ARTE DEL SIGLO XX 1. Marco histórico 2. Vanguardias (pintura
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ARTE DEL SIGLO XX 1. Marco histórico 2. Vanguardias (pintura) - Caracteres - Primeras vanguardias • Fauvismo • Expresionismo • Cubismo • Futurismo • Abstracción • Surrealismo 3. Arquitectura 4. Escultura MARCO HISTÓRICO: Los comienzos del siglo XX quedaron marcados por la primera Guerra Mundial. Este desastre conllevó profundos cambios sociales, políticos y económicos. Este gran conflicto bélico obligó a un replanteamiento de la sociedad europea: Una cierta relajación de las costumbres y aparición de nuevas modas. Caída del los grandes imperios (Rusia, Alemania, austrohúngaro.) Gran número de bajas. En el terreno político es fundamental la revolución comunista, que originó la aparición de la URSS y también la nueva potencia mundial: EEUU, que liderará el bloque de los países democráticos occidentales. En el período de entreguerras, los EEUU vivieron tras los felices años 20, el derrumbe de su economía en el año 29; y en Europa, aparecieron los sistemas autoritarios como el nazismo; y poco a poco se fue formando el ambiente que desencadenó la segunda Guerra Mundial. Terminada esta guerra, el mundo se alineó en dos bloques y nuevos sistemas de alianzas crearon un mundo de tensiones. Lógicamente, el arte del siglo XX, refleja este mundo. El arte de la primera mitad del siglo XX reflejó la mutabilidad de su tiempo. Esto explica la aparición de nuevos planteamientos artísticos, a menudo de corta vida, pero de gran fuerza innovadora: son las llamadas vanguardias históricas que propusieron nuevas formas de entender la obra de arte. Los centros de arte de los primeros vanguardistas se multiplican: son los “ismos” o tendencias que configuraron un denso y rico mapa artístico en Francia, Alemania Bélgica, Holanda, Rusia y más adelante en EEUU. LA ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA : RACIONALISMO: LE CARBUSIER. ORGANICISMO: FRANK LLOYD WRIGHT La arquitectura del primer tercio del siglo XX rompe, igual que la pintura y la escultura, con la herencia de siglos. La nueva arquitectura parte de un nuevo concepto de la estética, basado en la función del edificio(Racionalismo ) y en la integración del edificio en el entorno (Organicismo)Si está armónicamente constituido, bien distribuido, bien integrado en el entorno, el edificio se considera bello. Por primera vez los arquitectos se desligan del pasado, avanzando en la revolución estética iniciada por el Modernismo. Desaparecen las columnas, los entablamentos, los arcos y toda la plástica de la Antigüedad. La arquitectura así concebida se divide en dos grandes corrientes: una europea, denominada Racionalismo que tiene en los arquitectos alemanes de la Bauhaus, en los holandeses del grupo De Stijl y en el suizo Le Corbusier a sus grandes interpretes; y otra norteamericana, llamada Organicismo, cuyo protagonista indiscutible es Frank Lloyd Wright El Racionalismo trata de adaptar las modernas técnicas de la construcción a las necesidades funcionales del hombre contemporáneo. El antecedente de esta tendencia está en la Escuela de Chicago .Hay que dar respuestas arquitectónicas a la nueva civilización maquinista, cuya sociedad, según Le Corbusier, ha convertido la casa en una gran "maquina para vivir". El Racionalismo reduce los edificios a esqueletos de hierro y hormigón La resistencia de estos materiales permite eliminar las paredes exteriores de sustentación y suplirlas por revestimientos de cristal. Surgen así volúmenes transparentes , cuya única decoración reside en el ritmo con que se disponen los huecos en las fachadas. El desarrollo del movimiento racionalista se inició en 1919 con la creación por Walter Gropius , de la Escuela de Arquitectura y diseño industrial de Weimar(Alemania) que denominó "Casa de la construcción" o Bauhaus. Posteriormente se trasladó a Dessau, cerrándose el centro en 1933 cuando los principales profesores emigraron a los Estados Unidos para escapar del régimen nazi. Gropius se rodeó de un grupo académico formado por ingenieros, arquitectos, escultores, pintores y decoradores con el fin de diseñar prototipos destinados a la fabricación en serie. Las casas prefabricadas en acero , con grandes ventanales de vidrio, le permitían conseguir volúmenes transparentes, austeros y una arquitectura barata. Dentro de esta misma tendencia es muy importante el arquitecto alemán Van der Rhoe es el máximo exponente de las construcciones con acero y vidrio. La Fábrica Fagus es una de sus obras más representativas. Estas ideas las comparten también los renovadores de la arquitectura holandesa del grupo De Stijl (Estilo) que propugnaban la línea recta en el arte y reconstruyeron su país después de la Primera Guerra Mundial con modernos edificios cúbicos y desnudos. Pero el gran divulgador del Racionalismo es el suizo -Le Corbusier (1887-1965) teórico, urbanista y arquitecto. Le Corbusier Como teórico, Le Corbusier defiende el orden armónico en la arquitectura, regulada por un canon de proporciones humanas, asimilándose a un clásico. Elaboró sus teorías en el tratado "Le Modulor” que fija unas proporciones que toma como referente al hombre y permite construir armónicamente desde una vivienda a una gran ciudad. Como urbanista concibió en 1922 un plan para la ciudad contemporánea de tres millones de habitantes. Estaría formada por hileras de rascacielos aislados, que convergerían radialmente hacia el centro, donde se situarían los edificios administrativos y comercios. Todos los inmuebles se distanciarían entre sí por espacios verdes de unos 500 metros. Este proyecto se hizo realidad en 1958 al ponerlo en práctica en la ciudad india de Chandigarh. Como arquitecto, su máxima preocupación fue la casa, tanto la villa individual como el bloque de pisos. En ambos casos, el edificio responde a los cinco principios básicos del Racionalismo: 1° Los pilares que dejan la casa libre y aislada del suelo. 