22_Arte Impresionista y Fauvista o Postimpresionista francés

Universidad Veracruzana
Facultad de Historia
HISTORIA DE ARTE
ARTE IMPRESIONISTA y
FAUVISTA o POSTIMPRESIONISTA FRANCÉS
Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez
Ideas Estéticas
Impresionismo
Sentido
Capturar el Instante a través de la práctica
objetiva.
Gusto
Efectos luminosos de la Naturaleza y el color
verdadero (la luz)
Ideal
Captar la Realidad a través de la fijación por la
aventura objetiva y la especialización.
Valor
La objetividad del Método Científico.
Pasión
La experimentación objetiva.
Sentimientos
Naturalidad y objetividad
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a
finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la
Academia Francesa de Bellas Artes, institución que fijaba los modelos a
seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del
mundo espontánea y directa, en pinturas creadas "in situ", no
elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces.
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda
mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia—
caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello
que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con
identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá
de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del
arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.
Oscar-Claude Monet (1840-1926)
Monet logró exponer algunas de
estas obras en el Salón de París. A
partir del final de la década de 1860
comenzó a pintar obras
impresionistas.
La vocación de Monet fue siempre
el paisaje. Al grito “¡Larguémonos
de aquí, que hiede!”, abandonó
junto con sus amigos Renoir, Sisley
y Bazille el taller e París.
Experimentó con la luz y el
movimiento, ambas representaban
para el la realidad y el momento era
imposible de captar, todo era
entonces una fuga de luz en
movimiento.
Iglesia de Vétheuill (1878)
Las barcas, regatas en Argenteuil
(1872)
Monet, Impresión, sol naciente, 1872
Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
Renoir ofrece una interpretación
más sensual del impresionismo,
más inclinada a lo ornamental y a la
belleza, por eso Renoir sintió gran
debilidad por el cuerpo de la mujer
y decía: “Sea Venus o Nini, uno no
puede concebir nada mejor”.
Comprendió que la luz era la base
de lo que podía considerar como
real e importante y el movimiento
podía ser considerado como un
instante.
El instante era pues un preciado
momento y captar el movimiento en
el instante mismo era de gran
significación.
Le Mouline de la Galette (1872).
Las Bañistas de Filadelfia (1888).
Renoir. Almuerzo de remeros. Óleo. 1881,
El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran
cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida
social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la
vitalidad. Su más grande obra durante este período es Déjeuner des
canotiers; la mujer que juega con el perrito en este cuadro será su esposa,
Aline Charigot.
Hilaire-Germain-Edgar de Gas,
más conocido como Edgar Degas
(1834-1917)
Después de regresar de Italia,
Degas copió pinturas en el Louvre.
En 1865 algunos de sus trabajos
fueron aceptados en el Salón, y
gradualmente ganó respeto en el
mundo del arte convencional
A Degas nunca le interesaron los
espacios abiertos, lo que realmente
le interesa es captar los
movimientos del cuerpo,
entrometerse alevosamente en los
gestos triviales, en la intimidad de
una “toilette”.
El movimiento captado con un estilo
de impresión con el pincel era lo
que hacía posible un “retrato” del
movimiento, del instante y de los
cuerpos.
Después del Baño (1879).
Degas realizó retratos y series
sobre el mismo tema,
destacadamente las bailarinas,
pero también sobre las carreras de
caballos, uno de sus temas
favoritos, en el que explora el
movimiento.
Otra serie son los desnudos
femeninos que realiza sobre los
distintos momentos de la toilette
femenina. También representa
escenas cotidianas de mujeres,
lavanderas, planchadoras o
burguesas.
Degas. La estrella, 1878
A partir de 1880 usó cada vez más
el óleo, en particular cuando trata
desnudos femeninos. Esta técnica
resultaba ideal para materializar su
interés por el dibujo y la realidad
instantánea y cambiante.
Georges-Pierre Seurat (1859-1891)
El neoimpresionismo o también
llamado postimpresionismo se
inaugura con Seurat y Cézanne.
Consideran que la impresión del
movimiento y el instante mediante la
pincelada no es lo adecuado, sino que
todo existe en la luz mediante fotones,
es decir, puntos de luz. Crean la
escuela puntillista por medio de la cual
se considera se acerca más a la
realidad de la impresión.
Seurat, fascinado por la afirmación de
Charles Blanc sobre “el color sometido
a reglas seguras, puede enseñarse
como la música”, construye toda una
teoría de precisión casi matemática.
Bañándose en el sena (1887).
Port-En Bassin (1887).
Seurat. Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte,1884
La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París. Seurat pasó
dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje
del parque. Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos
minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura
coherente en el ojo del observador.
Paul Victor Jules Signac (1863-1935)
Inicialmente se alineó con los
impresionistas, pero después de conocer
a Georges Seurat en 1884 se adscribió,
como artista y teórico, al
neoimpresionismo o puntillismo.
