Modalidad: Ponencia México D.F Febrero de 2016 1 Resumen El trabajo consiste en la comparación de dos retratos, uno del cubismo, pintado por Pablo Picasso llamado “La mujer que llora” y el otro del surrealismo, pintado por Salvador Dalí llamado “Autorretrato blando con bacon frito”. En este trabajo se pretende explicar la diferencia entre ambas manifestaciones artísticas vanguardistas, ya que pueden ser confundidas por la gente, para esto se explica brevemente las características de cada una y el contexto histórico y social así como datos que pudieron haber influido en la creación de ambas obras. Para lograrlo, se explica también la vanguardia intermedia, el dadaísmo, que dio a pie al surrealismo, caracterizado por la burla y la falta de valor utilizando el sarcasmo, además de que estaba en contra del cubismo entre otras vanguardias. En el caso del cubismo se intenta demostrar los sentimientos y pensamientos sin la necesidad de usar una perspectiva y color real, usando figuras geométricas, teniendo como finalidad que cada persona lo interprete a su gusto, en este estilo los detalles son suprimidos, y algunas veces representan el objeto como un solo aspecto. En cuanto a surrealismo se intenta llegar al subconsciente como lo son los sueños y los más profundos pensamientos usando una técnica muy delicada, aparentando que lo pintado es real aunque la perspectiva es distorsionada. Para poder comprender el porqué están vanguardias llegan a ser confundidas se realiza un análisis pictórico contrastando sus diferencias y similitudes. Palabras clave: vanguardias, pintura, expresiones artísticas, cubismo, dadaísmo, surrealismo, comparación, similitudes y diferencias Summary The work consists in the comparison of two portraits, one of the cubism, painted by Pablo Picasso “The woman who cries” and other of the surrealism painted by Salvador Dalí called “soft Self-portrait with fried bacon”. This work tries to explain the differences between both avant-gardes, and why they can be confused by the people, for this there are explained briefly the characteristics of each, the historical and social context, as well as information that could have influenced the creation of both works. 2 For this there is explained also the intermediate avant-garde, the dadaism, which gave on foot to the surrealism characterized by the mockery and the absence of value using the sarcasm, in addition to which it was against of the cubism between other avantgardes. In case of the cubism one tries to demonstrate the feelings and thoughts without the need to use a perspective and real color, using geometric figures, taking as a purpose that every person interprets it to its taste, in this style the details are suppressed, and sometimes they represent the object as only one aspect. As for surrealism it tries to go over to the subconscious as there it are the sleep and the deepest thoughts using a very delicate skill, feigning that the identical thing is real although the perspective is distorted. To understand why these vanguards are confused, a pictorial analysis is performed by comparing the differences and similarities Keywords: avant-garde, painting, artistic expressions, Cubism, Dadaism, Surrealism, comparison, similarities and differences. 3 Introducción Planteamiento del problema La historia humana, se encuentra considerablemente relacionada con el arte, las expresiones y manifestaciones artísticas permiten observar los pensamientos, sentimientos, ideales, acciones que las sociedades han experimentado a través del tiempo. El arte es una de las características universales de la cultura humana, a través de la pintura, escultura, danza, literatura, música, los seres humanos plasman sus percepciones, angustias, deseos, miedos, creencias, interactúan con su sociedad en un tiempo y espacio determinado. En el caso de la pintura, el siglo XX dio nacimiento a múltiples y diversos estilos artísticos: las vanguardias, estas manifestaciones artísticas se caracterizaron por la multiplicidad, la innovación, el atrevimiento artístico que rompe con todo patrón previamente establecido. El contexto histórico en el que surgieron fue de turbulencia, guerra, incertidumbre y vertiginosos cambios como las dos guerras mundiales, el avance científico-técnico, los movimientos sociales en defensa de las libertades individuales, entre otros. Este panorama enriqueció el desarrollo cultural y permitió diversas expresiones artísticas como el cubismo, dadaísmo y surrealismo. En muchas ocasiones éstas expresiones son confundidas entre sí y poco valoradas en su riqueza de significados. Por ello en este trabajo nos interesa profundizar sobre su riqueza y simbolismo, pues como seres humanos sensibles nos interesa comprender lo que los autores de estos estilos quisieron plasmar en sus obras. Hipótesis Las vanguardias son un estilo artístico del siglo XX en la cual hay diferentes manifestaciones como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo. Mucha gente las llega a confundir por ser parte de las vanguardias, sin profundizar en sus significados. 