2° Las terrazas jardín que permiten el aprovechamiento de las azoteas para jardines,, piscinas, etc. 3° La ventana longitudinal que ilumina y no quita espacio. 4° La planta libre, cada piso puede distribuirse independientemente. 5° Fachada libre que puede diseñarse independiente en función de las necesidades de cada piso. La estructura se limita a un esqueleto de hierro y cemento que deja espacios libres para que el arquitecto organice el interior y los muros de cerramiento según las necesidades del cliente. Los ejemplos más conocidos se este tipo de viviendas son: "La Villa Saboya", en las cercanías de París y un edificio de apartamentos en Marsella, llamado "Unité d Habitation". A partir de los años 50, Le Corbusier empieza a ensayar nuevas formas, utiliza planos y líneas curvas, superficies rugosas, con el cemento en su estado natural, influencia evidente de Gaudí_ La obra más representativa de esta etapa es la pequeña iglesia de Notre Dame du Haute, en Ronchamp. El Organicismo: Lloyd Wright. En América se desarrolla una arquitectura nueva, moderna, pero menos intelectual que la europea. Toma al hombre como referencia, pero no como lo hizo Le Corbusier, sino en un sentido más individual, directo . Wright es el ideólogo y defensor del Organicismo. Su ideal artístico se basa en dos puntos: primero, el edificio ha de concebirse en armonia con el paisaje; y segundo, el cliente ha de sentirse realizado y cómodo entre sus paredes. Persigue ante todo la felicidad y huye de provocar impactos ambientales. La naturaleza es la madre de la arquitectura. Utiliza sobre el hormigón materiales naturales como la piedra, ladrillo. Sus construcciones se integran en el paisaje. La luz es un elemento importante. A lo largo de su vida hay dos grandes épocas de éxito, separadas por un periodo de olvido. La etapa inicial, hasta 1909, se caracteriza por la construcción de casas unifamiliares, las llamadas "casas de la pradera", cuya estructura recuerda a las villas renacentistas de Palladio. A partir de 1909 sus problemas familiares le apartan de la vida artística. Vive un periodo de aislamiento del que sale a punto de cumplir los 70 años diseñando la formidable "Casa de la Cascada", el mejor ejemplo de arquitectura organicista, encargada por un empresario americano. Wright situó la casa sobre la cascada donde su cliente solía sentarse a leer. En su construcción apuró al máximo las posibilidades estructurales de los grandes voladizos de hormigón y consiguió el auténtico sueño de una casa colgada sobre una cascada. Con posterioridad, el círculo le obsesiona y comienza a experimentar nuevos tipos de plantas hasta crear una obra de excepcional importancia en la historia de la arquitectura: el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York (1959). Tiene forma de tronco de cono invertido y consta de dos partes: una sala de exposiciones y un edificio administrativo. La galería de exposiciones es una espiral continua en rampa que se desarrolla en torno a un gran hueco central, cubierto por una cúpula que permite la iluminación natural. Este sistema permite al visitante contemplar las obras en una continuidad permanente puesto que no hay esquinas ni sensación de limites. El exterior tiene una forma helicoidal que coincide con la forma interior y recuerda un gigantesco caracol. Wright ha sido uno de los arquitectos que más popularidad ha alcanzado. PINTURA:ISMOS de las VANGUARDIAS La pintura del siglo XX experimenta una transformación tan profunda que pierde su sentido de representar la realidad y deja de ser pintura figurativa. Para el pintor, la realidad es mucho más compleja y va más allá de la apariencia visible .El artista tiene que investigar nuevas formas que le permitan expresar el mundo de tensiones en que vive. Se crea un arte instintivo, sincero y personal. Los clientes del arte, la burguesía, despreciaron y tacharon de innovadores extravagantes a los artistas, que respondían con una serie de nuevas propuestas que rompían con la estética tradicional El mapa de las primeras vanguardias es amplio y cronológicamente se inician sobre 1905, con la aparición del fauvismo y el expresionismo. Ambos se encargan de desafiar las formas tradicionales y señalan el inicio de otros movimientos como el cubismo, la abstracción y el surrealismo. Los “ismos” tienen poco tiempo de vigencia e incluso algunos autores pasarán por varios de ellos a lo largo de su biografía