-Eugenio- Introducción. Sistema de las Bellas Artes (la llamada “Institución Arte”), llamado así por Peter Bürger (bir-guer): este se basa en un sistema en el que el poder desarrolla el ámbito académico y la Academia está ahora en el salón, por lo cual el poder que es la burguesía, el salón crea el público y la crítica de arte. A su vez trae como factor que lo mediatiza todo, la creación de un MERCADO de arte. Al mismo tiempo surge desde el mundo ilustrado la creación del concepto de patrimonio histórico-artístico y el nacimiento de la estética, como reflexión sobre este mundo artístico. A partir del Salon también surgen los rechazados, y junto a estos, los independientes. A partir de aquí, cuando el mercado también rechaza, surge la “bohemia” y la marginalidad del artista. Es decir, un artista que produce una obra e intenta mandarla a un salón, y no la quieren, intenta venderla, pero no se compra, pero quiere aún así mantener su producción artística, pasa a irse a vivir a lugares marginados de la vida social, y por ende empieza a relacionarse con el proletariado y con el lumpen. Aquí se encuentran los ambientes anarquistas o libertarios. La burguesía no era un conjunto orgánico, presentaba contradicciones por su doble moral, por lo cual también se llegaban a relacionar con los ambientes marginados. Estos marginados dicen que el arte burgués es falso y solo sirve para mantener su estatuto, saliendo esto puramente desde el sentimiento de rechazo. Se provoca un círculo sin fin de rechazo y aceptación. Entre 1880 y 1905, la pequeña burguesía disidente se va acostumbrando a los registros artísticos del arte innovador, incorporándolo en su vida cotidiana y creándose así un mercado. Los marchantes de arte lo notan y se dirigen a ellos, de forma mundial. Algunos miembros de la burguesía comienzan a convertirse en coleccionistas. Esto hace que el artista bohemio pueda pasar a vivir bien puramente de su producción artística, y este es el paso a las VANGUARDIAS. Los bohemios no creían en el progreso, lo creían para los burgueses, pero a partir de este gran giro y el nacimiento del avant-garde, la ideología predominante es la del PROGRESO. A partir de ahí, a principios del siglo XIX se empieza a cuestionar el arte como tal, intentando definir también lo bello y al concepto de artista en sí. Surge así la ideología del “arte por el arte”, es decir, no necesita justificación para existir. Los “ismos”. El realismo de Gustave Courbet comienza en la visión, en que aquello que puede ser reproducido, y lo que veo es lo cierto y lo que existe (pensamiento positivista). Sin embargo Baudelaire dice que la verdad no esta solo en la realidad, sino que está tambien en lo inconsciente. La Escuela de Barbizon (y Corot) fue partidaria de salir a pintar al exterior, a la naturaleza, surgiendo así el impresionismo. La mirada cambia con la luz y la atmosfera, y estas dos son variantes que cambian con el paso del día, y los impresionistas captaron estos cambios al salir a pintar au plain air. De esta manera, el tema se convierte en motivo, es decir, solo está ahí como base para que luego el artista pinte a través de esta su visión y su sentimiento, lo cual es un principio totalmente moderno, es un goce desinteresado. Sin embargo, si el cuadro ya no es solo una representación de la realidad en su totalidad, entonces ya no es necesario mantenerse fiel solamente a lo que existe… Mientras tanto, muchos pintores que comienzan en el impresionismo ahora se apartan de la mentalidad positivista porque chocan con los simbolistas y anarquistas en los espacios comunes, pasando al simbolismo. Dentro de estos artistas del postimpresionismo, Gauguin derivará en un fauvismo, mientras que Toulouse Lautrec, Van Gogh y Munch en un expresionismo. Por otro lado, Cezanne y Seurat se unen a la corriente del cubismo. Además de los ismos, hablamos también de nombres particulares, artistas que han creado un estilo propio distintivo. Sin embargo muchos de ellos no tuvieron éxito en vida, no vendieron un solo cuadro, y solo adquirieron su debido reconocimiento tras su muerte. En el cuadro que da nombre al movimiento impresionista, Amanecer de sol naciente (1872), la intención de Monet no es de hacer simbolismos, sino la percepción estetica de la escena, haciendo sugerencias, es decir, que con pocas pinceladas se puedan crear sus distintos componentes. Renoir creaba composiciones decorativas que se terminaron convirtiendo en la definición del buen gusto, sin embargo, viendo esta pintura