4 El dadaísmo es una vanguardia intermedia que rompe con la línea del cubismo dando pie al surrealismo. Objetivo general Analizar las diferencias entre los corrientes artísticas cubistas y surrealistas en el arte pictórico, con el fin de llegar a conclusiones que develen las diversas razones por las cuales en la mayoría de los casos el arte surrealista es confundido con el cubista y viceversa, entre el público en general. Objetivos específicos Investigar información especializada sobre las vanguardias, sus representantes y sus significados Comprender las razones que llevaron a los artistas de cada estilo a plasmar su arte privilegiando la técnica, el color, el sentido, las emociones, etc. Contrastar dos obras pictóricas, emblemáticas del cubismo y surrealismo para identificar sus semejanzas y diferencias Justificación y sustento teórico Para nosotros resulta muy importante conocer los estilos artísticos modernos, comprender las razones que llevaron a los artistas a plasmar sus obras, pues consideramos que profundizar en el conocimiento sobre las diversas expresiones artísticas no sólo brinda un amplio bagaje cultural, sino que también permite sensibilizar a las personas y apreciar de una mejor manera el entorno, conocer el contexto histórico de una obra motiva su apreciación artística. El sustento teórico de nuestro trabajo está basado en un ejercicio hermenéutico fundamentado en fuentes documentales de expertos en historia del arte, también contamos con la asesoría de nuestra profesora de arte quien nos ha enseñado técnicas para interpretar una obra pictórica. 5 Metodología 1. Al inicio de nuestra investigación, buscamos información documental en la biblioteca del Colegio Alemán Alexander von Humboldt, Campus Xochimilco, consultamos libros sobre historia del arte de Picasso y Salvador Dalí, para informarnos sobre el tema y tener un conocimiento más profundo. Después de habernos informado en la biblioteca fuimos con Andrea Kettenmann, historiadora del arte, quien nos explicó y mostro revistas de arte con diferentes tipos de cubismo y surrealismo para que pudiéramos ver las diferencias en sus estilos. 2. Posteriormente investigamos en libros digitales en la web, detalles de las diferentes corrientes artísticas. Con la información recaudada analizamos y empezar a desarrollar con mayor profundidad la investigación, por ejemplo, los simbolismos y las semejanzas y diferencias de las pinturas, logrando así el objetivo de nuestra investigación. Fundamentación teórica En este capítulo se expondrán las biografías de Salvador Dalí y Picasso con sus respectivos movimientos culturales y el dadaísmo, con el fin de comprender el contexto social y cultural en el que vivieron los autores y que les permitió expresar su arte. I. Vanguardias Artísticas En las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX, en varios países con un alto grado de industrialización se presenció una tendencia a querer romper con esquemas del pasado, mirando hacia el futuro. Fueron años en los que sectores por separado buscaban abrir un camino hacia el futuro, pero al mismo tiempo otros buscaban guardar respeto hacia los métodos clásicos y permanecer en su conservadurismo. La crisis artesociedad fue un fenómeno que dio pie al surgimiento de las vanguardias. A las vanguardias se les conoce como los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su propuesta común sobre ser tan rupturistas con los modelos clásicos ha sido siempre característica, dado que en esa época siempre se dio una revolución en las artes plásticas. 6 Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. 