artística. El final de todo este proceso se marca con el estallido de la segunda Guerra Mundial, momento en el cual muchos artistas europeos huyeron hacia tierras norteamericanas. • EL FAUVISMO Es una reacción al impresionismo, en defensa de la exaltación del color y la forma. Es una corriente pictórica basada en el uso arbitrario de colores intensamente vivos , con pinceladas lisas. No hay matices. (podemos ver antecedentes en el color de Gaugin) El líder indiscutible es Henri Matisse que será fiel al movimiento del fauvismo toda su vida. • Henri Matisse En 1905, Matisse participó junto con otros artistas (Vlaeminck y Derain) en el "Salón de Otoño" de París. Sus cuadros, de colores violentos, escandalizaron al público. La crítica les calificó de "fauves" (fieras); y los insultados utilizaron este término como signo de identidad. Los miembros del grupo se disolvieron, pero Matisse siguió siempre fiel a sus principios: admiración por Cézanne e importancia del color(Gaugin) En la pintura de Matisse, el color lo desborda todo liberándose de la realidad (no coincide el color con su apariencia real en la naturaleza) Las composiciones se desarrollan en un plano único, desaparece la profundidad y la luz según el concepto tradicional. Los contornos se dibujan con trazos enérgicos, y los objetos adquieren apariencia sólida. Entre sus obras destaca: La raya verde (la señora Matisse) Retrato de medio busto de su esposa. Rostro ladeado, mirando al espectador. Ha simplificado las formas, reduciéndolas a base de trozos muy firmes. La raya verde separa dos mitades: una iluminada y otra sombreada; pero Matisse traduce este concepto de la luz en color, de manera que la zona iluminada sería la de la derecha en tonos fríos; y la de la izquierda en tonos cálidos. El fondo está tratado con tres zonas cromáticas intensas: azul, morado, naranja. Predominan los rojos del vestido, el azul del pelo, tonos amarillos, verdes... Los colores se alejan de la realidad y se aplican con una pincelada plana, que resalta las formas claramente delimitadas. A pesar de la intensidad de los colores, de lo enérgico del dibujo, transmite tranquilidad. La danza Personajes desnudos entrelazados en una rueda elíptica, interpretando unos pasos de danza. Mezcla los ritmos curvilíneos con un rico colorido. Manchas de color Dibujo de trazos firmes que resaltan las formas. Marca una serie de ritmos curvilíneos. El color intenso separa unas zonas cromáticas muy bien definidas: azul intenso, verde, tonos rojizos de los cuerpos, La escena tiene un gran movimiento. Es una pintura plana que carece de perspectiva. La música: dos mujeres sobre un fondo plano. Formas sinuosas. Colores puros en zonas bien definidas. El mantel Frutas, botellas. Ventana donde se adivina el paisaje. Mismas características. • EL EXPRESIONISMO Hasta finales del siglo XIX, la pintura había expresado las facetas visibles del ser humano. Solamente Goya, había penetrado en el mundo interior de los personajes.(pinturas negras, Disparates) Este camino iniciado por Goya es seguido por algunos pintores de diferentes países para tratar de expresar una emoción intensa, distorsionando la forma y el color. Por tanto, el expresionismo se puede definir como la distorsión de las formas y el color para expresar sentimientos, emociones y sufrimientos Su iniciador es el noruego Munch. • Noruega Munch Su vida estuvo marcada por el sufrimiento, que él convirtió en algo esencial de su vida y del ser humano. Pintó como nadie la angustia que caracteriza la civilización occidental del siglo XX. Entre sus obras: El grito Aparece un ser humano que emite un grito de angustia, que parece transmitirse a todo el entorno, exceptuando a los dos personajes del fondo, que parecen ajenos. Es un grito de soledad, que incluso lleva a la idea del suicidio. El individuo, se lleva las manos a la cabeza y abre la boca para expresar ese grito de angustia. Ese personaje está quieto, mientras que los personajes del fondo pasean indiferentes. Más allá de estos personajes y la baranda del puente, todo el paisaje parece solidarizarse con el protagonista. Las formas adquieren las mismas líneas sinuosas del personaje principal. El paisaje del fondo es un fiordo, con dos pequeñas embarcaciones. El malestar vital del protagonista se manifiesta a través de esas líneas sinuosas, presentes en todo el cuadro, excepto en el puente y los personajes del fondo, dibujados con líneas rectas. Los colores dominantes son los tonos rojizos, azules, amarillos y negros. Contribuyen a resaltar el sentimiento y angustia del individuo. Pretende reflejar la luz del amanecer en tonos rojos y amarillos. El grito es un reflejo del mundo interior del artista, que quiere llamar la atención sobre el sufrimiento y la soledad del ser humano en la civilización moderna. • Alemania En Alemania se manifiesta el expresionismo en dos grupos "El puente" y el jinete azul". Utilizan la línea angulosa, la esquematización de la forma “El puente” Este grupo es paralelo al fauvismo. Nació en Dresde a principios del siglo XX y plasma la concepción atormentada del hombre. Se llama así porque trata de de servir de enlace entre diferentes manifestaciones de artistas Utiliza