suya, representando un baile alegre. Sin embargo se hace a un lado el carácter sórdido detrás, ya que había menores de edad buscando conseguir hombres. Esto demuestra que a veces los temas de la pintura impresionistas ocultan realidades mucho mas oscuras de lo que se esta viviendo. El impresionismo lava la cara de una sociedad injusta. Por una parte interesa mucho la técnica impresionista, pero por otro, se comienza a desconfiar en los temas representados. Renoir acaba renunciando al impresionismo para acudir a una pintura mas clásica, con representaciones poco académicas de los cuerpos, casi pornograficas, pero a su vez realizado con técnicas impresionistas. Degas en principio es un pintor de la realidad, del estilo de Courbet, sin embargo también presta mucha atención al encuadre: en esta pintura parece que se hubiera tomado una fotografía (aunque aun no existía la fotografía instantánea). En una misma linea hace una representación de una mujer en un bar, con la vista perdida. Sin embargo pasara de los temas burgueses a representar al proletariado desarraigado, como en esta pintura de una mujer planchando, en la que la representa con varios brazos a la vez y lo deja así. Al mismo tiempo que degas se interesa por personajes populares, introduce en el cuadro elementos que no tienen que ver con la lógica de la escena representada. También aplicará el color de formas que se unifiquen las tonalidades cromáticas, pasandose por encima la fidelidad a la realidad (como en este caso pasa con la camisa de la muchacha de la derecha, cuyo color se expande más allá de esta). Incluso se meterá en las temáticas voyeuristas. En resumen, el impresionismo quería aplicar la visión como algo físico, basada en la luz y la atmósfera. De esta forma, el tema se va convirtiendo cada vez más en el motivo. La pintura pasa de querer acercarse a la poesía a acercarse a la música, al sentimiento que nos provoca, llevando así a corrientes artísticas como las vanguardias. La pintura pompier es la herencia del arte académico, que se da en Francia en el siglo XIX. Suelen tener, especialmente los desnudos femeninos, una gran visión háptica, es decir, táctil, por ejemplo, en esta venus de Bouguereau o en la venus de Cabanel. Frente a estos desnudos, el desnudo voyeurista de Degas pareciera inexperto: utiliza una linea continua para perfilar su brazo, su pecho y cintura. Su brazo derecho esta completamente desproporcionado. En aquel momento esta temática iba en contra de la moral burguesa, era considerado insultante y agresivo. Popularmente llamamos collage a lo que en realidad seria patchwork, pero el verdadero collage (“pegado” en francés) surgió pegando trozos de periódico. En su escultura de bronce de una bailarina de ballet introduce elementos reales, la viste con un corset y un tutú, lo cual podríamos considerar una especie de collage. El arte de Cézanne siempre se quedaba en un plano no profesional, naive, primitivo. Comienzan a aparecer artistas que pareciera que tienen este toque primitivo, no elaborado, y gustaban al público. La “torpeza” de Cézanne era algo que gustaba. Sus pinturas de frutas estaban realizadas con muchas pinceladas superpuestas en varios sentidos: iba cambiando y variando su agresión e introduciendo distintos colores, para finalmente aplicar un contorno y definir, en este caso, las manzanas. Este tipo de pinceladas es la que utilizaron los cubistas. Monet, Renoir y Degas se dejaban llevar por el “tono” local, es decir, eran fieles a los colores del ambiente en donde estaba, mientras que Cézanne homogeneizaba los colores de la superficie. Todo lo pinta de la misma manera, con la misma técnica, casi sin respetar el tono local. Para pintar esta montaña de Santa Victoria, homogeniza la superficie haciendo el mismo tipo de manchas en todo el paisaje, tanto para el campo como para el cielo y la montaña en sí. Se representa lo mínimo para que identifiquemos a la montaña, el valle y la casa. Cezanne recupera el manierismo de el Greco para su pintura en la que representa a un grupo de muchachos. De esta manera la figura de Cézanne va fraguando un nuevo tipo de pintura, comenzando a deformar los cuerpos como si no tuviese habilidad, como si fuese un primitivo. Además comenzó a hacer un tratamiento de la figura parecido a la ley de frontalidad del arte de la cultura egipcia. Picasso y Matisse se fijarán en el arte egipcio. Gauguin se va a Tahití a buscar un ambiente más exótico. Vivió en Perú un tiempo. Pasará a ser un pintor