1.1 Cubismo A continuación presentaremos las características del cubismo, nos interesa para poder entender las características de la pintura La mujer que llora de Pablo Picasso. En 1907 y 1914 surgió en Francia un movimiento Vanguardista llamado cubismo, encabezado por Pablo Picasso, Jean Metzinger, Georges Braque, Robert Delaunay, Juan Gris y Albert Gleizes. Este movimiento inicio cuando Pablo Picasso pintó el cuadro ¨Las señoritas de Aviñón¨ (Les Demoiselles D'Avignon), puesto que con esa pintura dibuja a las mujeres de una forma geométrica. El cubismo se crea por medio de la geometría representando formas de la naturaleza. Por eso ya no se utiliza la perspectiva tradicional, ni los colores reales, no interesa ver las figuras desde un punto de vista único, es decir, que cada quien interpreta lo que ve en la pintura. Por ello, el pintor no se esfuerza en que el público entienda el concepto, por esa razón Pablo Picasso escribió “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro” En las pinturas que representan al cubismo se presenta una sensación de profundidad. Los detalles son suprimidos, y algunas veces representan el objeto como un solo aspecto. Se encuentran bodegones, paisajes y retratos utilizando tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. Otra característica importante es: El cubismo trata de captar la realidad desde todos los ángulos posibles y trata de proyectar el espíritu. 7 Etapas El desarrollo del cubismo se puede identificar en dos diferentes fases: 1. El cubismo analítico que se caracteriza por descomponer la forma y las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objetivo es examinarlas y ordenarlas individualmente. Esta fase es la “original” y por ello la más complicada de entender. 2. El cubismo sintético que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no se analiza y se desmiembra en todas sus partes. Por esa razón, se resume su fisonomía esencial. La síntesis es realizada resaltando en el lienzo las partes más importantes de la figura que serán vistas por todos sus lados. Algo fundamental es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida diaria como papeles, telas y objetos diversos. El primer artista en practicarlo fue George Braque (pintor y escritor francés). El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de ahí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen completa. Semblanza Pablo Picasso Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España el 1901 y 1904 (Biografías y vida, página web). Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo (período que transcurre entre 1901 y 1904: este nombre proviene del color que domina la gama de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas) En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (Busca Biografías, 2016) 8 En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales: el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representaciónn pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativita, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos. El movimiento que el comenzó a practicar fue el cubismo. El Dadaísmo es una corriente intermedia que busca impactar y dejar perplejo al público y le da fin a cubismo y el principio al surrealismo. 1.2 Dadaísmo El Dadaísmo es una vanguardia que fue creado en 1916 en Zúrich, Suiza por Tristan Tzara, la cual se extendió desde Europa hasta Estados Unidos. Esta vanguardia estaba en contra de los valores y códigos de la época, arte, sistemas establecidos y la Primera Guerra Mundial (1914 -1918). 9 Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño. Buscaban impactar y dejar perplejo al público. En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte. El movimiento Dadá, se caracterizó por: Protesta continua contra las convenciones de su época, actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor. Medios de expresión irónico-satíricos, a través del escándalo, el gesto, la provocación. Poesías ilógicas o de difícil comprensión. Se inclina hacia lao rebelde, la destrucción, muerte, terrorismo, fantasioso, etc. Promociona la libertad, lo aleatorio, contradicción, caos, etc. En contra del modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo. Quieren volver a lo infantil. Consideran más importante al acto creador que al producto creado. 