una técnica similar a los fauvistas, a base de amplias zonas cromáticas, pero a diferencia de los fauvistas, prefiere los tonos oscuros: el negro, contrastado con colores intensos. Las figuras son alargadas, angulosas: imágenes angustiosas subrayadas por tonalidades negras. En el grupo destaca Kirchner La Calle Utiliza trazos muy angulosos y oscuros con una gama reducida de colores apagados. Crea formas en un espacio comprimido: el tema es una crítica a los personajes burgueses bien vestidos que no ocultan su aspecto altanero “Jinete azul” Este grupo nació en Munich en 1911 fundado por un un artista ruso: Kandinsky. Predilección por los tonos azules .El grupo desaparece con la primera guerra mundial. Kandinsky Fue un brillante teórico. Escribió "De lo espiritual en el arte", donde sostiene que el arte es la expresión de un mundo interior donde la forma es algo secundario. Para él, la pintura es la expresión de las emociones mediante colores La pintura es comparable a la música. Vuelca su interés en la capacidad expresiva del color por si mismo y se desentiende de la realidad, lo que abrió paso a la pintura abstracta Una de sus obras dio nombre al grupo: "el jinete azul".(Lo llaman así porque a él y a otro componente del grupo le gustaban los caballos y el color azul) En torno a él surgió un grupo de pintores, entre los que destaca Franz Marc con obras como el caballo azul, Caballos azules, donde el color nada tiene que ver con la realidad (Kandinsky empezó en este movimiento, pero después derivó a la abstracción; en 1910 realiza su Primera acuarela abstracta salpicada de signos y manchas de color para expresar su mundo interior) • Italia Modigliani, perteneciente a la llamada escuela de París. Realiza una pintura inconfundible Se caracteriza por crear formas humanas alargadas y nostálgicas, cuya languidez se subraya con la inclinación de la cabeza. EL CUBISMO Tras la explosión de cromática del fauvismo y el expresionismo Picasso y Braque crean un arte intelectual y cerebral. El término cubista es un término peyorativo. Se debe al crítico Vauxelles que llamó así al movimiento en una exposición de París ya que en su opinión Braque despreciaba la forma y lo reducía todo a cubos Braque: Casas en Estaque. Otro autor, Juan Gris completaría el movimiento PICASSO afirmaría:: "Yo pinto los objetos tal y como los pienso, no como los veo", defendiendo así la esencia misma del cubismo, su máxima aportación al arte. Junto a Braque, Picasso protagonizó la más completa y radical revolución artística desde el Renacimiento, que supuso el abandono del punto de vista tradicional de la pintura europea ( perspectiva y profundidad, escorzos, claroscuro...) La principal característica del Cubismo es - la fragmentación geométrica del espacio - la visión simultánea de figuras y objetos desde distintos puntos de vista - Se rechaza la profundidad y la perspectiva - Se incorpora la dimensión temporal a la obra, al presentar detalles correspondientes a momentos distintos El Cubismo será pues, el nuevo lenguaje del arte contemporáneo, el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Con el Cubismo, el lienzo deja de ser una ventana a través de la cual se ve una imagen definida por la ilusión de la perspectiva, y pasa a ser lo que real, material y físicamente es, una superficie plana y bidimensional en la que pintar. El pintor dispone sobre ella, como mejor le parece, todos los elementos y es libre para recomponer la realidad a su placer. El precursor más evidente del movimiento es Paul Cezanne , y también conecta con las culturas africanas primitivas. El origen del movimiento lo podemos datar en el año1907 en que Picasso pintó las Señoritas de Avignon, y hacia 1917, comenzó a decaer. Los autores más significativos fueron: Pablo Ruiz Picasso, Braque , Juan Gris y Pablo Gargallo (escultura) Picasso (1881-1973) Junto a Braque .y Juan Gris es la figura más relevante del Cubismo. Ha pasado a la historia como el padre del arte moderno. Su obra incluye pinturas, esculturas, grabados, decorados teatrales y piezas de cerámica, unas 20.000 obras en total. Datos biográficos. Nació en Málaga en 1881. Su padre era pintor y junto a él transcurrieron los primeros años de su formación en Málaga. Después de una breve estancia en La Coruña, la familia se instala en Barcelona a partir de 1895. En esta ciudad realiza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes y posteriormente en la Academia de San Fernando en Madrid. De regreso a Barcelona frecuenta círculos artísticos como "Els Quatre Gats". Realiza tres viajes a Paris. Allí conoce la obra de los grandes pintores franceses y se interesa especialmente por Cézanne, ToulouseLautrec y Degás. Le fascina el ambiente de Paris, y definitivamente se traslada a esta ciudad en 1904, instalándose en Montmatre. La obra La forma más clara de entender la producción artística de Picasso es la exposición por etapas de su obra: • Época de aprendizaje. • Época Azul y Rosa. • El Cubismo. • Etapa clásica. Las Metamorfosis. • Picasso y la guerra • Los años 50 y 60. Época de aprendizaje., A los 14 años domina el color y el dibujo. A los 16 pinta obras totalmente figurativas donde cuida el realismo