bohemio, anticapitalista, lo que le lleva a separarse de su familia, que era de procedencia burguesa. Georges Seurat se convertirá en el líder del impresionismo, y tendrá muchas disidencias con Gauguin. Gauguin nace ya en un mundo transcultural, al ser descendiente de peruanos y franceses. Fue marino mercante, permitiéndole conocer muchas partes del mundo, y mas adelante se educo en la bolsa, con lo cual gano mucho dinero. La imagen del artista bohemio se desvanece y nace una nueva. Se convierte en un “pintor dominguero”, es decir, pintar en su tiempo libre, como hobby. Conoce al impresionista Camille Pissarro. El artista libre no tiene futuro, a menos que se adapte a los gustos burgueses, razón por la cual quieren volver al arte puro, al arte medieval (primitivismo). A Gauguin la técnica impresionista ya no le sirve una vez que se va al Perú, ya que está muy ligada a la vida urbana, por lo que comienza a hacer su propio estilo. Cuando en la Martinica pinta a las mujeres juntando mangos, estas no son oriundas de allí sino que son descendientes de esclavos, por lo que Gauguin lo que está haciendo es una mistificación de cara a la cultura europea. Mantiene la herencia de la técnica impresionista pero aplicada a un tema exótico, no europeo, por lo que causa furor en Europa. Las pinturas de la Martinica fueron vistas por Van Gogh, y se cree que su producción artística no hubiera sido la misma si no las hubiera visto. Cuando Gauguin regresa a Europa ve el sintetismo pictórico, es decir, la reducción a la simpleza de las formas en la pintura, por lo que se adapta a esta. En esta pintura, el prado no se pinta de verde, sino que es rojo, para representar la intensidad del milagro que estaban viendo las mujeres, el descendimiento de Jacobo. La casa amarilla es una especie de vivienda para resguardar a los artistas que intentaban dar solución al problema de la adaptación al mercado artístico. Al mismo tiempo, le dedicó su serie de girasoles a Gauguin. Utiliza la técnica impresionista para construir el cuadro mediante pinceladas estructurales. Estos girasoles son figuras activadas, no pasivas: pareciera que Quisieran expresar carácter, vida e intensidad al espectador, y no solo están ahí para ser contemplados. A Gauguin lo recibe entonces con ocho cuadros de girasoles. Mientras Gauguin plantea el paisaje como una presencia relativa, necesitando de la arquitectura y del riachuelo, Van Gogh le interesa la sensación del espacio conducido que crean las alamedas y el carácter misterioso que se crea entorno a el. La manera de Gauguin es plástica, la de van Gogh es expresionista, ya que le interesa el más allá, las consecuencias emocionales de lo que representa. En La Belle Angele podemos notar su renuncia a la perspectiva y a la mímesis directa: la figura se encuentra encerrada en un tondo, el título forma parte del cuadro, etc (características muy góticas/medievales). En este Cristo crucificado, el paisaje se ha suprimido a formas y colores, y la escena esta dominada por el sentimiento religioso. La cara de cristo recuerda a sus antiguas representaciones de época románica. A veces se transmite una imagen idílica de Tahití, pero la mayor parte de sus pinturas allí tienen un tinte religioso bajo la unión de su cristianismo con las costumbres tahitianas. Sin embargo, para su primitivismo utilizaba también elementos de otras culturas, como la egipcia. Hace una pintura de un código visual legible para occidente, pero de carácter primitivista: vemos a una mujer desnuda al modo renacentista, pero es una mujer racial tahitiana. Ahora lo que los coleccionistas y críticos buscan en el mundo del arte, en vez de al “artista bohemio”, son los artistas capaces de volcarse a sí mismos en otro lugar y envolverse en su cultura, les interesa el aura de este tipo de cuadros. Los hermanos Stein crearán una comunidad de intereses, que mantendrá a este movimiento vivo. Regresa a París, a las Islas Marquesas, donde no puedo desarrollar la obra que venia haciendo sino que se adapto a este nuevo espacio. Hacia este momento, Gauguin se interesa mucho en los modelos andróginos. Se ha perdido completamente la idea de la necesidad de la Academia para la legitimidad artística de un artista. En 1904, con Paris ya siendo capital del arte, se lleva a cabo el Salón de Otoño, una especie de salón menor que ahora pasa a ser el gran acontecimiento de la vida parisina. Este llego a tener 1600 obras expuestas, de distintos artistas independientes. Es por esto que los artistas sentían la