1.3 Surrealismo El surrealismo inicio en el año de 1924- 1945. En este tiempo surgieron grandes artistas, entre ellos Salvador Dalí, por el que tenemos gran interés ya que ha sido uno de los artistas más controversiales de la historia, además de que en esta época hay un fuerte contexto histórico que influyó en su forma de plasmar su obra, por ejemplo la Segunda Guerra Mundial, lo que pudo influir en este estilo de pintar. El gran poeta francés Guillaume Apollinaire inventó el término en 1917, en su obra Las tetas de Tiresias, también la utilizó en apuntes para su programa Parade (1917), uno de los ballets rusos de Sergúei Diaghilev. Al morir Apollinaire en 1918 y 10 años después, en 1924, mientras André Breton escribía el manifiesto del movimiento artístico que, según él, contenía aspectos psicoanalíticos de Sigmund Freud junto con la mentalidad Dadá; regresando a ver catálogos de las obras de Apollinaire, decidió nombrar el movimiento, Surrealismo, en homenaje a su amigo Apollinaire. Típico de los movimientos artísticos de la época, es que había una crítica general a la sociedad, la idea era ingresar a los inconscientes de la gente y sacar a flote secretos indecorosos, reprimidos por cuestiones de decencia. Saliendo los secretos a flote, se realizaba una comparación entre la realidad “racional” y la otra versión, que obviamente era mucho más desagradable, aunque más verdadera según Breton. Esta Revolución llevaría a una confusión masiva, provocada por el pensamiento, las palabras y los actos anti racionales de los artistas surrealistas. Lo cual, según Breton, sería maravilloso. El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre, plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. En la literatura generó una revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. En 1928 Breton escribió “El surrealismo y la pintura”, donde explica sobre el inconsciente, la realidad, los deseos y los sueños, y como el surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte, por medio de una asociación mental libre que no presta atención a la razón o la conciencia. Eligiendo como método el automatismo. Pronto se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista: Una que defendía el automatismo, donde se encontraban los surrealistas abstractos como Joan Miró y André Masson, quienes creaban universos figurativos propios. En el automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes, surgen de manera rápida, 11 espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Y otra que creía que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Donde los surrealistas figurativos como Salvador Dalí, René Magritte , Paul Delvaux, Estéfano Viu o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico. Max Ernst y Pablo Alonso Herraiz trabajarán en los dos modos de manera simultánea. Semblanza Salvador Dalí Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí y Doménech nació el 11 de mayo de 1904 en España.Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde comenzó a experimentar con el cubismo. Cuando Dalí viajó a Paris, se unió al movimiento surrealista que fue dirigido por André Breton. La cual, estaba en contra de las ideas o imágenes susceptibles de un pensamiento racional y trataba de buscar la inspiración a través del subconsciente. Por ello, Dalí trató de buscar las imágenes del subconsciente por medio del estado alucinógeno que él llamó “actividad crítica paranoica”. (501 Grandes artistas) Sus cuadros trataban sobre el mundo de los sueños, donde los objetos de la vida diaria se transforman o cambian de manera ilógica, situados en un paisaje árido y soleado. Dalí fue expulsado del movimiento surrealista después de negarse a aceptar su ideología marxista. En 1940 viajó a Estados Unidos en la cual, realizó su primera exposición en la MoMa de Nueva York. Durante este periodo trabajo en el cine, en el teatro, la moda y la publicidad. En años posteriores adopto un estilo más didáctico enfocado hacia la ciencia, el misticismo y la religión. II. Visión Artística 2.1 La mujer que llora En 1937, Picasso completó trece pinturas de mujeres desesperadas por motivo de la guerra civil española que se llevó acabo de 1936 a 1939. La mujer que llora fue la 12 última y la más elaborada de las piezas. A continuación podemos ver en la imagen algunos elementos simbólicos muy importantes de la obra: Sombrero con flor Ojos entre abiertos Pañuelo Pelo recién peinado arrugado La mujer que llora, Picasso, 1937 Existen varias teorías que la mujer es Dora Maar, pareja sentimental de Picasso. La protagonista del cuadro aferra un pañuelo arrugado. Picasso hace notar esa parte a través de líneas en zigzag para darle un aspecto de rigidez provocando el dolor de la mujer. Los colores verdes y amarillos oscuros transmiten un sentimiento de crueldad y de carne putrefacta. El verde, amarillo y el rojo son los colores de la bandera republicana junto con el morado. Las líneas de color negro que se encuentran en el contorno de la figura están muy bien marcadas al igual que la boca, el pañuelo y las manos, sin embargo, ellas se encuentran con color blanco y negro para poder llamar la atención del grito desgarrador que emite la mujer. Los ojos están entre abiertos logrando trasmitir la desesperación y el dolor que produce la guerra. Por último, está el sombrero con la flor y el pelo que parece recién peinado. 