como " Ciencia y caridad " y decora con retratos la taberna "Els Quatre Gats", que frecuentaba.. Época Azul y Rosa (1901-1906) Asimila las propuestas del postimpresionismo. El suicidio de un amigo y las dificultades económicas marcan el final de la etapa de iniciación y el principio de un nuevo periodo llamado. Azul. Descubre el simbolismo del azul, color que le pareció apropiado para expresar el dolor y el sufrimiento y se convierte en el color básico de sus cuadros durante cuatro años. Sus personajes son ciegos, mendigos, gentes que desconocen. la felicidad. La estilización de las figuras resalta la sensación de soledad y angustia. Obras de este periodo: La vida: tres escenas que representan distintas etapas de la vida El guitarrista ciego La celestina En 1904 finaliza este periodo de tristeza y se inicia la etapa Rosa, durante la que Picasso recupera muchas de las ilusiones y muestra una especial predilección por los personajes circenses. Sigue existiendo la melancolía pero impregnada de cierta dulzura, las figuras pierden los perfiles agudos y se tornan más redondeadas y suaves, mientras el color rosa se combina con pinceladas suaves de azul y tonos ocres La obra más representativa de esta etapa es La familia de Saltimbanquis: Grupo de personajes del circo; en un espacio solitario y vacío. Expresión serena El dibujo es firme y crea formas ligeramente onduladas. Predominan los tonos rosas que se combinan con azules; además tonos pasteles y ocres Arlequín El Cubismo (1907-1917) La influencia de Matisse, la admiración por Cézanne y el contacto con el arte africano provocan en la obra de Picasso una profunda ruptura que se inicia con Las señoritas de Avignon Este cuadro es una rebelión contra el arte occidental, un intento por romper con lo que había hecho hasta ese momento. Descompone las figuras en forma geométrica y las ensambla en un solo plano, simultaneando todos los puntos de vista y rompiendo definitivamente con la perspectiva renacentista. El recuerdo de la pintura egipcia pervive aquí junto con la influencia de la escultura africana. Las Señoritas de Avignon(1907, inicio del cubismo).)(Avinyó) Es una imagen inquietante de cinco prostitutas en un burdel de Barcelona de la calle Avinyo (o Avignon). Las cinco figuras de las mujeres se distribuyen en un espacio interior carente de profundidad y limitado con unas cortinas. La composición parece empujar a las mujeres hacia un primer plano para quedar expuestas en un escaparate para los presuntos clientes. En un primer plano, también podemos observar un plato con frutas. Las cortinas que enmarcan la escena se fragmentan con unos pliegues y ángulos muy marcados. Las figuras se descomponen y fragmentan en multitud de planos que corresponden a puntos de vista distintos, sobre todo las mujeres de la derecha Las tres mujeres de la izquierda tienen influencia del arte africano (tienen orejas largas, ojos almendrados). Muestran el rostro de frente y de perfil También recuerdan el rostro de las esculturas ibéricas que ese año habían sido expuestas en el Louvre. Las figuras de la derecha impactan por las expresiones de sus rostros, deformes y con unos rostros fijos y asimétricos que parecen mirar al espectador. La nariz curvada de las mujeres recuerda a una hoz. Lo más revolucionario es que la mujer sentada se muestra de espaldas y de frente a la vez. Las miradas, los rostros muestran tristeza No se relacionan entre ellas sino con el espectador, al que miran con gestos provocativos tratando de llamar la atención. Respecto al color, predominan los tonos ocres, azules y negros; y el dibujo se hace mediante trazos muy firmes que subrayan las formas geométricas. La luz ilumina todo el espacio por igual. El blanco indica la luz. El Cubismo se mantiene en un primer plano hasta 1917 y pasa por distintas fases: Cubismo analítico en el que se llega a la desaparición del propio motivo del cuadro, que se divide en pequeñas superficies de un solo color: Paisaje de Horta Mujer con abanico Desnudo de mujer con toalla Cubismo sintético que se caracteriza por una vuelta a la sencillez y a la claridad, incorporando objetos reconocibles mediante la técnica del “collage”: Botella, vaso y violín La obra más representativa de la etapa cubista, síntesis de todas las experiencias, es sin duda Los tres músicos La etapa clásica En 1917 viaja a Italia y entra en un período en el que el clasicismo es un elemento clave de su obra. Pinta figuras femeninas de formas sólidas, monumentales, simples y claras, que son un canto a la feminidad: Jóvenes corriendo por la playa, Madre e hijo (su esposa y yu hijo) y Pablo vestido de payaso (armonía de colores, expresión de inocencia) son ejemplos de esta etapa. Las Metamorfosis.. A partir de 1925 inicia un nuevo lenguaje en el que expresa las angustias de la época mediante la modificación de las formas. Se mueve dentro del expresionismo. Un ejemplo es Mujer sentada al borde del mar, que rompe con el tradicional concepto de la belleza y, aunque las formas son humanas, la deformación está en la línea del expresionismo. Refleja la angustia de finales de los años 20. Picasso y la guerra.. La Guerra Civil española aumenta la tensión en el espíritu de