necesidad de destacar a toda costa. Se expusieron 32 cuadros de Cézanne, un artista olvidado. El término de fauvismo nace a partir de una critica en este salón, que noto el gran colorido de las obras colgadas frente a una escultura en medio de la sala de estilo renacentista, por lo que titula su critica “Donatello entre las fieras”. Los artistas llamados fauves dentro de esta sala fueron Matisse, Derain, Dufy, Manguin, Rouault, Braque, Vlaminck, Valtat y Puy. Esta simplificación de las formas y de gran colorido, comenzó a ser el gusto de la burguesía. Matisse hacia 1895 aun era un pintor convencional, pero acudió al taller del pintor simbolista Gustave Moreau, que trataba temas de una ambigüedad sexual y escabroso destinadas al publico decadente del momento. Moreau abrió un taller de enseñanza libre, diciéndole a sus alumnos que lo primero que tenían que hacer para ser grandes era disfrutar del acto de pintar. En vez de asimilar la pintura simbolista de Moreau, Matisse toma de este la importancia que le da al transmitir la sensación de placer a través de la pintura, lo cual se volvió el factor mas importante de esta. La joie de vivre es encontrar la felicidad en la simpleza cotidiana, y esto es exactamente lo que los fauvistas quieren expresar en sus pinturas. Se podría decir que Picasso es uno de los predecesores y fundadores del movimiento: en su obra Yo, Picasso, este nos mira, nos interroga, hace énfasis psicológico, sin embargo, los fauvistas querrán quitar el sentimiento psicológico de sus pinturas. En esta obra, Matisse hace una fantasía patra la clase media burguesa, de vivir au plein air la libertad del desnudo, la alegría de vivir. Vemos a mujeres de clase media bañándose desnudas en una playa del mediterráneo, una total fantasía porque en esa época (1905) nadie iba a la playa y mucho menos hacían este tipo de cosas. Por otro lado, el puntillismo de Seurat tiene que ver con un distanciamiento del artista de su obra, así como una disolucion entre figura y fondo. Algunas obras de Matisse incluso llegan a la abstracción. La de Vlaminck se caracteriza por ser mas intensa en color q la de Matisse, queriendo exaltar la formas de una manera llamativa, por lo que se lo considera un anticipador del expresionismo. En Le bonnaire de vivre, Matisse apela a la temática mitológica a través de cierto tono primitivista, puede ser considerado fauvismo como no. Picasso por su parte, en 1905 no estaba al tanto ya de los avances, sino que seguía haciendo una pintura simbolista y melancólica. Ese anio redescubre el arte ibérico en el Museo del Louvre, lo que le llama mucho la atención. Comenzará a hacer desnudos, como en este caso, que representa a un joven desnudo con un caballo a su lado, representando la libertad. También hace una rehabilitación de El Greco en los modelos de sus cuerpos. Narrativas del cubismo. El cubismo no es un estilo, es un proceso iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque. Ambos habían tenido ya muchos periodos estilísticos variantes y contradictorios. El cubismo tiene que ver con algo racional, geométrico, angular, es un arte de concepto. Se distingue del resto del movimiento moderno ya que este era el gesto, el trazo, el color, el mundo de los sueños, etc. El cubismo no es necesariamente evolutivo, sino que es performatico, se soluciona sobre la marcha. El cubismo de estos dos artistas está muy marcado por la presencia del marchante, Henry Kahnweiler. Junto a este cubismo estuvo el cubismo de Juan Gris, aunque no tiene la personalidad de los otros dos. El cubismo se dio entre artistas franceses que exponían en los Salones: en 1908, Matisse ve la última pintura de Braque y dice “parece que ahora está pintando con cubitos” (xd). A partir de ahora, con el nombre de cubistas, pareciera que deben pintar solo cubos, pero no necesariamente. Luego está lo que llamamos el cubismo expandido, es decir, su influencia en todos los demás movimientos artísticos. Por ejemplo en el neoplasticismo de Mondrian, en las primeras obras de Malevich y en los futuristas. Por esto, el cubismo se concibe como una lengua común de todos los modernos. Se irá diluyendo en la vida social, influyendo en el Art Deco, que es básicamente el cubismo aplicado a la arquitectura. La división entre el cubismo analítico y el sintético: Picasso decía que él analizaba un objeto con su vista y en el lienzo lo sintetizaba. En su época lo que se dice es que el cubismo analítico abandona el color, y el sintético lo recupera. El collage comienza