2.2 Autorretrato blando con bacón frito 13 Entre sus obras de estética gastronómica destaca este óleo sobre tela, expuesto en el Teatre Museu Dalí de Figueres desde sus inicios. El cuerpo es blando como el bacón, porque es comestible. Dalí definió este autorretrato como “el guante de sí mismo”, ya que decidió pintar únicamente la piel. Muleta s Piel Panceta frita Nombre de la obra Autorretrato blando con bacón frito, Salvador Dalí, 1941 Fue considerado por Salvador Dalí como un autorretrato lleno de ironía, con un rostro amorfo, blando, sostenido por muletas y sobre un pedestal que lleva el nombre de la obra. Se utiliza un trozo de panceta frita como símbolo de lo orgánico y de lo que para el artista era común en los desayunos de su estancia en el Hotel Saint Regis de Nueva York. La forma en la que Dalí plasmó su autorretrato quizá fue intentando hacer una especie de guiño hacia la forma en la que Miguel Ángel se autor representó en la Capilla Sixtina en el Vaticano y además solía decir que lo más consistente de la representación humana no era ni el espíritu ni la vitalidad, sino la piel misma. En la obra se destacan varios de los signos distintivos peculiares de las obras de Dalí. Un ejemplo de eso serían las muletas como una alusión de la idea de impotencia (gran temor de Dalí), las figuras blandas y duras, las primeras correspondientes a lo digerible, sustancial y cognoscible y las segundas representando lo impenetrable e irreductible en 14 principio al conocimiento, todo esto con una obvia fuerte influencia de la filosofía kantiana, de la cual Dalí era gran conocedor. Por último también se puede ver una visión de Dalí acerca de cómo cualquier elemento se podía convertir en su autorretrato, derivado de un exceso egocéntrico. III. Análisis de resultados En el cubismo se caracteriza por el análisis de la realidad física y tiende a fragmentar esta misma en forma geométrica. Este estilo se aleja de la naturaleza aunque no abandonan la idea de esta de una manera débil y deformada. Su principal representante fue Pablo Picasso. En el caso del surrealismo, se intentan plasmar el inconsciente, es decir, el mundo de los sueños y los más profundos pensamientos, Se basa en la imaginación intentando plasmarla de una forma real. Su principal representante fue Salvador Dalí. A continuación, La mujer que llora y el Autorretrato blando con bacón frito se ponen en comparación para poder comprobar las semejanzas y diferencias de casa uno. La mujer que llora Autorretrato blando con bacón frito Causa Pareja sentimental Autorretrato Propósito Guerra civil española Burla Colores Brillantes y trasmiten Obscuros sentimiento Línea Rectas Curveadas Perspectiva 2D 3D Rostro/facciones Reconocible Irreconocible Le dan un significado personal No están apegados a la realidad Sus respectivas manifestaciones artísticas son vanguardistas 15 Conclusiones Al final de este trabajo y como consecuencia de los análisis ya realizados, pudimos concluir que mucha gente puede llegar a confundir entre estas dos vanguardias artísticas que son el cubismo y el surrealismo, ya que tienen posibles similitudes, después de todo, no resulta algo tan descabellado tener confusiones a la hora de comparar ambas vanguardias, puesto que pertenecen a una época histórica muy singular en la que se buscaba innovar en todos los aspectos (principios del siglo XX). Sobre las similitudes entre ambas vanguardias es principalmente que ambas no están apegadas a la realidad debido a su fuerte sustento literario y su perspectiva completamente anti convencional. No obstante, no se puede ignorar que la esencia del cubismo son las figuras geométricas y por otro lado el cubismo se basaba en destacar detalles de un hecho objetivo, mientras que el surrealismo estaba más enfocado hacia algún hecho subjetivo, esto debido a la fuerte influencia que tuvo del psicoanálisis. Ambas vanguardias tenían propósitos similares, pero los objetos de estudio y expresión artística eran diferentes entre sí, al igual que su forma de representación en el lienzo. Fuentes de Consulta: Bibliográfica Gombrich, Ernst. La historia del arte. Hong Kong, decimosexta edición: Conaculta, 1995. Prette, Maria Carla, Alfonso De Giorgis. Historia Ilustrada del arte. Madrid: Susaeta. GOMPERTZ, WILL; ¿Qué estás mirando?, 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos; Ed. 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