Picasso. En 1937 dos obras señalan esta situación: La Mujer que llora y El Guernica El Guernica Lo realiza por encargo del gobierno republicano para decorar el pabellón de España en la Exposición Universal Recoge un hecho histórico, el bombardeo de Guernica por parte de la Legión Cóndor (1937). . La composición está estructurada en torno a una pirámide luminosa, cuyo vértice es el quinqué que sostiene una mujer. Representa un instante en medio de una noche de tragedia. A los lados de esa pirámide, un soldado muerto y una mujer que se arrastra hacia la luz Fuera de la pirámide luminosa aparecen dos ejes verticales, y fuera de esos ejes, a la izquierda, un pájaro herido en la penumbra. En el eje de la izquierda hay un toro y una mujer con un hijo muerto. En el eje vertical de la derecha, una mujer atrapada en un incendio. La escena, formada por los personajes y una serie de elementos arquitectónicos, crea la sensación de un espacio angustioso, casi teatral; con una clara desproporción entre el tamaño de los personajes y las arquitecturas. El color se mueve entre el negro blanco y gris, Esta ausencia de color, recuerda la fotografía de la época y aumenta el dramatismo de la escena, al que también contribuyen la deformación de los cuerpos y las bocas abiertas. Todo en el cuadro expresa dolor, especialmente patente en la mujer con el hijo muerto en brazos, su boca exageradamente abierta y la lengua afilada; el ojo recuerda a una lágrima. Es un dolor que sale de las entrañas que también se expresa de forma patente en el caballo que abre la boca en un relincho final y que tiene una herida causada por una daga vertical. Algunos personajes tienen un significado enigmático que no aclaró Picasso. Ejemplos: El toro, puede representar el poder fascista, el franquismo, Podría ser el símbolo de España que contempla la muerte y desolación de la Guerra Civil. El guerrero muerto con una lanza rota en la mano y una flor que puede simbolizar la esperanza dentro de la muerte. La luz del quinqué que sujeta en la mano una mujer, también muestra un toque de esperanza. Picasso muestra en esta obra su implicación su ideológica pero sobre todo denuncia los horrores de la guerra. Es también una premonición de la Segunda Guerra mundial Desde el punto de vista técnico, este cuadro se considera como un manifiesto de las vanguardias del siglo XX. Tiene también rasgos cubistas y una gran pureza y definición de líneas Años 50 y 60 Terminada la guerra mundial abandona París y se trasladó a la costa mediterránea donde pasó uno de los periodos más felices de su vida. Pinta palomas, temas alegres y pastoriles, como La alegría de vivir En los años 60 reinterpreta cuadros de artistas del pasado. Realiza la extraordinaria serie de Las Meninas contrapunto de la obra de Velázquez, y hace ensayos similares con obras de El Greco y otros pintores. En sus últimos años cultiva los grabados y la cerámica. Significado de la obra Es el artista más famoso, versátil y prolífico del siglo XX. La obra de Picasso es un símbolo de nuestra época, recoge el miedo, la angustia y la desesperanza del hombre del siglo XX .Su vida fue una búsqueda constante de una pintura nueva y una continua renovación artística. Para él la pintura no es un arte figurativo, sino una forma de análisis que debe despertar las conciencias. Su aportación al arte contemporáneo estriba en su enorme capacidad para fusionar elementos diversos, siempre dentro de una constante investigación. . EL SURREALISMO Es un movimiento literario y artístico que surge después de la Primera Guerra Mundial y que se da a conocer mediante la publicación en París en 1924 del Manifiesto Surrealista de de André Bretón André Breton se refirió al surrealismo como un movimiento pictórico que trata de plasmar el mundo del subsconciente en estado puro, despojado del control de la razón y al margen de represiones morales y de convencionalismos sociales. Según Breton el objetivo del movimiento es el encuentro de dos mundos contradictorios, el sueño y la realidad, en una apariencia absurda. En su nacimiento tuvieron mucha influencia las teorías de Freud (la libertad auténtica del ser humano solo aflora en los sueños) y sus precedentes podemos encontrarlos en la pintura de Goya (Los Caprichos) y El Bosco. El surrealismo no se limita al campo de la pintura, sino que fue una filosofía que afectó a otras muchas manifestaciones artísticas como el cine, en el que sobresalió el español Luis Buñuel. Los recursos utilizados por los pintores son muy diversos: animación de lo inanimado, metamorfosis, fragmentos anatómicos aislados, máquinas fantásticas, mezcla de imágenes reales e imaginadas, perspectivas vacías, temas eróticos, y evocación del caos. Dentro del Surrealismo es posible distinguir dos grupos diferentes: - Por un lado, los pintores surrealistas abstractos, que crean sus propios universos partiendo del subconsciente; es el caso de Miró (España). - Por otro lado, están aquellos que realizan una pintura figurativa basada en la asociación extraña de imágenes. En este caso se encuentra Dalí, Magritte, Mark Ernst o Chagall (ver algunas de sus obras son interesantes) Salvador Dalí. Nació en Figueras en 1904 y es el