en 1912 y consiste en pegar en el cuadro un elemento que no pertenezca a las bellas artes: periódico, partituras, dibujos recortados, etc. El papier collé de Braque tiene coherencia, pero cuando Picasso pega algo es para que sea disruptivo y heterónimo, es collage. Para algunos, el cubismo comienza con las Señoritas de Avignon, para otros no. Se integran las figuras con el fondo de una unidad cúbica, perdiéndose la perspectiva. Cuando Picasso y Braque ya se acercan a la abstracción, a este se le llama cubismo hermético. Por ejemplo, en La mandora de Braque vemos la difusión de la figura de la guitarra con el fondo. La metáfora musical en Braque es continua, pero en Picasso este cubismo hermético se da en otro tipo de figuras: este cuadro en principio es una masa informe, pero en su centro hay un remero. De a poco estos dos artistas intentarán volver a recuperar la figuración: Picasso lo hará introduciendo características muy distintivas de sus personajes, sin dejar el cubismo atrás: por ejemplo, su Retrato de Ambroise Vollard. Braque en 1911 hace un bodegón en introduce en letras “París”, por lo que empieza a desarrollar las tipografías. -Maite- Braque, Picasso y los conceptos básicos del cubismo. El cubismo es el primer lenguaje moderno alternativo a las concepciones plásticas renacentistas. En este estilo se da la sensación de una deformación de la realidad: por ejemplo, Braque hace un desnudo tras las Señoritas de Avignon de Picasso, en el cual podemos ver un ensanchamiento del cuerpo y múltiples puntos de vista a la vez. Este último aspecto agrega cierto movimiento en la figura, y por ende, el factor tiempo. En su obra Casas en l’Estaque, de 1908, podemos ver representado un paisaje a través de un “despliegue de caras” en el plano pictórico. Los cubistas se comienzan a dar cuenta que les importa más ponerse al servicio de la pintura que de la realidad que estaban imitando: esto era importante porque la identidad y la sustancia de la pintura es que es un plano, una superficie bidimensional, recubierto de formas y colores en un cierto orden, por lo tanto si quiero que la pintura llame la atención, cuanto más aplane los motivos representados, más pictóricos serán estos elementos. De esta manera van perdiendo cada vez más la sensación de volumen. Veremos como las facetas y planos se superponen hasta perder el sentido, como en Violín y Jarra de 1909 de Braque. El cubismo nos hace ser conscientes de los elementos pictóricos que componen a la pintura, de cómo por sí solos no significan nada pero adquieren sentido en el plano una vez ubicados en un conjunto y ubicación determinadas. El cubismo analítico: etapas 1. Cubismo hermético en el umbral de la abstracción y la idea de cuadro-objeto (1910 a 1912) 2. Introducción de letras en el cuadro y el cubismo como lenguaje verbal-visual (desde 1911) Llega un momento en el cubismo analítico en el que las formas se funden con el fondo, creando continuidad figuras fondo, hasta que llega un punto en el que hacen una serie de cuadros tan desencajados que se encuentran a un paso de ser abstractos. Esto lo vemos en El guitarrista de Picasso de 1910, ya que su retícula de líneas y colores apenas representan una figura reconocible, y es muy difícil de leer e interpretar, sin embargo siguen teniendo un referente en la realidad y sigue teniendo cierta coherencia una vez que logramos descifrar las figuras. Otro ejemplo de cubismo hermético es la Mujer leyendo de Braque, en el que podemos intuir la ubicación del sillón por las dos formas curvas que vemos en la parte baja, y la ubicación del libro solo por el lugar donde se ubica, y no porque sea totalmente distinguible. Al leer estos cuadros, es el espectador el que le termina dando forma, ya que por su roce a la abstracción, deja en uno mismo su interpretación. Los artistas llaman stimuli a estas “señales” dentro de la pintura cubista que nos ayudan a organizar el espacio para entender mejor lo que estamos viendo. Por ejemplo, en El tocador de Picasso, el stimuli sería la pequeña llave en la parte central inferior del cuadro. Entre estos stimuli comenzarán a aparecer letras En 1912 Braque realiza Homenaje a Bach (izq), obra en la que podemos ver incluidas letras que deletrean BACH JS., siendo este un bodegón con un violín. Sin embargo las letras aparecen por primera vez en la obra El portugués (der.), también de Braque. Estas letras son de stencil, hechas a través de la técnica del estarcido, como imitando a los artistas callejeros. Son letras de