En sus obras plasmó sobre todo escenas
marineras (puertos, veleros, faros),
primero con un puntillismo estricto y
después con un toque más amplio,
proporcional a las dimensiones del
cuadro. Son sus obras de estilo más
libre, menos riguroso, las que revisten
mayor interés y las que cautivaron de
forman singular a Matisse. Dos cuadros,
El palacio de los Papas y La entrada al
puerto de La Rochelle, evidenciaron su
creciente interés por la luz y los colores.
El puerto de Marsella (1884).
Les cyprès à Cagnes (1884).
Signac
Palacio de los Papas en Aviñón, óleo sobre lienzo, 1900.
El Neoimpresionismo o
Postimpresionismo
queda en manos de
Signac a la muerte de
Seurat, como gran
viajero y navegante,
Signac visita y pinta
todos los puertos de
Francia en grandes
telas cuidadosamente
estudiadas en las que
trata de equilibrar
sabiamente los distintos
elementos de la
naturaleza para
conseguir “el resultado
más armonioso, mas
luminoso y mas
colorido”.
Vincent Willem van Gogh (18531890)
En enero de 1886, Van Gogh se
reúne en París con su hermano
Théo y en junio la familia se
traslada a la Rue Lepic, donde el
pintor instala su taller en el tercer
piso diciendo “¿Puedes imaginarme
a las cuatro de la madrugada, tan
pronto, sentado ante la ventana de
mi buhardilla?”, donde ansioso
esperaba el amanecer para poder
captar los colores de la luz en toda
su gama. El postimpresionismo
trataba de hallar el límite de la luz
con las formas y dibujarlo
significaría enfrentar los límites de
la luz misma.
El merendero, de la Guinguette, 1886;
arriba.
La siesta, 1890; abajo.
En la pintura Jarro con doce
girasoles, pintado en agosto de
1888, Van Gogh buscaba el
espíritu del simbolismo. La
meticulosidad de las flores
contrasta con la caótica
situación de las hojas así como
la pastosa aplicación del color
que, delante del fondo azul
claro, consigue que el cuadro
tenga un significado que va
más allá que la simple
reproducción de las flores.
Expone la imaginación del
artista y su gran fuerza
expresiva y esta fuerza exigía
un gran delirio de sentimientos.
Van Gogh.
Jarro con doce girasoles, 1888.
Van Gogh. La noche estrellada, 1889.
Los últimos años de Van
Gogh
estuvieron
marcados
por
sus
permanentes problemas
psiquiátricos,
que
lo
llevaron a ser recluido en
sanatorios mentales de
forma voluntaria, entre los
que se encontraba el
manicomio de Saint-Rémy.
En el sanatorio tuvo dos
habitaciones,
una
habilitada para hacerla
servir de taller. Cuando no
podía
pasear
pintaba
cuadros de interior. En
esta época su pintura se
caracteriza
por
la
presencia de remolinos,
como se puede observar
en una de sus pinturas
más conocidas, La noche
estrellada.
Henri Marie Raymond de
Toulouse-Lautrec (1864-1901)
A Lautrec le interesó la vida
citadina y particularmente las
casas de cita. Realizó múltiples
estudios sobre las situaciones
cotidianas de una casa de citas,
la más famosa en parís en la
“Rue des Moulines”. Lautrec deja
a un lado los detalles y forja en
sus pinturas “heroínas”, mujeres
prostitutas que lejos de
vulgarizarlas las encumbra a
pesar de que puedan ser feas o
dolorosas. Utiliza un acento de
ligereza sobre aquello que es
verdad espiritualizándolo
buscando una noble belleza.
Lautrec busca una impresión a
base de líneas y difusión de luz
pero con una ambientación
artificial y citadina.
La toillete (1872).
En el Moulin Rouge: dos mujeres bailando.
Toulouse-Lautrec. 1892.
En el Moulin Rouge: dos mujeres
bailando es uno de los temas
favoritos de Toulouse-Lautrec: el
ambiente nocturno del cabaret
Moulin Rouge de Montmartre
(París).
El pintor procura adoptar una
postura realista: ni condena como
persona de una clase social superior
aquello que ve, ni tampoco lo
embellece idealizándolo.
El primer plano está ocupado por
dos mujeres que bailan juntas,
vestidas con sencillez. Detrás de
ellas hay una barandilla que separa
la zona de baile de la de mesas.
Se reconoce, a la derecha, al pintor
Charles Conder, y a la izquierda a
François Ganzi. La figura con
chaqueta roja es Jane Avril,
cantante y bailarina del Moulin
Rouge.
El fauvismo (fauvisme en francés), es en realidad el postimpresionismo
francés que duró de 1904 a 1908, siendo un movimiento pictórico
caracterizado por un empleo provocativo del color.
Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el
crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el
Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue
Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha
relacionado con la utilización libre del color.
El término fauvismo surge durante la celebración del Salón de Otoño de
1905 donde se presentaron numerosas obras al concurso y aparecieron
problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo
parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una
serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores
excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente.