representante más conocido del surrealismo español. Estudió en la Academia de Arte de San Fernando, pero su carácter inconformista le hizo abandonar pronto estos estudios y trasladarse a París. Fue amigo de García Lorca, Buñuel y Picasso. En su juventud se dejó llevar por tendencias muy diversas, pero donde encuentra su más auténtico modo de expresión es en el Surrealismo. La pintura de Dalí da rienda suelta, a través de ensoñaciones, a un mundo interior lleno de tensiones y temores ocultos. Características fundamentales de su pintura son: la perfección del dibujo y la transparencia de la luz. Las influencias renacentistas y barrocas se unen bajo .la luz transparente y limpia que inunda sus cuadros. Entre sus obras: • Muchacha en la ventana, dentro de una linea clásica es una de sus primeras obras (1925).Rompe esquemas al situarla de espaldas La luz transparente del Mediterráneo resbala por su cuerpo. Utiliza pocos colores con infinidad de matices • Premonición de la Guerra Civil Las figuras se alargan y deforman sobre un paisaje de desolación. • El espectro del Sex-Appeal • Un momento antes de despertar .Persistencia de la memoria Los relojes blandos representan la pérdida de memoria con el tiempo. Cultiva la temática religiosa en obras impregnadas de cierto misticismo como: • El cristo de San Juan de la Cruz • La Crucifixión del Museo de Nueva York" • La última Cena. También cultiva el tema histórico en obras como: •El descubrimiento de América. Su preocupación por la muerte se evidencia en temas como: • La Resurrección de los Muertos. El arte de Dalí interpreta el mundo exterior en virtud de sus propias obsesiones. Él mismo califica su arte de "paranóico-crítico". El resultado de este método es la imagen doble que representa dos o más realidades como El retrato de Mae West cuyos rasgos faciales se corresponden con el mobiliario de un salón. Abandonó la pintura en 1982 al morir Gala, mujer a la que estuvo unido sentimentalmente. Su carácter excéntrico y su actitud descaradamente mercantilista, hicieron que en 1939 Bretón le expulsara del movimiento surrealista. LA ABSTRACCION El propósito del arte abstracto es la eliminación definitiva del objeto que el Cubismo había geometrizado, el Fauvismo había reducido a color, y el Surrealismo a un sueño. Los artistas abstractos se expresan mediante colores y formas que no tienen nada que ver con la realidad visual. La obra de arte no representa paisajes, hombres, casas o flores, sino simplemente, una combinación de colores y formas que expresan una necesidad íntima. El ruso Kandinsky es el iniciador de la pintura no figurativa que la define en 1913 en un artículo titulado “E1 elemento interior determina la obra de arte". Kandinsky y el suizo Paul Klee con el que coincide en Berlín, en la Bauhaus, ordenan el color libremente a impulsos de la inspiración. Pero existen varias tendencias en la abstracción como: • el constructivismo • el expresionismo abstracto 1) El CONSTR UCTIVISMO busca relaciones matemáticas entre las formas coloreadas . Se construyen cuadros mediante la utilización de colores primarios (rojo, amarillo y azul) en franjas delimitadas por líneas horizontales, verticales o diagonales, con una indudable influencia del Cubismo. La revista Der Stij1 (Estilo) y los maestros que representa, entre los que figura Mondriant expresa esta tendencia de la pintura moderna. Mondrian realiza series sobre un mismo tema con diferentes grados de abstracción, para él la belleza está en la relación entre la línea y el color: Composición en rojo, amarillo y azul. Los rectángulos se yuxtaponen creando un ritmo en la composición. 2) EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Tras la 2ª Guerra Mundial, París pierde la primacía del arte contemporáneo, que pasa a Nueva York. La hegemonía artística de los Estados Unidos crece al mismo ritmo que su liderazgo político. El expresionismo abstracto surge en un ambiente genuinamente americano y engloba varias tendencias. La más célebre es la "Action Painting", bautizada así por el crítico Rosenberg refiriéndose a las obras de una serie de pintores entre los que Polloc es la figura más representativa. Él hace chorrear directamente el color sobre el lienzo extendido en el suelo, realizando trazos violentos con líneas de pasta directamente del tubo. Su pintura es total, no parece tener principio ni fin, al extenderse hasta los límites de la tela : Senderos ondulados Otras tendencias de la abstracción crean nuevos tipos de collage mezclando materiales como arena, arpillera, yeso , etc, que originan en el lienzo un aspecto tridimensional. Pertenecen al Informalismo En España, Tápies refleja con esta mezcla su desprecio por la civilización industrial. En el fondo, el arte abstracto representa un grito destructivo de la cultura moderna. El Hiperrealismo quiere captar la realidad como si se tratara de una fotografía con la máxima fidelidad. Ver obras de Antonio López Otras tendencias: El Op-art que provoca efectos impactantes, el Pop art: Warhol LA ESCULTURA DEL SIGLO XX El siglo XX supuso también para la escultura una revolución radical, que se tradujo en una ruptura con el pasado y una profunda renovación temática, técnica y