imprenta, no procedentes de la caligrafía a mano, por ende es muy industrial y despersonalizada. Debemos notar que estas letras son planas, no tienen volumen ni sombreado, y están en este caso representando las letras del escaparate de un bar. Por ende, estas letras tienen un carácter asociativo, ya que se refieren a lo real y no a lo abstracto, o sea ayudan a la composición del espacio, a ubicarnos en la escena. Sin embargo, a su vez, una letra en un cuadro no es solo una imitación, sino que es una realidad en sí misma. En Mujer con guitarra de Braque leemos “le rever” (el sueño), y “suate”? (deseo), justo bajo la guitarra. Estas palabras están fragmentadas de igual manera que las formas lo están. Comenzarán a aparecer temáticas de paisajes: en Paisaje con carteles de Picasso de 1912 podemos ver utilizados el color de manera que antes no veíamos, son colores más vibrantes, utilizados para los carteles y la botella. Retrata el entorno propio de la modernidad, la sociedad de consumo del momento. El cartel amarillo esta publicitando los cubitos de caldo para sopa, llamados Bouillon Kub, pero dentro de la obra, ese “kub” alude a la palabra “cubismo” como tal. Esto es un ejemplo de como los elementos adquieren distintos significado dependiendo de su contexto. El cubismo sintético: el papier collé y el collage. El año de 1912 es un momento de transición del cubismo analítico al sintético. Picasso “pinta” su Bodegón con trenzado de silla, en el cual vemos una silla vista desde arriba con objetos apoyados en ella. Las letras que vemos “jou-” sería la portada de un periódico (Le journal) pero a su vez esas tres letras significan “jugar” en francés. La trama del asiento de la silla está hecha con un empapelado que la imita de forma realista. Además, como marco le pone una soga como de marinero. Se abre paso a la idea de que cualquier objeto puede ser visto desde un punto de vista artístico, es decir, se abre paso a los dadaístas. Cuando Braque ve esto que hace Picasso, hace con grafito un bodegón, Frutero y vaso (der.), donde utiliza un empapelado que imita la madera. Ese mismo año, Picasso hace un papier collé titulado Guitarra y hoja de música (izq.), en el que utiliza papel blanco, celeste, uno imitando la madera, una partitura, papel de empapelar y un trozo de Le journal. En este ejemplo, los recortes de papeles cumplen funciones como: - Abstracción en sus formas planas (trapecio, círculo, etc.) - Asociación con la realidad (la página del periódico y la partitura son sacadas de su contexto) - Formas abstractas que leídas conjuntamente adquieren significados figurativos En esta obra, la que sería la parte baja de la guitarra coincide con el fondo, pero esto no significa que le falte una parte o que sea “transparente”, sino que debemos recordar que estos recortes, en el cubismo, toman sentido en su conjunto: entonces, en este caso aunque se utilice el mismo empapelado tanto para forma como para figura, podemos distinguir una de la otra por el resto de las formas en la composición, que ayudan a entender la diferencia entre una y la otra. Au bon marché de Picasso data de 1913, y en esta vemos una caja de lencería (falta info.) También hace la Botella de Vieux Marc (der.) ese mismo año, y en esta podemos ver de nuevo utilizado el periodico Le Jour, una copa justo a su izquierda, hecho su perfil con carboncillo y su líquido con recorte. Además vemos la botella en la parte superior, con las letras de su etiqueta. Estos objetos se apoyan sobre una mesa circular, y el rectángulo de recorte que vemos en la parte inferior representa la moldura de la mesa. Se aprecia una sinécdoque (una figura que toma una parte de algo para representar al todo, o el conjunto para representar sus partes). Necesitamos una sola parte del periódico para entender todo el conjunto. Lo mismo con la mesa, el mantel, etc. Picasso realiza Violín también en 1912, en el que descompone analiticamente un violín, con ayuda de grafito y dos hojas de peirodico. En este caso, el papel del periódico amarronado representaría la madera del objeto (a diferencia de como vimos anteriormente el empapelado que imita la madera). Este añade materia, textura…en contraste con el espacio que le rodea. La diferencia en las S del violín, como la izquierda es más pequeña, significa profundidad, escorzo, es decir, que al estar el violín de costado, uno de sus lados se ve más pequeño: una vez mas, este signo pictórico plano adquiere entonces un significado totalmente distinto en su conjunto.