Henri Matisse (1869-1954)
es considerado padre del
fauvismo, por su pintura
Lujo, calma y voluptuosidad,
considerada como la obra
síntesis del
posimpresionismo que fue
fruto de un ejercicio de
búsqueda personal y que se
convirtió virtualmente en un
manifiesto de lo que sería el
fauvismo.
Lujo, calma y voluptuosidad.
Henri Matisse , 1904.
La utilización subjetiva del
color, la simplificación del
dibujo, su desinterés por el
acabado y sus colores
chillones cuando expuso
sus paisajes, pintados en
Colliure, en el Salón de
Otoño de 1905, le
granjearon el desprecio de
la crítica.
Expuesta por Henri Matisse en el
Salón de Otoño de 1905, el
Retrato de la Señora Matisse o
La Raie Verte (La línea verde,
izq,), se presentaba como una
caricatura de la feminidad y una
excentricidad en la pintura de
retrato esta obra
postimpresionista.
La cena: armonía en rojo (1908).
Eugène Henri Paul Gauguin
(1848-1903)
Buscando
nuevas
sensaciones
luminosas el pintor Paul Gauguin viaja
a Oceanía en busca de un modelo de
arte mas “natural e incivilizado”, algo
más cercano a una realidad, distinta a
la citadina o a la occidental.
De él mismo dice “Soy un salvaje, un
lobo si collar en el bosque”. Ha
rechazado
el
análisis
de
las
sensaciones luminosas y cromáticas
producidas por la naturaleza en el ojo
humano; todo se filtra y se mide por el
cerebro y parece resultado de una
tensión, de un enigma, de algo que ha
ocurrido precisamente en el momento
anterior a aquel en que está
desarrollando la escena trasladada al
lienzo.
Te Reriora,1897; arriba
Nevermore, 1897; abajo.
Gauguin. Mujeres de Tahiti, 1891
Albert Marquet (1875-1947)
El Fauvismo es el estilo artístico
postimpresionista en donde lo
“salvaje” llega a la ciudad, es decir
aquello silvestre inunda la ciudad y
Occidente. Los fondos floreados o
el colorido, la forma de la figura
humana o de los contornos de luz
en las formas de la ciudad se
observan como un “fauve”, lo
salvaje y desgarrado de las selvas
en la propia ciudad parisina y sus
alrededores.
Para Marquet el medio de que se
valió para expresar la emoción de
un espectáculo fue “silvestre”,
determinado por lo que le producía,
es decir, lo hizo renunciar a la
delineación de Matisse.
La mujer rubia (1917).
Entre las ciudades
europeas que
impresionaron
especialmente a
Marquet cabe citar
Nápoles y Venecia
donde pintó el mar y
los barcos,
acentuando la luz
sobre el agua.
Marquet adoptó una técnica muy diferente de la de los impresionistas, pintando el
agua como una zona amplia de un solo tono lo que hacía que el plano de la
superficie del agua quedara sin perspectiva ilusionística, de la que los barcos se
alzan en un plano diferente. Sus vistas de la laguna de Venecia hacen esto de
manera muy económica. El agua permanece en un ángulo recto con respecto al
plano del cuadro y los grandes barcos flotan fácilmente, con sus reflejos
exactamente en el tono correcto para proyectar el lugar adecuado.
Maurice de Vlaminck (1876-1958)
El Fauvismo llego a la ciudad y la
convirtió en una selva colorida con
distorsión de luz y alteración del
paisaje en nítidos y brillantes
colores.
Vlamink, que junto con Matisse y
Derain son los pintores más
significativos del Fauve, revela la
búsqueda
de
combinaciones
estridentes de colores primarios, a
veces obtenidos directamente del
tubo
de
pintura
y
revela
verdaderamente un gusto por la
espontaneidad y la pincelada
rápida.
Calle de Mary le Roi, 1904
El Estanque, 1907; abajo.
Bohemio y anarquista, Vlaminck fue otro de los artistas parisinos que
conmocionaron al mundo de las artes en aquel "salón de las fieras" de
1905. Colores vivos e intensos predominan en sus cuadros de paisajes,
donde son especialmente conocidos los árboles rojos.
Raoul Dufy (1877-1953)
El Fauvismo llego con Dufy al trazo
rápido, con una combinación de
alegres colores hallando una fórmula
sucinta donde se apuntan, denotan e
impresionan por la improvisación
máxima de la acuarela las figuras, su
luz y su detalle.
Raoul Dufy, Friesz y Braque pintaron
bajo el grafismo de acuarela el
refinamiento del color extraído de las
reverberaciones de la luz, en una
elección de armonías audaces con
vívidos colores dispuestos por
pinceladas improvisadas.
Sainte Adresse de día (1906).
Partida de Bacará (1917).
Entre sus obras más famosas hay alegres pinturas con motivos
náuticos, con colores fuertes y formas arabescas. Dufy aplicaba la
pintura a manchas, lo que le daba un carácter muy singular.