formal. Es también expresión de la angustia vital del hombre del siglo XX. A principios de siglo, la influencia de Rodin era muy fuerte, pero el cubismo, de igual modo que revolucionó la pintura, cambió también el tradicional concepto de la escultura, sobre todo por la primacía de la representación mental del objeto sobre su apariencia real. Los conceptos que revolucionan la escultura son nuevos valores estéticos como la deformación de los motivos llegando a la abstracción, el hueco y el movimiento. El hueco consiste en introducir el vacío en la masa de la estatua, invirtiéndose así el concepto tradicional de la escultura, definida históricamente como "un cuerpo sólido sin perforar". En cuanto al movimiento se une por primera vez energía-forma y surgen los móviles. Estos hallazgos van unidos al empleo de nuevos materiales y técnicas, entre los que figuran el alambre, la chapa de hierro fundida, recortada y soldada y todo tipo de materiales. Aunque la escultura siguió un desarrollo a veces paralelo al de la pintura, no siempre resulta fácil clasificarla dentro de los ismos pictóricos. Es más adecuado hablar de ciertas obras cubistas o surrealistas, que de escultores pertenecientes a estos movimientos Algunas de las tendencias representativas de la nueva escultura son: El Cubismo. Durante algún tiempo se siguieron los pasos iniciados por Rodin, cercano al clasicismo, pero pronto la influencia cubista supuso la ruptura definitiva con la tradición, la figura humana desaparece y deja paso a las formas geométricas. El ruso Archipenko es el precursor de esta tendencia. En 1908 llegó a París y comenzó los experimentos cubistas. En su obra "Mujer andando", fundida en bronce, configura varios huecos contorneados por perfiles sólidos. Aprovechando las aportaciones del cubismo, dos escultores contribuyen a la innovación de nuevas formas: los españoles Julio González y Gargallo. (ambos estuvieron en Paris y entablaron relación con el círculo de pintores cubistas) Julio González y Gargallo son los grandes innovadores en el trabajo del hierro. Las aspiraciones de González eran "dibujar con hierro en el espacio", creando obras abstractas y afiladas como "Mujer ante el espejo" Gargallo permaneció más fiel a la figuración, como lo demuestra su obra "El profeta. En ella el hueco o el vacío desempeña un papel tan importante como las partes materiales. El Expresionismo. Las posibilidades expresivas de los materiales a través de las deformaciones y de la exageración de los gestos, genera una estética expresionista próxima al Surrealismo. Dentro de esta tendencia destaca, Zadkine con su obra "El grito", expresión de la destrucción ocasionada por la Segunda Guerra Mundial. Representa una figura de miembros deformados y levanta brazos al cielo en un grito desesperado de horror y angustia. Giacometti realiza la Mujer cuchara, entre expresionismo, surrealismo y abstracción Al margen de los ismos pictóricos tenemos a Brancusi, rumano que se instaló en París. Sus obras en piedra presentan un superficie muy pulida,: son formas puras y esenciales, de gran simplicidad y con escasos detalles, rayando en la abstracción Entre sus obras "Pájaro en el espacio" presenta un ritmo vertical, no es un pájaro sino la idea de movimiento ascendente. Otra obra suya es Mademoiselle Pogany. A mediados de siglo adquiere gran difusión la obra del inglés Henry Moore, que asimila todo tipo de influencias desde Miguel Ángel hasta Picasso. Su interés por la figura humana se concreta en grupos familiares y maternidades que se mueven entre la figuración y la abstracción y que tienen un fuerte valor simbólico. Sus obras revolucionan el concepto de la escultura otorgando al vacío el mismo valor que la materia que lo envuelve. Presentan miembros y volúmenes exagerados. Incorpora el hueco. Su motivo predilecto es la figura humana sobre todo la femenina. La Abstracción plena está representada por el español Chillida que esculpe enormes bloques de hierro .El peine del viento Arte Cinético Además del hueco otra gran aportación del siglo XX a la escultura es el movimiento. El dinamismo se consigue accionando el objeto manualmente, impulsándolo con un motor o mediante un agente natural como la fuerza del aire. El norteamericano Calder es quien aplica estas propuestas a la escultura a la que denomina "Móviles". Antes de Calder el movimiento en la escultura sólo había sido insinuado, pero con los "Móviles", la escultura deja de ser estática . Los principales "Móviles" son los aéreos. Se trata de pétalos y discos de metal de materiales ligeros, unidos por varillas de alambre fino, y en equilibrio inestable. Se suspenden del techo, donde a la menor brisa, las piezas giran, se mueven y hasta emiten sonidos. Uno de sus móvles más famosos es el que se encuentra en el aeropuerto Kennedy, de Nueva York, con sus hojas pintadas de rojo y negro. Otro se encuentra en la fundación Miró de Barcelona. En las últimas décadas del siglo XX: el arte Conceptual donde es más importante el proceso mental que ha conducido a la obra que la obra en sí, El Body art donde el cuerpo humano constituye la obra o el medio de expresión, el Land Art donde la naturaleza es el soporte de las obras…
